„2nd 49“ ist eine Sprach-Klangkomposition, in der sich Kazuya Ishigami mit einem sehr persönlichen Erlebnis auseinandersetzt – dem Tod seines Vaters. 14 Jahre sollten vergehen, ehe er die Stimme des Vaters auf Band unbelastet hören und zu einer Komposition montieren konnte. Das buddhistische „Tibetische Totenbuch“ lehrt, dass der Übergang zwischen Tod und Wiedergeburt 49 Tage dauert. Ishigami vollzieht diesen Zyklus von 7 x 7 Tagen noch einmal musikalisch nach: Strukturiert wird seine Komposition dabei durch die Zahl 49. 49 Tracks Musik aus Sounds und Stimmen – Gebete und Originalton auf Kassette - sind konsequent unterteilt in Zeiteinheiten von 0’49 sek., 4,9 sek. und 49 sek. 49,49 Minuten Performance in Gedanken an einen Menschen auf seinem Weg vom vergangenen Leben in das Neue.

Die Stadt New York war für John Cage Wohnort und Laboratorium zugleich. In der überschäumenden Kunstszene fand der Komponist reichlich Gleichgesinnte und Anregungen für seine radikalen Innovationen.
Die kanadische Klangkünstlerin Chantal Dumas folgt den Spuren John Cages im Big Apple. Dabei kombiniert sie die Geräuschkulissen seiner Wirkungsstätten mit den Klängen seiner bevorzugten Instrumente: Klavier, Schallplattenspieler, Stimme und Schlagzeug mischen sich wie zufällig in das Klangbild einer Stadt.

In der Mitte des letzten Jahrhunderts wurde die klassische Notenschrift für einige Komponisten zu starr und sie begannen mit dem Notenbild zu experimentieren. Ein Pionier der graphischen Notation ist der britische Komponist Cornelius Cardew. Zwischen 1963 und 1967 schuf er die Komposition ›Treatise‹: Auf 193 Seiten finden sich geometrische und abstrakte Formen, modifizierte musikalische Symbole und Zahlen. Die Interpretation und Umsetzung der Zeichen obliegt einzig und allein dem Interpreten.
Der Komponist Christopher Williams hat zahlreiche Treatise-Versionen in einem Remix vereint und mit Texten von Cornelius Cardew kombiniert. So entstand ein musikalischer Essay über die Ambiguität der Notenschrift und über ein Stück Musikgeschichte.

Götz Naleppa, Gründer und langjähriger Leiter des Klangkunst-Sendeplatzes von Deutschlandradio Kultur, ging 2008 in den Ruhestand. Zum Abschied kamen klingende Geschenke aus der ganzen Welt.

Mit Beiträgen von Andreas Bick, Hervé Birolini, Colin Black, Alessandro Bosetti, Frieder Butzmann, Christian Calon, Rilo Chmielorz, Francis Dhomont, Thomas Doktor, Chantal Dumas, Stephan Froleyks, Stefano Giannotti, Heiner Grenzland, Hanna Hartman, Ricardo Haye, José Iges, Arsenije Jovanovic, Kaye Mortley, Georg Klein / Steffi Weißmann, Felix Kubin, Wolfgang Peter Menzel, Cathy Miliken, Kaye Mortley, Norbert Walter Peters, Proton Sonic Arts Group, Lucia Ronchetti / Thomas Seelig, Sabine Schäfer / Joachim Krebs, Mario Verandi.

Abenteuerliche  Sprachspiele, überbordende Assoziationsketten und wuchernde Wortkaskaden: Johann Fischarts ›Affentheurlich Naupengeheurliche Geschichtklitterung‹ von 1575 nimmt die literarische Moderne um Jahrhunderte vorweg. Der Straßburger Dichter verlässt sich auf den Klang der Worte und er setzt auf ein Netz absurder und pseudo-etymologischer Verkettungen. Aus dem neuhochdeutschen Sprachexzess hat der Musiker Reinhold Friedl ein Hörstück geschaffen, das klangliche und sprachliche Strukturen freilegt.

»So hört nun, Ihr meine Orenspitzige und offenmaulvergessene Zuhörer«. (Johann Fischart)

Komposition und Realisation: Reinhold Friedl nach einem Text von Johann Fischart

Sprecher: Bernhard Schütz, Maurice de Martin, Andreas Harder, Thomas Herbst, Elsa Kammerer, Max Knoth, Georg Mariot, Sabine Schall, Wolfgang Tschöke, Christian Wittman, Georg Zeitblom 

Musiker: p.o.p. psychology of perception:  Elena Kakaliagou (Horn), Nora Krahl (Violoncello), Hannes Strobl (E-Bass), Reinhold Friedl (Klavier), Cantantes a pueris Berlin – Leitung Vinzenz Weissenburger

Ton und Technik: Hermann Leppich und Philipp Adelmann         

Through a process of listening and speaking, African Feedback documents an exchange between artist Alessandro Bosetti and residents of villages throughout West Africa. Playing music by various experimental and avant-garde composers to people met in villages, Bosetti records their responses, asking them what they are hearing, and how they relate to the music and sounds. Composing their responses, with field recordings made throughout his travels, African Feedback is a musical portrait of cultural translations, misunderstandings, different voices and languages. Including an audio CD and the transcriptions of the listening sessions, along with an introduction by the artist, African Feedback is a beautiful and beguiling work cutting across the ongoing questions of cultural difference.

Frieder Butzmann geht gern auf den Friedhof. Dort besucht er das Grab von Baron de la Motte-Fouqué, dessen Roman „Die wunderbaren Begebenheiten des Grafen Alethes von Lindenstein“ voller Geister und seltsamer Erscheinungen ist. Alethes besteht so manches Abenteuer mit Gespenstern und versucht hinter alle Rätsel zu kommen, beschwört aber gerade dadurch wieder neue seltsame Gefahren herauf. Frieder Butzmann führt diese Geisterbeschwörung akustisch weiter. Der Schall galt früher als körperlos, die ersten Schallübertragungen durch elektromagnetische Wellen wurden als Materialisationen des Unsichtbaren betrachtet. In „Alethes Soundbeams“ werden diese Techniken benutzt, um auch andere körperlose Wesen zum Klingen und Sprechen zu bringen.

»Was wäre ich ohne das Internet?« Diese Frage stellte sich die tunesische DJane Deena Abdelwahed. Ihre Antwort ist eine Radioperformance mit Elementen aus Hörspiel und Clubmusik. Sie erzählt vom Konflikt zwischen der tunesischen "Generation Y" und ihren Eltern, von der Prekarität jugendlicher Identitäten zwischen Islam und Internet.

›All Hail Mother Internet‹ gewann einen der beiden Produktionspreise beim Radio Lab 2016 von Deutschlandradio Kultur und CTM Festival Berlin.                

Übersetzung: Julia Tieke

Mit Auszügen aus der tunesischen Verfassung und dem Buch "Mörderische Identitäten" von Amin Maalouf

Mitwirkende: Adyan Al-Zohaery, Ayad Al-Zohaery, Hanan El-Ali, Manuela Oforiatta, Antye Greie und Deena Abdelwahed

Sprachaufnahmen:  Hermann Leppich

Holzlatschen/ Uhrwerke/ Eisenbahnrattern/ Bimmeln des Eismanns/ Zerknacken eines Käfers/ Düsenjäger/Milchkannen/ Grabespaten im Garten/ Schreie von Oma Möcker...Die Liste der Klänge aus der Kindheit scheint endlos. Der Musiker und Komponist Stephan Froleyks zitiert aus seinem ganz persönlichen Archiv von Klangerinnerungen. Aus einer Vielzahl konkreter Geräusche und verbaler Klangbeschreibungen komponierte er eine rein akustische Lebensgeschichte. So subjektiv und befangen diese Audio-Aufzeichnungen auch sind, die in den 60er Jahren Geborenen werden vieles wiedererkennen: Schnullerquietschen/ Schulgong/ Erkennungsmelodie einer Radiosendung/ Löffel in Nachtischschälchen/ Keith Jarretts Köln Konzert/ Reggae von Bob Marley...

Die Hardangervidda im südlichen Norwegen ist eine raue, von Gletschern abgeschliffene Hochebene. Hier trainierten die frühen Polarforscher für ihre Expeditionen, hier ermöglichte die Wasserkraft erstmals die Produktion von schwerem Wasser, das für den Bau von Atombomben benötigt wird. Eine von norwegischen Wissenschaftlern errichtete Anlage in Rjukan wurde im Zweiten Weltkrieg heiß umkämpft und zerstört.Dieses Spannungsfeld zwischen urgewaltiger Natur und kurzlebigen menschlichen Eingriffen nutzt Werner Cee für ein akustisches Land-Art-Projekt. Der norwegische Perkussionist Terje Isungset setzt artifizielle Klänge in die Landschaft, bespielt vorgefundene Materialien, kommuniziert mit der vorhandenen Soundscape.

„apónivi“ – bezeichnet in der Sprache der Hopi Indianer „Wind, der die Schlucht hinabbläst“, Wind, der durch die riesigen Canyons ihrer Reservate zieht. Er führt die Geister der unsichtbaren Lebenskräfte mit sich, die „Kachinas“. Aber erst im Tanz und in kunstvolle Masken gehüllt, werden diese sichtbar.
Das Hörspiel ist eine akustische Auseinandersetzung mit den rituellen Maskentänzen der Kachinas, deren symbolträchtige Bedeutung sich in musikalischen Bildern spiegelt. Eingebettet in den Rhythmus vor allem des virtuosen Schlagzeugers Terry Bozzio spielt das Libretto mit dem Klang der Hopi-Sprache, mit Assoziationen, Bedeutungen und Missdeutungen ihrer Kultur.

Was bleibt von einer Kultur? Stätten, Bauten, Steine - beharrlich trotzen sie der Ewigkeit. Die Klangwelten früherer Kulturen hingegen sind längst verhallt. Die junge Disziplin der Archäoakustik verbindet das Hörbare mit dem Sichtbaren, das Ephemere mit dem Bleibenden. Sie erforscht die verborgenen Klangwelten jahrtausendealter Fundstätten. Die Erkenntnis: Frühe Kulturen haben ihre akustische Umgebung ganz bewusst geformt und gestaltet. Zahlreiche Bauten zeugen von einem raffinierten Spiel mit Klangeffekten und -phänomenen. In den westlichen Wissenschaften dominiert das Visuelle nach wie vor als Erkenntnisquelle. Die Archäoakustik setzt ganz auf das Hören. Annie Goh unternimmt eine Höhlenexpedition mit den Forschern Iegor Reznikoff, Rupert Till und mit der Flötistin Anna Friederike Potengowski.

"Architekturkommentare" nennt Marc Behrens eine Arbeit, die auf Klangmaterial basiert, das er im Laufe von 15 Jahren gesammelt hat. Es bildet Räume ab - in diesem Fall die Räume des Londoner Radiosenders "resonance 104.4 FM", Innen- und Außenräume mit ihren technischen Gegebenheiten, wie Heizungs- und Klimaanlagen, Computer.Behrens entwickelt das akustische Porträt eines Tonstudios mit all seinen Gerätschaften, die sonst nur still ihren Dienst tun.

"Architectural Commentaries 4 & 5" wurde auch auf CD veröffentlicht bei Entr'acte (http://www.entracte.co.uk).

Seit mehr als fünf Jahren arbeitet Joachim Krebs an der Projektreihe ARTIFICIAL SOUNDSCAPES. Alle Kompositionen dieses Zyklus repräsentieren künstliche Klanglandschaften zwischen purer Natürlichkeit und reiner Abstraktion. Ihre Klangelemente sind ausnahmslos „natürlichen“ Ursprungs, der artifizielle Aspekt der Komposition entsteht durch die digitale Bearbeitung sämtlicher Parameter der verwendeten organischen Klangquellen. Unhörbare Klänge werden hörbar, das Innenleben von einzelnen Geräusch-Klang-Partikeln wird offengelegt. In diesen organisch-artifiziellen Zwischenmilieus geht es nicht zuletzt um ein „Werden von Übergängen“, Töne von Mensch, Tier und Natur werden zu reinen Linien, reiner Farbe, reinem Klang, reinem Rhythmus. Wir empfehlen die Benutzung von Stereokopfhörern.

Dickson Dee, alias Li Chin Sung, arbeitet seit über 20 Jahren als Produzent, Komponist und Musik-Blogger in Hong Kong. Zusammenarbeit u.a. mit Zbigniew Karkowski, Otomo Yoshihide, Werner Dafeldecker und Tetsuo Furudate. Er betreibt die Labels Noise Asia und Dicksonia Audio.

Sainkho Namtchylak, geboren 1957 in Tuva, studiert seit ihrer Kindheit die rituellen Musikstile Sibiriens. Sie arbeitete u.a. mit Musikern wie Peter Kowald, Werner Lüdi, Shelley Hirsch und Jan Garbarek.

Wu Wei gilt als der weltweit führende Virtuose der Sheng, einer chinesischen Mundorgel. Auftritte in traditioneller, zeitgenössischer und improvisierter Musik u.a. mit den Berliner Philharmonikern, Ensemble Modern, Peter Kowald, Gunter Baby Sommer. Kompositionsaufträge u.a. von Musica Viva München, Fondation Royaumont und Slought Foundation Chicago.

1.000.045 Jahre ist sie alt, und wird doch tagtäglich neu geboren: Die Kunst lebt seit jeher aus dem Spannungsverhältnis von Tradition und Frische. Niemand wusste das besser, als der Fluxuskünstler Robert Filliou, der am 17. Januar 1963 den 1.000.000. Geburtstag der Kunst ausrief. In seiner Folge feiert die Kunstwelt jedes Jahr aufs Neue das älteste Kind des Planeten.Zum Art’s Birthday 2008 hat die Ars Acustica Gruppe der European Broadcasting Union das Motto "Forever Young" ausgerufen. Zahlreiche Radiosender in ganz Europa widmen ihre Geburtstagsfeiern dem Zusammenspiel von Sound Art und Popkultur. Deutschlandradio Kultur konfrontiert dabei ein Stück Urgestein des deutschen Underground mit einer zentralen Formation der jüngeren Elektronikszene: Der Einstürzende Neubauten-Perkussionist Endruh Unruh, die Gruppe Rechenzentrum und der Komponist Frieder Butzmann ergründen gemeinsam den Pop als ewigen Jungbrunnen der Klangkunst.
Art’s Birthday 2008: Forever youngEine Veranstaltung der Klangkunst-Redaktion von Deutschlandradio Kultur mit dem Radialsystem und dem Festival Ultraschall 2008

Zum Art’s Birthday am 17. Januar knüpft die Ars Acustica Gruppe der European Broadcasting Union wie jedes Jahr ein europaweites Klangkunstnetzwerk. Deutschlandradio Kultur beteiligt sich mit der Netwerkoper SOBRALASOLAS! Der Titel ist dem Roman Finnegans Wake von James Joyce entlehnt.SOBRALASOLAS! hat keinen feststehenden Szenenplan, erzählt keine Geschichte und ist keine Dokumentation. Es ist vielmehr ein Ort für Glossolalien und Echolalien, spontane Aufnahmen und gemeinsame Improvisationen.SOBRALASOLAS! kombiniert gesammelte und improvisierte Geräusche, um so eine neue Hör(um)welt zu erzeugen, die zugleich fiktional und real, zeit- und ortsspezifisch ist. Die beteiligten Künstler befinden sich alle an unterschiedlichen Orten auf der Welt. Von dort aus improvisieren sie, indem sie sich nur an einem gemeinsam entwickelten Partiturraster orientieren. Jérôme Joy mischt das Klanggeschehen live im pfefferberg haus 13 Berlin.

Am 17. Januar feierte die Ars Acustica Gruppe der European Broadcasting Union den 1.000043. Art’s Birthday, den Geburtstag der Kunst, und gleichzeitig das 90. Jubiläum des Dadaismus. Unter dem Motto TransDADA Express vernetzten sich über Satellit zahlreiche Klangkünstler und Radiosender zu einer internationalen Geburtstagsparty. Die Klangkunstredaktion von Deutschlandradio Kultur gratulierte mit einer Liveveranstaltung aus dem TESLA in Berlin. Dafür erhielten Tetsuo Furudate und Georg Klein den Auftrag, sich auf ihre Weise mit dem Erbe des Dadaismus auseinanderzusetzen: DADAyama.Marcus Gammel stellt in dieser Kurzfassung die Höhepunkte des Livekonzerts vom 17. Januar 2006 vor.

„Ich bring mal eben den Müll runter.“ – Ein alltäglicher Akt steht unter Beobachtung, gerät dabei in den Hintergrund und verschwindet. An seine Stelle tritt ein akustischer, artifizieller Parcours, immer wieder durchlaufen. Die Erkundung basiert auf Spekulationen. Die Orientierung geht über Bord.Serge Baghdassarians und Boris Baltschun lösen wohlbekannte akustische Räume mit Hilfe ihrer Mikrofone in Einzelteile auf. Akustische Details definieren eine scheinbar logische Abfolge, werden aus ihrer Umgebung extrahiert und beginnen, sich zu verselbständigen. Eine Chronolgie kippt in schizophone Szenerien.„Gehen bedeutet, den Ort zu verfehlen.“ (Michel De Certeau)

„Kindheit als ein schwarzer Spiegel, aus dem traumgleich Wesen eines verborgenen Lebens auftauchen, visionäre Wesen, ‚die bösen Kinder’ genannt, weil sie sehen, was niemand sonst sehen kann. Sie machen das Leben zur Hölle, weil sie alles vorhersehen und nichts vergessen. Die Komposition ist als Suite strukturiert. In jedem Satz erzählen die Kinderstimmen verschiedene Geschichten in einer kryptischen und doch verständlichen Sprache. Schwarzes Theater, in dem die Szenerie kommt und geht und Sounds und Stimmen wie Visionen aus dem Dunkel erscheinen.“ (Sheila Concari).

Eintrag im Logbuch am 5. Oktober 1991. Ort: weit draußen in der Adria auf einem Segelboot. Zeit: 7.30 Uhr, mitten im Balkan-Krieg. Ein Komponist und ein Deserteur steuern ihr Boot über die nahezu unbewegte See, als plötzlich ein kleiner Vogel scheinbar aus dem Nichts vom Himmel herabfällt, sich direkt neben den Seglern niederlässt und einschläft. Ein magischer Moment – nun sind sie zu dritt an Bord und scheinen alle dasselbe Ziel zu haben: dem Krieg, den Grenzen, dem menschlichen Wahnsinn zu entfliehen. Der passionierte Segler und Komponist Arsenije Jovanovič hat diesen Moment persönlich erlebt und die Erinnerung daran in dieser Klangkomposition festgehalten.

Eine „Reise auf Papier“: Der lange Weg von Australien nach Brasilien, zurückgelegt in Briefen. Zwei fern voneinander liegende Länder, zwei Sprachen, die sich fremd sind, werden hörbar, nähern sich an und tanzen miteinander. Die Phantasie der „papiernen Boote“ erschafft einen Ort, an dem Sprache, Töne und Bilder miteinander umgehen, ohne kulturelle oder politische Grenzen passieren zu müssen. Es entsteht eine „Terra Incognita“, befreit von logischen Zeit- und Raumangaben, in der Poesie und Lieder zu sinnlicher und musikalischer Kommunikation werden.

Die Komposition ist eine akustische Reise in das Herz Brasiliens. Sie umfaßt charakteristische Klänge der Stadt Rio de Janeiro ebenso wie menschliche und tierische Stimmen und Musik. Dabei steht für Hermeto Pascoal weniger die inhaltliche Bedeutung von Texten oder Worten im Mittelpunkt, als vielmehr die akustische Variationsmöglichkeit des Klangmaterials. Seine Kompositionen zeichnen sich durch eine große Experimentierfreudigkeit aus: So verbindet er den Klang von konventionellen Instrumenten z.B. mit den Klängen von Pfannen und Töpfen, Tierlauten und der menschlichen Stimme

Ohne ihn hätte E.T. nicht telefonieren können, Luke Skywalkers Laserschwert hätte nicht gebrummt und "Wall-E" wäre durch eine stumme Zukunft gezogen: Ben Burtt gehört zu den Altmeistern des cineastischen Sound-Designs.

Ganze Familien von seltsamen Kreaturen hat er in den letzten 30 Jahren zum Leben erweckt.

Der Berliner Komponist und Krachmacher Frieder Butzmann legt nun die Spuren dieses Lebens frei wie die Fossilien einer versunkenen Welt. Er präpariert sie heraus aus dem Bedeutungsgeröll und hinein in einen eigenen Spielraum.

Dort entspinnen sich kleine Szenen, Dramen und Symphonien zwischen den unterschiedlichsten Geschöpfen. Düsenschlitten, Außerirdische und Naturkatastrophen entfalten ihr klingendes Eigenleben.

Dieses Hörstück ist der dritte Teil einer Trilogie, mit der Stefano Giannotti 1999 begann. „Fine del Messaggio“ (DLR 1999) setzt sich mit Kommunikation auseinander, „Battaglia Navale“ (DLR 2000) beschäftigt sich mit den Themen Macht und Gewalt. Die Komposition „Calendario“ widmet sich nun der Zeit und den Zeitzeugnissen.„Die Protagonisten von Calendario könnten eigentlich die Überlebenden der letzten Schlacht in ‘Battaglia Navale’ sein, die auf einem einsamen Berg Schutz gesucht haben und von dort aus der nachfolgenden Generation etwas hinterlassen wollen.“ (S. Giannotti)„Calendario“ notiert auf musikalische Weise Ereignisse, die die Menschheit geprägt, schockiert oder erfreut haben: Verdis Geburtstag, die Bombe von Hiroshima, der erste Geburtstagskuchen, der erste Schritt auf dem Mond...

Auf einem zusammengeschusterten Karren ist eine Stereoanlage befestigt. Aus den Lautsprechern schallen Koranverse und islamische Musik: So zieht die Carroussa durch die Straßen Marokkos.
Diese Form von mobilem Radio inspirierte den Künstler und Kurator Younes Baba-Ali zu einem ungewöhnlichen Projekt: Im Juni 2012 fuhr seine ›Carroussa Sonore‹ durch Rabat, beladen mit experimenteller Musik, radiophonen Hörstücken, Soundscapes und Textkompositionen.
Der Karren zieht eine Tonspur hinter sich her, die sich rasch im Straßenstaub verliert. Für einen kurzen Moment legt die ›Carroussa Sonore‹ eine bisher unbekannte Kartografie der Stadt an. Younes Baba-Ali und Anna Raimondo zeichnen ihre Wege für das Radio nach.

Zur sogenannten Terrorbekämpfung werden weltweit Telefon-, Fax- und E mailverbindungen mittels multilingualer Spracherkennungsprogramme nach verdächtigen „Reizworten“ abgesucht.Rupert Huber durchleuchtet seinerseits das Phänomen „Zensur“, deren Charakter sich im Verlauf des Stückes vom konkreten Verbot in einen ängstlich um sich schlagenden Kampfapparat verwandelt.So muss der Reizwortkatalog, einst aus der Befürchtung möglicher Konsequenzen erstellt, unaufhörlich wachsen, da Umschreibungen und Synonyme zu Hilfe genommen werden. Schlussendlich ist alles verboten und der Zensor sich selbst verdächtig.

John Cage und sein berühmtes Werk „Roaratorio“, die Komposition zu „Finnegans Wake“ von James Joyce, inspirierten Ward Weis zu diesem Hörstück. Literarische Quelle ist der nie vollendete Text des englischen Dichters Geoffrey Chaucer (1340-1400) „The Canterbury Tales“, eine Sammlung von Versnovellen, die von einer Wallfahrt zum Grabe des heiligen Thomas von Canterbury erzählt.Ganz im Sinne des Meisters Cage nähert sich Tom Hannes dem mittelalterlichen englischen Text von Chaucer, spürt in den Worten Klänge, Geräusche, Bilder und Orte auf, um sie in Musik zu setzen.Der Titel „Chauncecleer“ ergibt sich aus der Verbindung mit einem Charakter aus Chaucers Erzählungen „Chauntecleer“: einem Hahn, der seinen bevorstehenden Tod beherzt abwehrt und fürs erste wieder wegschickt...

Die Klangkünstler Bordoni und Dalo denken sich einen akustischen Raum, charakterisiert durch die Mitte und ihre (persönliche) Umgebung – einen Kreis. Dieser Raum wird hörbar, indem sie den Spuren von Klängen und Stimmen folgen und sich dabei selbst von der Mitte aus weiter und weiter zur Peripherie bewegen. Der „Aggregatzustand“ dieses Klangbildes bleibt kreisförmig; wie die Welle, die vom Ursprungsort immer weiter fort getragen wird und deren Sinn sich abwechselnd aus dem Original und dem Echo ergibt, aus der Gegenwart und der Erinnerung, aus der Mitte und aus der Kreislinie.

Am 16. Januar 2009 konstruierten der Radiokünstler Brandon LaBelle und der Elektronikmusiker Benny Nilsen eine radiofone Versuchsanordnung aus Musik, elektromagnetischen Wellen und menschlichen Körpern: In dem Berliner Club „Maria am Ostbahnhof“ inszenierten sie eine „stumme Disko“, bei der die Tanzmusik nur über drahtlose Kopfhörer zu hören war. Die Tanzfläche des Clubs hatten sie zuvor mit einer Reihe von Mikrofonen präpariert, so dass die Geräusche der tanzenden Körper aufgenommen, weiterverarbeitet und in den Raum zurückgespielt werden konnten. Aus dem so entstandenen Material haben LaBelle und Nilsen nun eine radiophone Performance-Lecture über virtuelle Klänge und physische Kontrolle geschaffen.

"Wie klingt ein Kontinent?" Diese Frage verfolgte der Klangkünstler Christian Calon auf einer langen Reise durch Nordamerika. Dabei orientierte er sich an der "Continental Divide", der Wasserscheide zwischen den Flüssen Richtung Pazifik, Atlantik und Arktischem Meer.

Auf den großen Landkarten erscheinen solche Strukturen nur als abstrakte Farbflächen und kryptische Zeichen. Christian Calon begreift seinen Weg durch die Gebirge und Ebenen deshalb als zeitlichen Ablauf.

Er gestaltet seine Landkarte akustisch: Die Texturen und Höhenlinien, die rhythmischen und materiellen Variationen der Landschaft fügt er zu einer musikalischen Form zwischen Soundscape und Sonifikation.

Organisation der Tabellen 

Jede Wasserscheide umfasst mehrere Ökosysteme/Ökozonen. Der Tonschnitt der Tabellen entspricht diesen Zonen. Namen der Tabellen und Art der Ökozone.

1 - Atlantische Wasserscheide 

die Zonen befinden sich in der Provinz Quebec zwischen den Großen Seen und dem Sankt Lorenz Golf

Hauptflüsse/hydrographisches Netz:

Große Seen - Sankt-Lorenz-Strom

1. Sankt-Lorenz-Tiefland            Atlantic Maritime - Mischwald Ebene

2. Südliche Nordküste            Borealer Schild (Wald)

3. Charlevoix            Borealer Schild Berge

4. Sankt-Lorenz-Strom-Tal            Schwemmebenen des Sankt-Lorenz

5. Nordufer            Tundra des Borealen Schildes (subarktisch) (Sankt Lorenz Golf)

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2- Arktis und Hudson Bay Wasserscheide

die Zonen überschneiden sich in den zentralen kanadischen Provinzen (Manitoba (MB), Saskatchewan (SK), Alberta- (AB))

Hauptflüsse/hydrographisches Netz:

            Bow River + Oldman River > South Saskatchewan River

            Saskatchewan-Gletscher > North Saskatchewan River

            Qu'Appelle River, Assiniboine River

            Seen von Manitoba

            Nelson River           

1. Hudson Bay (MB)            Hudson Plains und Borealer Schild

2. Prärie (MB-SK-AB)            Prärien

3. Die Rocky Mountains (AB)            Montane Cordillera

4. Arktis (Ogilvie Mountains, Yukon)            Taiga Cordillera

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3 - Pazifische Wasserscheide

alle diese Zonen liegen in der Provinz Britisch-Kolumbien (BC)

Hauptflüsse/hydrographisches Netz:

Fraser River

Skeena River

Thompson River

Columbia River

1. Prärie              Prärie (Norden von BC)

2. Cassiar            Boreal Cordillera (Wälder und Berge (innerhalb der Coast Mountains/Küstengebirge) Norden von BC)

3. Skeena            Pacific Maritime (Skeena River und Coast Mountains, (Nord BC)

4. Thompson            halbtrockene Zone - Montane Cordillera (Innere BC)

5. Pacific-Rim            litoral, Coast Mountains und Regenwald

Vulkane: gebundene, schlafende Kraft. Jahrelanges Schweigen, tonloses Dahinschlummern. Dann plötzlich entlädt sich die geballte Energie in einem rauschenden Klangkonzert: mit den Feuermassen dringen bedrohliche Klänge aus der Erde, mischen sich unter das dumpfe Rauschen der wuchtigen Geröllmassen und hinterlassen wüste Kraterlandschaften. „Cratere“ sagen die Italiener zu den riesigen Löchern, die der Ausbruch des Ätna und anderer Vulkane hinterlassen haben. In ihrem Klangstück hat Hanna Hartman Aufnahmen vom Ausbruch des Ätna und anderer Vulkane vor allem in Italien und Costa Rica gesammelt, bearbeitet und zu einer Klangkomposition gefügt.

China – das ist eine Abenddämmerung an einem Seeufer,eine Gruppe von Rentnern beim Tai Chi, das rhythmische Bürsten von Baumwolle, schließlich chinesische Hip-Hop-Musik aus einem Autoradio und die U-Bahn-Durchsagen in Beijing. Stephen Erickson reiste durch China und sah sich einem „übervollen, komplexen chinesischen Gemälde gegenüber, das Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft, Religion und Ideologie in sich vereint.“ Sein Soundscape „Dancing River - Crying Dragon“ erfasst viele Details des heutigen China, verbindet diese Klänge mit klassischer chinesischer Musik und erzählt von über 5000 Jahren chinesischer Geschichte.

Das Herz ist nicht nur ein Körperorgan, das Herz ist ein mythischer Ort. Viele Kulturen messen dem Herzen Bedeutungen zu, die von Gefühlen, Glauben oder Übersinnlichem sprechen. Die Azteken rissen den gefangenen Kriegern auf der Höhe der Pyramiden die Brust auf und hielten die zuckenden Herzen in die Sonne. Ein Herz für die Götter. Was die erobernden Spanier für den Gipfel der Grausamkeit hielten, war für die Opfer nichts weiter als ein religiöser Ritus. Sie starben fröhlich und gelassen: „Das ist der glückselige Tod, den uns unsere Ahnen kündeten und priesen.“ Die Grausamkeiten der Europäer waren anderer Art. Wilhelm Hauff hat sie symbolisch in seinem Märchen „Das steinerne Herz“ erfaßt: „Weder Angst noch Schrecken, weder törichtes Mitleid noch Anderer Jammer pocht an solch ein Herz.“Iris Disse (Autorin und Regie) hat sich auf die Reise in das Herz zweier Welten begeben. Sie und der Toningenieur Peter Avar (ebenfalls Regie) haben in Mexiko rituelle Feste besucht und europäischen Vorstellungen zum Thema Herz gegenüber gestellt.

Die Arcana, die Bildkarten des Tarot, inspirierten José Mataloni bereits zu einer ersten Komposition („Die Arcana“, DLR Berlin 2002). Nun greift er erneut das Motiv des vom Zufall bestimmten Kartenlegens musikalisch auf und befragt dabei die Arcana als Quelle der Weissagung. Neun weitere Bildkarten werden gelegt, neun akustische Symbole können vom Hörer frei gedeutet werden: Der Teufel, der Tod, das Schicksalsrad, der Turm, die Mäßigkeit, die Gerechtigkeit, das Gericht, die Kraft und der Aufgehängte. „Der Kartengeber ist imaginär und sät so den Samen für das subjektive Empfinden des Hörers ebenso wie das des Komponisten –so dass sich ein Dialog zwischen beiden entwickeln kann.“ (J. Mataloni)

„Soto Voce“ spielt mit dem Namen des südamerikanischen Bildhauers Soto. Soto hat in der Toscana eine riesige Klangröhren-Skulptur geschaffen, die dort im Freien auf einer kleinen Anhöhe steht. Michael Vetter und seine Kollegin Natascha Nikprelevic haben ihre Stimmen improvisatorisch mit den vom Wind erzeugten Klängen der Skulptur verbunden und so ein Stück aus Klängen der Röhrenskulptur, Stimmen und den Naturklängen der toscanischen Landschaft komponiert.

Die Oberton-Improvisation „De Profundis“ lässt die Stimmen der beiden Künstler in einer alten Zisterne erklingen, die in Rocca, ebenfalls in der Toscana, zu finden ist.

Der Wissenschaftler, Naturforscher und Weltreisende Alexander von Humboldt steht im Mittelpunkt dieser Komposition von Daniel Velasco. Vor 200 Jahren reiste Humboldt nach Kuba und ging dort - ganz im Sinne seiner fachübergreifenden Wissenschaft - auf die Suche nach Erkenntnissen über die Natur und den Menschen. Viele seiner Erlebnisse und Gedanken hat er aufgeschrieben. In Velascos Komposition erscheinen akustische Bilder aus Havanna, Trinidad und aus dem Nationalpark Alejandro de Humboldt: Orte, die Humboldt Anfang des 19. Jahrhunderts besucht und an denen er geforscht hatte, sind hier „hörbar“ gemacht. Die Texte aus den Reisetagebüchern Humboldts werden in vier Sprachen zitiert und bilden den musikalischen Kontrapunkt zu der reichen und vielfältigen Klanglandschaft Kubas.

1958 stolpern zwei Inder in ein Konzert der Darmstadter Ferienkurse. Einen der beiden wird die elektronische Musik fortan nicht mehr loslassen. Zurück in Indien, kauft er sich Oszillatoren und Filter, der Freund leiht ihm seinen Kassettenrecorder. Unter dem Namen Dhvanivala (Händler oder Spezialist der Klänge) bespielt er zahlreiche Bänder. Seine Stücke bestehen
aus Feldaufnahmen und elektronischen Sounds, er nennt sie Sutras (Formeln).
Als er 1967 spurlos verschwindet, bleibt nur ein Karton mit Kassetten bei seinem alten Freund zurück. Dann gehen auch diese Aufnahmen verloren. In der Intellektuellenszene Indiens gilt der Klangkunst-Pionier Dhvanivala heute als mythische Figur. Der Sohn seines Freundes, inzwischen selbst Komponist, macht sich auf die Suche nach den verlorenen Sutras.

Besetzung:Ingo Hülsmann (Erzähler), Judith Engel (Wissenschaftlerin), Meriam Abbas (Sutras), Fabian
Raabe (Sutras), Olaf Oelstrom (Ranjit Hoskote)

Klang braucht Raum, um sich zu entfalten. Das Künstlerkollektiv 48nord startet eine akustische Reflexion über die realen und imaginären Resonanzräume unserer Gesellschaft: Utopien, Dystopien, Heterotopien. Während im Hintergrund die ersten Ufos landen, betreten wir Michel Foucaults Theoriegebäude und flanieren durch Andrei Tarkowskis Zone. Im Zentrum die dialektische Verschränkung von Innen und Außen: Klangzustände im Neben- und Übereinander. Ausklingen. Einschwingen.

"Das ist der stillste Platz der Welt. Sie werden es noch selber sehen. Hier ist es so schön. Hier, hier ist ja niemand." (Arkadi und Boris Strugatzki).

Mit Zitaten aus:

„Picknick am Wegesrand“ von Arkadij und Boris Strugatzki
„Stalker“ von Andrei Tarkowski
„Andere Räume“ von Michel Foucault
„Größerer Versuch über den Schmutz“ von Christian Enzensberger

„Die große Stille“ ist ein Film über die „Grande Chartreuse“, das Mutterkloster des legendären Schweigeordens der Karthäuser. 19 Jahre nach der ersten Begegnung des Regisseurs Philip Gröning mit dem Prior des Klosters schuf er den ersten Film, der jemals über das Leben hinter den Klostermauern gedreht werden durfte. Eine strenge, fast stumme Meditation über das Klosterleben in seiner reinsten Form. Keine Musik, keine Interviews, keine Kommentare, kein zusätzliches Material. Nur der Lauf der Zeit, der Wechsel der Jahreszeiten und das immer wiederkehrende Element des Tages: das Gebet. In dieser wortlosen Stille wird jedes Geräusch wesentlich. Deshalb hat der Regisseur im Auftrag von Deutschlandradio eine Radiofassung der Soundtracks hergestellt: Stille hören.

Die Autorin ist mit dem Zug von Berlin aus nach Rumänien gefahren. Eine Woche war sie unterwegs. Auf ihrer Route passierte sie die Bahnhöfe Prag und Budapest, Bukarest war die letzte Station. Hanna Hartman hat mit dem Mikrophon diese drei Bahnhöfe belauscht. Es gibt Ähnliches, doch hat jeder Bahnhof auch seinen eigenen Klang. Im Feature treffen sich über Grenzen und Kilometer hinweg diese drei Bahnhöfe akustisch in einem Raum, den die Autorin für sie komponiert hat. Das Feature ist eine Geräusch-Collage für Reisende und Wartende.

Bernhard und Ferdinand, zwei Hundekenner, haben festgestellt, dass ein Hund auf chinesisch nicht "wauwau", sondern "wangwang" macht. Andächtig lauschen Bernhard und Ferdinand den Kötern, aber auch Jochen, einem Postboten, der die unglaubliche Eintönigkeit seines Lebens mit 15 verschiedenen Arten zu bellen kompensiert.Auf der Suche nach grundsätzlicher Klärung des Problems zeigen beide Hundekenner echten Forschergeist. Sie stürmen die wissenschaftlichen Institute und fordern exakte Auskünfte. Gezogen werden alle Register im Bereich hohen und tiefen Gebells. Die Dialoge sind durchflochten mit Zeichen und Tönen der Hundesprache. Es entstehen aberwitzige musikalische Strukturen tierischer Lautmalerei.

Drehungen und Windungen (CD1, Track 1) – 00:06:44
Segeln mit Schubert (CD1, Track 2) – 00:04:21
Die Kammer des Kranken (CD1, Track 3) –  00:08:52
Corpo libero (CD2, Track 2) – 00:09:41
Body in Music (CD2, Track 3) – 00:11:04
Le bonheur / Glück – 00:07:44

Die Schweizer Komponistin Bernadette Johnson ist eine Meisterin der kleinen Form, die sie „akustische Gedichte“ nennt -  assoziative Klanggebilde aus Geräuschen, Instrumentalklängen und Sprachelementen.
Ziel ist, mit minimalen Mitteln bestimmte flüchtige Stimmungen entstehen zu lassen.
Wörtlich sagt sie: „In meinen akustischen Arbeiten interessiert es mich, andere Schichten der Wirklichkeit, das Imaginäre zu finden, die Ambivalenz einer Stimmung. Wenn Alltägliches überraschend miteinander verknüpft wird, kann für Augenblicke etwas Geheimnisvolles anklingen.“

Die Sendung verbindet eine Auswahl von akustischen Miniaturen der Komponistin.

Sonic Arts Lounge revisited 1
Dschungelmusik mit Perkussion und Gesang
von Sven Åke Johansson und Rüdiger Carl

Unter dem Namen ›Echelon‹ betreibt die amerikanische ›National Security Agency‹ seit Jahrzehnten ein weltweites Abhörnetzwerk. Dessen Antennen und Sensoren sind in der Regel unter großen weißen Kuppeln verborgen. Thomas Ankersmit und Valerio Tricoli begeben sich in den stillgelegten Lauschkomplex auf dem Teufelsberg am Rande von Berlin und spielen mit den metaphorischen und akustischen Resonanzen:
 
 »Das Radargebäude der Spionage-Anlage im Grunewald ist das faszinierendste akustische Umfeld, in dem ich jemals gewesen bin. Die Kuppel besteht aus Fiberglas-Sechsecken, der Boden aus Beton. Dadurch entsteht ein spektakulärer Nachhall, sowie ein komplexes Arrangement aus stark gerichteten Echos. Der Ort wird zu einem realen Wesen, das unmittelbar auf musikalische Reize reagiert.« (Thomas Ankersmit)

1913 veröffentlichte Luigi Russolo das futuristische Manifest ›L'arte dei rumori‹ (›Die Kunst der Geräusche‹). Darin proklamierte er das Zeitalter der Geräusch-Töne: Die Maschine hat »eine solche Vielfalt und einen solchen Wettstreit von Geräuschen geschaffen, dass der reine Ton in seiner Kargheit und Monotonie keine Gefühlsregungen mehr hervorruft«.
100 Jahre später begibt sich der litauische Komponist Arturas Bumšteinas auf die Suche nach den Vorzeichen des Futurismus. Fündig wird er im Barock, wo Schallautomaten Einzug ins Theater hielten, René Descartes den menschlichen Körper zur Maschine erklärte, und die temperierte Stimmung noch nicht allein über das Tonsystem herrschte.
Bumšteinas verbindet Aufnahmen alter Theatermaschinen mit Klängen von Cembalo und präpariertem Cembalo:
Affektgeladene Barockmusik trifft futuristische Effektgeräusche.

August Walla lebt im „Haus der Künstler“ der Landesnervenklinik Gugging bei Wien. Er ist weltbekannter Vertreter der „art brut“, der Kunst von sogenannten „Geisteskranken“. Doch für ihn und seine Verehrer reicht sein Geist weit über den uns bekannten Kosmos hinaus: so malt und beschreibt er das „Ewigkeitsendeland“, das nach dem Ende der Ewigkeit beginnt, aber schon jetzt durch „Wurmlöcher“ (wie die neuere theoretische Physik es nennt) mit unserem Weltall verbunden ist...RÖHRER, Wolfgang (Regie)BUTZMANN, Frieder (Komposition)

Faust, nach bewegenden und erschütternden Geschehnissen doch noch in den Himmel aufgenommen, versucht verzweifelt, seinen irdischen Lebenswandel zu rechtfertigen und versteht sein eigenes Wort nicht mehr. Nicht etwa wegen des lautstarken Gesangs der Engel, sondern wegen der Andersartigkeit der himmlischen Sprache. Dennoch lässt er seiner Rede und seiner „faustischen Lebendigkeit“ freien Lauf und vergisst sich in der Tiefe des Augenblicks, der sich als genau das herausstellt, wonach er in den ersten beiden Teilen der Tragödie J. W. von Goethes mühevoll gesucht hatte.Diese Komposition für Gong und Stimme entstand in der Arbeit zu „Die Gesetzestafeln“, einem Stück von 1999, das in Michael Vetters „Academia Capraia“ produziert wurde.

Matilde, das Baby, hat eine unruhige Nacht. Zwischen Wachen und Träumen eröffnen sich ihr drei Phantasiewelten.In ihrem ersten Wachtraum wird die Erde nur von einem Mann und einer Frau bewohnt. Sie müssen Vögel imitieren, um sich verständigen zu können, denn sie beherrschen keine Sprache. Es ist eine Welt ohne Worte.In ihrer zweiten Vision wird die Welt vom Mond aus belauscht: Man hört Stimmengewirr, Glocken, Kriegsgeschrei und Maschinen; elektronische Instrumente imitieren das Morsealphabet.Erneute Sprachlosigkeit herrscht in ihrem dritten Wachtraum. Nur vereinzelte Computerstimmen durchbrechen die Stille und verkünden: „Fine del messaggio“.

„Die beiden zusammen gehörigen Klangkompositionen fire pattern und frost pattern lauschen den Klängen des Feuers und des Eises und betonen durch ihren identischen Aufbau die akustische Verwandtschaft beider Temperaturpole. In fire pattern geht es um die klanglichen Phänomene, die bei Verbrennungsprozessen und großer Hitze entstehen. Im Mittelpunkt stehen Tonaufnahmen von Vulkanen und Geysiren aus Vanuatu, Costa Rica, Island und Sizilien. Daneben erklingen die lang anhaltenden Töne von singenden Flammen und ein Spektrum leisester Glut- und Feuergeräusche, die auf die Rolle des Feuers als ständigem Begleiter des Menschen im Laufe der Zivilisation verweisen.“ (Bick)

Über Jahre hat Jovanovic mit seinem Tonbandgerät die unterschiedlichsten Stimmungen und Atmosphären rund um eine Mauer aufgenommen, die sein Grundstück vor den Gewalten des Meeres, der Adria vor dem kroatischen Rovinj schützt.Die Auseinandersetzung mit dem Klangmaterial konfrontierte ihn mehr und mehr mit seiner eigenen Geschichte. Dabei rückte der Wind in der Mannigfaltigkeit seiner Erscheinungen ins Zentrum seiner Aufmerksamkeit. Als Segler hatte er zahlreiche Meere durchmessen und der Wind bestimmte sein Exil-Leben an der Küste der Adria. Die vierteilige Komposition ist wie ein viermaliger Anlauf, der immer tiefer in das Element Wind und seine subjektive Wahrnehmung eindringt. Es ist eine Auseinandersetzung mit der Naturgewalt, den Launen, aber auch der Bedeutung des Windes.

Die abweisende Kargheit und Schönheit arktischer Wüsten sind der Ausgangspunkt der Klangkomposition „Frost Pattern“.Ausschließlich durch Eis erzeugte Klänge stehen im Mittelpunkt einer akustischen Reise. Sie führt von den gewaltigen Gletschern Grönlands bis zu dem kaum hörbaren Klirren vereister Bäume in einheimischen Gefilden. Es wird akustisch eine festgefrorene, erstarrte Welt beschrieben, unter deren Oberfläche enorme Spannungskräfte wirken. In faszinierenden Originalaufnahmen wird das Wirken dieser Kräfte vorstellbar: bei kalbenden Gletschern, rollenden und berstenden Eisbergen und bei der Rissbildung in Eisflächen auf zugefrorenen Seen. Diesen extrem lauten explosionsartigen Geräuschen werden mikroskopische Klänge bei der Entstehung von Frostgebilden gegenübergestellt.

„Paris, 50.125 vor Christus. In einem Café plaudern ein paar Neandertaler mit einigen Vertretern der Spezies Homo Sapiens. Plötzlich entpuppt sich der Kellner als noch nicht ganz ausgestorbener Australopithecus und sprengt sich in die Luft. Die riesige Explosion öffnet das Tor zu einer imaginären Landschaft aus Atomen und Elementarteilchen. Die Uhr wurde 14 Milliarden Jahre zurückgestellt, auf die Zeit des Urknalls.“ „Geologica“ setzt die verschiedenen Zeitalter der Erdgeschichte in eine verspielt-ironische Klangkomposition um. Ganz nebenbei reflektiert das Stück die Winzigkeit des Menschen angesichts der gigantischen Expansion des Universums.

Man braucht nur einmal das Berliner Olympiastadion während eines Bundesligaspiels zu besuchen, um wahrhaft eindrucksvolle Klangwelten zu erleben. Zehntausende von Menschen, die schreien, toben, klatschen, buhen, singen oder sich zu Sprechchören formieren. Allwöchentliche, ekstatische Massenkonzerte. Diese Massenstimmen - in ihrer ganzen Vielfalt - bilden die Basis, das Orchester, dieser Komposition. Musikalischer Kontrapunkt sind zwei Singstimmen. Sie stehen auf gegen die Masse und besingen nach Texten von Walt Whitman die Unersetzlichkeit des einzelnen Menschen.

Geschmäht und enttäuscht von der deutschen Musikwelt emigriert der Komponist Stefan Weisz 1933 nach New York. Auf der Suche nach neuen Klängen begegnet er experimentierfreudigen Kollegen wie Edgar Varèse und Henry Cowell. Er notiert: »Manhattan ist groß, weit, schnell und vor allem einsam. Kann das die Zukunft der Musik sein?«
Kurz vor Kriegsbeginn kehrt Weisz nach Berlin zurück, wo er eine frappierende musikalische Entdeckung macht. 1945 lautet sein letzter Tagebucheintrag: »Mache eine Liste der Stimmen.«
Allen S. Weiss verbindet historische Kompositionen, Fakten und Fiktionen zu einem Radio-Essay zwischen Philosophie und Phantasma.

Klangmaterial für diese Komposition sind Aufnahmen der beiden Komponisten von zwei ausgedehnten Indienreisen. Ohne zu werten, untersuchen sie die unterschiedlichen Qualitäten von akustischer Energie und die weite dynamische Spanne in Großstädten, auf Basaren oder Viehmärkten: Es ist ein überschäumender Lärm, der Delhis Altstadtgassen vor Sonnenuntergang in einem gigantischen Noise-Konzert versinken lässt; nachts ist es an der derselben Stelle gespenstisch still. Es geht nicht um realistische Abbildung der Orte, sondern um Dynamik und Klangfarbenreichtum: eine komplexe Gewürzmischung - „spicy“!

Die Yaghan waren Nomaden der Meere. Sie steuerten ihre Kanus um die Inseln am Kap Horn und ernährten sich von der Jagd auf Seelöwen. Ihre Sprache war eng mit der Natur verbunden. Sie gilt als das prägnanteste Idiom der Welt. „Hamoni lapude anan“ bedeutet so viel wie: „Früher habe ich unter anderem auch Kanus gebaut - heute tue ich das nicht mehr.“
 Joaquin Cofreces hat die letzten beiden Yaghan-Sprecherinnen besucht. Mit Hilfe von Anthropologen rekonstruiert er die Alltagsklänge der Yaghan. Und mit seinen Mikrofonen streift er durch ihre natürlichen Lebensräume.
 Heute ist Feuerland geprägt von Einwanderern verschiedenster Herkunft. Cofreces schafft eine akustische Meditation über alte und neue Nomaden am südlichen Ende der Welt.

Für dieses Projekt wurde der Begriff „Hausmusik“ wörtlich genommen: Der Komponist Thomas Gerwin und der Toningenieur Lutz Pahl waren im Funkhaus von DeutschlandRadio Berlin unterwegs, um für den Ort typische und auch ungewöhnliche Geräusche einzufangen: Fragmente von Musikaufnahmen, von gesprochenem Wort und Studioatmosphären oder auch nur die Stille eines leeren Kellerraumes.Im Sinne der „Musique Concrète“ isoliert Thomas Gerwin die in der Wirklichkeit aufgenommenen Töne, fächert sie klanglich auf und löst sie so von ihrer ursprünglichen Bedeutung.Diese Komposition ist ein sehr persönliches, subjektives und eigenwilliges musikalisches Porträt unseres Funkhauses in Berlin-Schöneberg.

Ein Farmhaus in der Wildnis, eine Senke im Hügel, ein Versteck im Staudamm, Schlaf zwischen Blaubeeren und Lavagestein: Worin liegt das Geheimnis eines Ortes? Was verbirgt sich hinter seiner pflanzlichen oder mineralischen Architektur, seinen Geräuschen, dem Klang einer Stimme, die von ihm erzählt?
Island und Australien bilden die zwei Pole dieser Montage aus situativen Feldaufnahmen, Interviews und musique concrète. ›Hidden Places‹ handelt vom Zustand des Reisens, Denkens, Sprechens in zwei diametral entgegengesetzten Ländern, die erstaunlich viel gemeinsam haben.

„’Hudson Street’ entstand 2005 / 2006 zwischen New York und Nancy. ich hatte zuerst kein weiteres Interesse, als die Klänge von New York festzuhalten, indem ich systematischen von Straße zu Straße lief. Später suchte ich ganz naiv nach der Musik in den Klängen und komponierte eine musikalische Fiktion – irgendetwas zwischen Folk, Rock und Geräuschmusik. ‚Hudson Street’ ist der Ausgangspunkt für eine noch unvollendete größere Arbeit über das Klanggedächtnis.“ (Hervé Birolini“)

Im zweiten Teil der „Hungarian Soundscapes“ stellen wir die Komponisten Gyula Bánkövi und Janós Decsényi mit ihren Klangkompositionen vor. Gyula Bánkövis Tondichtung „Die Stimme der Seele“ basiert auf der „Leichenpredigt“ und der Bibelübersetzung von Gaspar Károli, die den Ungarn die Heilige Schrift erstmals in ihrer Muttersprache zugänglich machte. Janós Decsényis Sinfonie „Sollte ich lieber weggehen mit den Kranichen?“ verbindet Original-Aufnahmen aus der Pußta „Hortobagy“ mit ungarischen Volksliedern, Violinenmelodien und einer Reimchronik aus dem 16. Jahrhundert.Beide Kompositionen wurden vom „HEAR Studie“ des Ungarischen Rundfunks produziert.

„Diese Arbeit ist ein musikalisches Portrait von Rom durch den Klang seiner alten Türen. Ihr Klang berichtet schattenhaft vom früheren Leben dahinter. Ich habe versucht, in jede Tür zu horchen, um so die Komplexität dieser lärmenden Stadt mit ihren überlappenden Klangjahrhunderten zu beschreiben. Das Öffnen jeder einzelnen Tür enthält Musik, Schrei oder Dialog. So wie in Ariosts ‚Castello di Atlante‘, zu dem jeder hingezogen wird, der ein geliebtes Wesen sucht, so habe ich versucht, das Leben auf der anderen Seite der Tür zu erfassen, indem ich ein Klangspektakel gemischt habe mit persönlichen Erinnerungen und realistischen Projektionen.“ (Lucia Ronchetti)

Die Komposition „im klangrand“ untersucht verschiedenste Aspekte von klanglichen Randerscheinungen: Hörschwellen, Übergänge und Durchgänge, das Spiel mit akustischen Vorder- und Hintergründen sowie mit weit entfernten Klangquellen, die bis an die Ränder des Universums reichen. Das Material für seine Arbeit fand Johannes S. Sistermanns unter anderem im australischen Outback, im Rheintal, im atlantischen Ozean Frankreichs und im bewegten Blattwerk eines Maisfeldes. Er belauschte die Deutzer Rheinbrücke in Köln, den New Yorker Times Square, einen chinesischen Fußgängertunnel zwischen pulsierenden Hauptstraßen und den weitläufigen Bezirk des Himmelstempels in Peking. Sistermanns komponiert mit Alltagsdingen und täglichen Handlungen, Texträndern, Stimmrändern, mit weitläufigen Innenräumen und nicht zuletzt mit den Klängen von Pulsaren. Diese weit entfernten Gestirne senden Radiowellen aus, die sich in hörbare Rauschsignale umsetzen lassen.Bei der Verarbeitung seiner Aufnahmen verzichtet Sistermanns vollständig auf künstliche Hall- und Echoeffekte. Ein Teil seiner Komposition entsteht direkt im Aufnahmeprozess durch das räumliche Verhältnis von Mikrofon und Klangquelle. Im Studio lässt Sistermanns diese Klänge dann porös werden, ausfransen, zerbrechen und sich zu neuen Mischungen zusammenfügen. So erzeugt er ein Spiel von Identität, Selbstbehauptung und immer neuen Klangdurchgängen.

In der lichtlosen Welt der Tiefsee orientieren sich die meisten Organismen anhand ihres Gehörsinns. Diese Erkenntnis inspirierte die argentininsch-mexikanische Klangkünstlerin Sol Rezza zu einer phantasmagorischen Radioarbeit: Frei nach dem Roman "20 000 Meilen unter dem Meer" von Jules Verne entwirft sie eine geheimnisvolle Welt aus Aufnahmen von Hydrophonen und synthetischen Klangflächen. Bitte Kopfhörer bereit halten!

Das Projekt "In the Darkness oft he World“ wurde gefördert durch ein Realisationsstipendium im Rahmen des Radio Lab von Goethe Institut, CTM Festival, ORF musikprotokoll im steirischen herbst, Ö1 Kunstradio, ICAS-ECAS und Deutschlandradio Kultur. Eine Mehrkanalfassung des Stückes wurde am 26. Januar 2015 beim CTM Festival im HAU 2 uraufgeführt.

»Jacob Räume Zen« verknüpft die Texte und visionären Bilder von Jacob Böhme (1575-1624) mit Erfahrungen und Aussagen des Zen-Buddhismus. Die geistige Nähe dieser geografisch so entfernten Welten nutzt Johannes S. Sistermanns, um die jeweiligen Klangräume miteinander in Berührung zu bringen. Böhmes Texte werden aus seiner Heimatstadt Görlitz in japanische Alltags- und Klosterräume versetzt. Worte von Zen-Mönchen reisen akustisch von Japan in die Lebensräume Jacob Böhmes. Im Verlauf des Stückes verweben sich die Klänge allmählich miteinander. Sie schaffen eine Atmosphäre des begriffslosen Erkennens, in der Böhmes Erfahrungen wortlos aufgehen.

„Die Klingonen sind martialische Dickköpfe. Man kennt sie als kriegerisches Volk vom Planeten thlingan aus der Fernsehserie Star Trek. Aber die Klingonen lieben auch die Musik und die Lyrik. Ihr größter Dichter war Shakespeare von der Erde, der angeblich einer der ihren war.Die Klingonische Oper „juHrop“ (sprich tschuch-rop, dt. Heimweh) spielt hemmungslos mit Pauken und Trompeten auf einem heroischen Monumentalorchester, das durch synthetische Gregorianik und elektronische Hi- und Lofi Effekte angereichert wurde. Die Story ist blutrünstig und herzerreißend wie ihre Vertonung. Der Gesang ist Klingonisch und Chinesisch.“ (Frieder Butzmann)

Der sorbische Pastor Jan Kilian (1811–1884) hatte einen Traum: Um seinen altlutheranischen Glauben vor dem Zugriff der preußischen Obrigkeit zu retten, wollte er sein Heil in der Fremde suchen. Ziel seiner Auswanderungspläne war zunächst ein Kontinent, von dem er nur eine außerordentlich vage Vorstellung haben konnte: Australien. Der australische Komponist Colin Black ist in die Heimat Jan Kilians in der Oberlausitz gefahren. Er hat die Klänge seiner Wirkungsstätten aufgenommen, mit den heute dort lebenden Sorben gesprochen und historische Dokumente studiert. Aus diesem Material rekonstruiert er ein akustisches Phantasma seiner eigenen Heimat: Australien wird zu einem schillernden Klangraum zwischen Imagination und Realität. - Jan Kilian hat australischen Boden nie betreten. Er emigrierte 1854 mit 550 weiteren sorbischen Lutheranern nach Texas.

Im Kunstkarussell der 80er Jahre waren Martin Kippenbergers bizarre Spielarten in der Szene die eigentliche Königsklasse. Die Nächte gehörten ihm, und er war unerschöpflich unterwegs als Impresario, Tänzer und Entertainer. Stille und Einsamkeit gab es vor der Leinwand. „Aufstehn / Stuhl kaputt machen / you / yellow / you“ (Martin Kippenberger).Das Hörstück collagiert Texte, Gedichte, Musik und Original-Töne von Kippenberger mit Musik von Augst, Carl und Johansson.

Im Haus der Berliner Festspiele war für die Dauer des Festivals MaerzMusik (14.3. bis 23.3.2003) DeutschlandRadio Berlin zu Gast, um in der SONIC ARTS LOUNGE, im Nachtprogramm, Klangkunst live aufzuführen. Einer der Abende stand unter dem Motto: KLANGKUNST meets TANGO = KLANGO. Also ein Tango, der einmal ohne Bandoneon auskommt, dafür aber aus Geräuschen, elektro-akustischen Elementen und konkreten Klängen komponiert ist. Viele international bekannte Klangkünstler wurden von der Hörspielwerkstatt aufgefordert, 3 bis 5-minütige „Klangos“ zu komponieren. Sehr verschiedene Kompositionen sind entstanden – eines haben alle gemeinsam: Man kann zu ihnen Tango tanzen. Das haben die Tänzer aus der Berliner Tangoszene, die live in der SONIC ARTS LOUNGE dabei waren, auch bis spät in die Nacht hinein getan.

„La Parata“ ist eine psycho-akustische Komposition von Phrasen und Wörtern europäischer Politiker des 20. Jahrhunderts. In Form eines Marsches werden die Reden nach klanglichen und rhythmischen Gesichtspunkten neu zusammengesetzt, von ihrer ursprünglichen Bedeutung gelöst, so daß sie sich in eine „danse macabre“ verwandeln - einen Totentanz.JOVANOVIC, ArsenijeJOVANOVIC, Ilinka Colic

» ... alle Realität ist unbeschreibbar, und ich weiß instinktiv: Das Bewusstsein ist strukturiert wie unsere Sprache (und zwar aus gutem Grund!), nicht aber die Welt und nicht das Unbewusste.« (Alain Robbe-Grillet)
Mit seinem Buch ›Der wiederkehrende Spiegel‹ (1985) reflektiert und bricht Alain Robbe-Grillet das Genre der Autobiografie. Er entlarvt Erinnerung als Konstruktion, deren Bezüge zum Erinnerten sich traumartig verschieben.
Zum 90. Geburtstag des Nouveau-Roman-Pioniers begeben sich zwei Musiker auf die Spuren seiner Automythografie. René Desalmand sammelt Klänge aus Robbe-Grillets Heimat in der Bretagne. Gemeinsam mit dem Schlagzeuger Michael Wertmüller entwickelt er musikalische Strukturen, die von Robbe-Grillets Texten abgeleitet sind. Musik verhält sich zum Geräusch wie Fiktion zur Sinneswahrnehmung.

Der Komponist Luc Ferrari reist mit dem Aufnahmegerät. Nahezu aus aller Welt hat er Originaltöne und Atmosphären mitgebracht und sie in zahlreichen Hörstücken zu Kompositionen verwoben. Für sein neues Stück „Les Anecdotiques“ zog er Aufnahmen aus Japan, Spanien, Frankreich, Mexiko, Kalifornien und Berlin heran.Luc Ferrari prägte in den 60er Jahren den Begriff der „anekdotischen Musik“, um seine „akustischen Photos“, seine minimalistisch komponierten Klanglandschaften und Reiseporträts zu bezeichnen.„Les Anecdotiques“ schließt nun einen Kreis von Ferraris frühen Werken anekdotischer Musik bis zu seinem heutigen reifen Schaffen.

„Kleine diskrete Klänge. Gesänge, die zu zart sind, um unsere Aufmerksamkeit zu erregen. Töne am Rande der Hörschwelle. Geräusche, die wir nicht mehr wahrnehmen, weil wir ständig von ihnen umgeben sind. Das ist das Material von ‚Les petits riens’.“ Mit ihrer neuen Arbeit führt die frankokanadische Komponistin Chantal Dumas das Gehör durch eine Flucht von akustischen Räumen, durch ein Kuriositätenkabinett mit präzise ausgewählten Klangobjekten. Dabei stellt sie unsere Hörgewohnheiten in Frage und die gebräuchlichen Klangstrukturen auf den Kopf. „In ‚Les petits riens’ möchte ich eine poetische Rhythmik des Alltags zutage fördern, die uns bisher entgangen ist.“ (Chantal Dumas)

Die Aboriginals glauben, dass ein unbesungenes Land ein totes Land ist, denn wenn die Gesänge in Vergessenheit geraten, stirbt das Land selbst.“

Bruce Chatwins Bestseller „Songlines“ („Traumpfade“) hat die Musikkultur der australischen Ureinwohner weltweit bekannt gemacht. Der kanadische Klangkünstler Robin Minard nähert sich dieser einzigartigen Verbindung von Musik, Landschaft und Alltagsleben nun mit dem Mikrofon. Feldaufnahmen, Interviews, Gesänge, Geschichte und Archivaufnahmen verweben sich zu vielfach übereinander geschichteten Erzählebenen. Minards Radiokomposition besingt mit den Mitteln moderner Klangverarbeitung die gegenseitige Durchdringung von Kultur und Natur.

„Klangliche Röntgenstrahlung“ nennt Thomas Köner das Instrumentarium, mit dem er unermüdlich die Steinhüllen moderner Großstädte durchleuchtet. Seit Januar 2008 komponiert er auf diese Weise für Deutschlandradio Kultur jeden Monat einen „Klangbrief“ aus einer anderen Weltmetropole. Als „Geräusch des Monats“ sind diese fünfminütigen Miniaturen regelmäßig im Hörspiel- und Featureprogramm zu hören. Im Gegensatz zu bloßen „Cityscapes“ dringen Köners Kompositionen tief unter die Oberfläche des klanglichen und sozialen Alltags. Sie legen tönende Archetypen frei, die ortsgebunden und ortlos, urwüchsig und hochmodern zugleich sind. In „Lithosphères“ verbindet der Medienkünstler die horizontale Bewegung von Zeit zu Zeit, von Stadt zu Stadt mit einer vertikalen Drift durch die Klangsedimente des urbanen Lebens.

Das Wohnzimmer ist ein besonderer Raum. Nirgendwo sonst vermischt sich Privates und Intimes so stark mit Öffentlichem und Universellem. Das lässt sich hören: Von der Kammermusik bis zum Radioempfang reflektieren Wohnzimmerklänge immer wieder diese Spannung zwischen innerer und äußerer Welt.Für die Komposition „Living Room Music“ lädt Alvin Curran eine Reihe von befreundeten Musikern und Künstlern dazu ein, sein Wohnzimmer in Rom zu bespielen. Erbaut über den Ruinen von Neros Domus Aurea, mit Blick auf das Kolosseum, angefüllt mit Musikinstrumenten, Noten, Büchern und Objekten aus der ganzen Welt, wird dieser Ort zum Resonanzraum für Begegnungen, Gespräche und musikalische Improvisationen.Dieses Material verarbeitet Curran zu einer radiofonen Raumkomposition. „Ich möchte, dass der Klang meines Wohnzimmers zur Summe aller Klänge wird, die je in diesem Raum erklingen können.“ (Curran)

„Ein Wald in Bali bei Einbruch der Dunkelheit: Tausende rhythmisch schabender Grillen erzeugen einen magischen Zusammenklang ... Ein Dorf im Osten Senegals in der Morgendämmerung: flüsternde Frauenstimme, Wasser platscht, ein Kind weint, irgendwann das Geräusch des Holzstößels beim Hirsestampfen ... Santiago de Cuba um Mitternacht: Zehntausende Fans feiern auf der Straße den Baseball-Sieg über den Erzrivalen Havanna ... Klänge, wie ich sie an verschiedenen Orten der Welt aufgenommen habe. Meine Komposition für ein Ensemble ausgewählter Musiker schickt uns auf die Reise, macht Entfernungen und Annäherungen hörbar, spürt den akustischen Geheimnissen der vergangenen Klangerlebnisse nach.“ (Wolfgang Hamm)

Caspar David Friedrichs berühmtes Gemälde „Eismeer“ gab den Anstoß zu diesem Projekt. Als Ikone der Fortschrittsskepsis wurde das Bild immer wieder zitiert. Für den Komponisten Werner Cee haftet einer Industrieruine in Bitterfeld, einem nie benutzen Wasserspeicher, eine ähnliche Symbolik an - besonders deutlich während der Flutkatastrophe im Sommer 2002. Werner Cee konfrontiert in dem nachhallreichen „Klangspeicher“ Musiker mit dem Bild von Friedrich und lässt das Stück in Improvisationsprozessen entstehen. Verbindendes Klangelement ist seine elektronische chinesische Zither e-Ch’in. Durch den langen Nachhall entstehen Erstarrung und „Entschleunigung“ wie treibende Schollen im Eismeer von Caspar David Friedrich.

Auf einer ausgedehnten Reise folgten Eva Pöpplein und Janko Hanushevsky dem Unterlauf des Mekong durch Laos, Kambodscha und Vietnam bis ans Delta, wo sich der Fluss ins südchinesische Meer ergießt.
Das Duo Merzouga kontrapunktiert akustische Landschaftsaufnahmen dieser gewaltigen Wasserwelt mit elektronisch bearbeiteten E-Bass-Klängen.
„Man hört das Rieseln von Kieselsteinen im Flussbett, das ruhige Tuckern eines Außenbord-motors und den gelegentlichen Ruf eines Wasservogels, während sich das Rieseln langsam einfärbt, das kühle, kleinteilige Klacken der Steinchen ins Unwirkliche beschleunigt, der Dieselmotor plötzlich einen Bordun-Ton entwickelt

Im zweiten Teil der „Erinnerungen eines Jahrhunderts“ werden hunderte von digitalisierten Originaltönen von 1900 bis heute „zerstört“. Jede dieser Dekompositionen mündet jedoch in neuem Klangmaterial, das nun mit seinen Mitteln Geschichten erzählt - nicht nur Geschichte.Die Erinnerung an das ursprüngliche Material bleibt.

Der Komponist Thomas Gerwin baut eine virtuelle Landschaft aus Klängen auf.„Diese Landschaft bevölkere ich mit großen und kleinen akustischen Wesen, die einzeln, paarweise oder in Scharen auftreten. Diese Wesen leben in dieser Klanglandschaft, werden geboren, wachsen und entwickeln sich, einige sterben auch während des Stücks.“ (T. Gerwin)Kapitel für Kapitel baut sich die virtuelle Klangwelt im Computer des Komponisten auf, die Wesen werden entworfen und fortentwickelt - jedoch: je weiter der Prozess fortschreitet, desto selbständiger werden die klingenden Geschöpfe. Sie entscheiden zunehmend selbst über die Metamorphosen, die sie durchlaufen...Der Komponist lässt sich bei dieser Arbeit „in die Karten schauen“. Die Hörer begleiten ihn bei seinen Überlegungen zum Aufbau des Klanglabyrinthes bis zur Bearbeitung im Tonstudio.

Die menschliche Bewußtseinstätigkeit gehört zu den Entdeckungen des 20. Jahrhunderts. Literarisch hat man sich diesem Phänomen durch den „monologue intérieur“ oder den „stream of consciousness“ genähert. Die Komposition „Mindscape“ ist eine akustische Darstellung, die dem vieldimensionalen Klangkontinuum im Kopf nachhorcht. Unaufhörlich dringen äußere Reize wie Geräusche, Gesprächsfetzen, dumpfes Rauschen und Klänge in das Bewußtsein ein und vermischen sich mit Gefühlen und Erinnerungen. Dieses sich permanent verändernde Chaos macht das Bewußtsein aus, bevor das wahrnehmende Ich die einzelnen Sinneseindrücke und Gefühle zu ordnen vermag. „Mindscape“ ist eine Expedition in das „Babylon unter der Schädeldecke“.

Molly Bloom, Protagonistin der letzten Episode des Romans „Ulysses“ von James Joyce, tastet in ihrem Monolog alle Fäden der Geschichte ab und flicht sie noch einmal neu zusammen. Unterteilt in acht Sätze ohne Interpunktion, provoziert der Text eine Art Hypnose, einen Sinn-Verlust, bewirkt durch Gedanken-Überlappungen und ihrer Kollision. Dieser Sinnverlust jedoch kann einen Freiraum schaffen, der die Fantasie aktiviert. Zusammenhanglosigkeit ist kein Hindernis mehr, sondern die Tür zu einer offeneren Wahrnehmung. Die beiden Komponisten haben im englischen Originaltext von Joyce sowie in der deutschen und französischen Fassung alle Wörter aufgespürt, die an Töne und Klänge denken lassen. Es entwickelt sich eine Odyssee durch den Text von Joyce, durch das Gedanken-Meer einer Frau.

„Wenn ich als Maler eine Fläche gestalte, so muss ich in Schichten arbeiten. Ein einziger deckender Farbauftrag führt lediglich zu einem leblosen Anstrich. Baue ich den Farbton aber aus einer Vielzahl verschiedener, locker übereinander gelegter Flächen auf, so dass der jeweilige Untergrund immer durchscheint und mitspricht, so kann ich einen komplexen Farbton erzeugen, der in sich schimmert und oszilliert.“ (W. Cee)Der Komponist Werner Cee greift in „Monochrom“ auf seine Erfahrungen in der Malerei zurück. Das Augenmerk der Komposition liegt nicht in der zeitlichen Strukturierung, sondern in der Tiefenschichtung einer Geräuschfläche. Die Klänge überlagern sich, ohne sich zu überdecken. Sie werden zu einem flirrend schillernden, in sich bewegten Klangband.

Tetsuo Furudate verwendet für seine Komposition eine Geschichte des japanischen Nô-Theaters aus dem 13. Jahrhundert: Ein junger Mönch pilgert zur Hauptstadt Kyoto und begegnet an einem Grabhügel dem Geist einer Frau, die in die Hölle verdammt wurde, weil sie den Tod zweier Liebhaber verschuldet hat. Den Noise-Musiker Furudate, der hier zum ersten Mal ein Motiv aus seinem eigenen Kulturkreis verwendet, interessierte an dieser Geschichte die Unerbittlichkeit des göttlichen Schuldspruchs und der starke Kontrast, der sich musikalisch aus der idyllischen Anfangsszene und dem Bericht aus der Hölle gewinnen lässt. Außerdem faszinierten ihn die verwischten Grenzlinien des Nô-Theaters zwischen Leben und Tod, Ich und Du, Vergangenheit und Zukunft.

Auf einer Reise durch Vietnam sammelte Marcus Mohr das Ausgangsmaterial für sein Klangstück „muoi (zehn)“, das auf dem Konzept der fünf Elemente fußt: Metall, Erde, Holz, Wasser, Feuer. Marcus Mohr ordnet jede seiner Aufnahmen einem der fünf Elemente zu und verfährt mit ihnen so, wie ein DJ Platten auflegt: aus den Sounds eines Elements generiert er einen Track und kombiniert diesen dann mit den Tracks der anderen Elemente. Nach und nach fügen sich weitere Elemente ein, laufen erst synchron, dann versetzt und lösen sich schließlich ab. Auf diese Weise entstehen zehn verschiedene Kombinationen, bei denen jedes Element mit jeweils einem der anderen vier Elemente gemischt wird. „muoi (zehn)“ erzählt vom Gleichgewicht und Zusammenspiel der fünf Elemente.

Unsere elektronischen Spuren im Internet sind zu einem der wichtigsten Güter geworden. Regierungen wie Unternehmen erstellen aus den riesigen Ansammlungen vermeintlich unwesentlicher Informationen persönliche Profile. ›Anticipatory Computing‹, also das Vorausberechnen möglicher Verhaltensweisen, gilt als der nächste folgerichtige Schritt in dieser Entwicklung. Computerprogramme werden dann ihren Nutzern sagen, was sie als nächstes tun, wollen oder erleben werden. Ein attraktives Szenario insbesondere für die Kreativwirtschaft, die auf diese Weise Voraussagen über den bisher schwer einzuschätzenden Wandel von Moden und Geschmack treffen möchte.
Mittels einer Analyse der frei zugänglichen Daten der Facebook- und Twitter-Accounts von Deutschlandradio Kultur spekuliert Mathew Dryhurst über die Vorlieben der Hörer und hält uns einen digitalen Spiegel vor.
Anders als die kommerziellen Medienmacher ist Mathew Dryhurst allerdings nicht auf rein zahlenmäßigen Erfolg aus. Er möchte auch auf die Problematik der neuen Entwicklung hinweisen. Deshalb ist sein Hörstück kein hochglanzpolierter Blockbuster, sondern eine vielschichtige Reflektion über die Gegenwart und Zukunft des medialen Erzählens.
Dabei spielt der Prozess des Übersetzens eine wichtige Rolle, denn Dryhurst spricht kein Deutsch. Genau wie multinationale Konzerne oder mächtige Geheimdienste hat er sein Material von Algorithmen ins Englische übertragen lassen. So geht oft der Kontext verloren und Fehler schleichen sich ein.
Die resultierenden Bruchstücke und Themen hat er auf Englisch zu einer surrealistischen Science-Fiction-Story verarbeitet und ins Netz zurück gespielt. Mit Hilfe von Online-Portalen für Free-Lancer fand er Übersetzer und Sprecherinnen, die seinen Text ins Deutsche brachten und aufzeichneten. So entstand ein Flickenteppich aus Stimmen und Stilistiken, entsprechend der Vielgestaltigkeit von Kommunikation im Internet.
Die Klangkompositionen für „Muster“ sind auf ähnliche Weise entstanden. Eine Software sammelte sämtliche Audiodateien, denen Dryhurst bei seiner Recherche begegnete und extrahierte daraus das Ausgangsmaterial für seine musikalische Arbeit.

Die Welt über Tage erschließt sich uns durch das Auge, die Welt darunter durch das Ohr. Im Innern einer Höhle schlagen Tropfen Schneisen in die Stille und führen uns immer weiter hinunter... In dem Gedichtzyklus „Nachtkarst“ unternimmt Karoly Koller einen lyrischen „Tiefenvorstoß“, Bruchstücke einer Expedition werden sichtbar: der Aufstieg zum Höhleneingang, das Absteigen in die Tiefe, wo Klüfte und Engstellen den Weg versperren. Stille, Kälte, Nacht und Zeit sind die wiederkehrenden Themen des Hörstücks. Das Labyrinth unter der Erde wird hörbar im Labyrinth aus Tönen und Worten; die Expedition gerät zum Tiefenvorstoß in das Innere des Menschen.

Die Komponistin Cathy Milliken sammelt mit dem Mikrophon ihre Höreindrücke: Baustellen, Proben, Spaziergänge, Musiken und Naturaufnahmen. In „New Looks“ lässt sie diese Töne auf Klaviermusik und Stimmen treffen. Sonette von Shakespeare erzählen von Zeitlosigkeit und dem Vergehen von Zeit, zugleich gliedern und strukturieren sie das akustische Material durch Sprachmelodie und Metrik. „Die Bearbeitung und In-Beziehung-Setzung dieser akustischen Eindrücke und Elemente erinnern an Photographien, die durch Überblendung, Umkehrung, Vergrößerung, Wiederholung, Solarisation und Schnappschuss eine sehr persönliche Wirklichkeit erfahrbar machen.“ (C. Milliken)

Mit der Klangkomposition „Niemandsbucht“ geht der Komponist Thomas Köner den Spuren eines Romanhelden nach. Keuschnig, Protagonist im Roman „Mein Jahr in der Niemandsbucht“ (1994) von Peter Handke, dokumentiert einen Jahresverlauf in einer Vorstadt von Paris. Thomas Köner begab sich über ein Jahr lang an die Orte, die Handke detailliert in ihrer Akustik beschreibt, und suchte dort nach Klängen, die die „Niemandsbucht“ akustisch wiedergeben. Durch die Musikalisierung der Aufnahmen am konkreten Ort enstand ein Klangraum, der von vielen Orten und von jedermanns „Niemandsbucht“ erzählt.

Die Komposition „nota.thión“ - die „Zeichenschrift“ - widmet sich der Erfahrung von Katastrophe und Entropie. Norbert Walter Peters lässt drei Stimmen – einen Greis, ein Kind, eine Frau – aus dem Gilgamesch-Epos zitieren, einer anonymen babylonischen Dichtung, die um 1800 v. Chr. entstanden ist und das Sintflutgeschehen kommentiert. Peters zitiert ausschließlich altorientalische Sprachen: Akkadisch, Altassyrisch, protoHattisch, Hethitisch, Hurritisch, Altägyptisch, Althebräisch, Arabisch. Sprachen, in denen Worte und Benanntes mitunter noch im Einklang, in gleicher Schwingung sind. Die Komposition lässt sie durch drei Stimmen sprechen und mit dem Violoncello gleichsam in einen Dialog treten.

Südwestlich von Island ragt eine Insel aus dem Wasser: Surtsey. Entstanden nach einem untermeerischen Vulkanausbruch 1963, gilt sie bis heute als Sperrzone. Einzig einem Forscherteam wurde gestattet, die ›neue Insel‹ (isländisch ›Nýey‹) zu betreten. Die Wissenschaftler wollen dokumentieren, wie das Leben auf dem zunächst unfruchtbaren Boden Fuß fasst: Einzeller, Vögel, Robben. Ein Wettlauf mit der Zeit, denn Surtsey ist starken Korrosionsprozessen ausgesetzt.
            Ausgestattet mit Unterwasser- und Richtmikrofonen haben sich Nicolas Perret und Silvia Ploner an die Fersen der ForscherInnen geheftet, um die Klänge der kargen und rauen Landschaft von Surtsey und den umliegenden Inseln des Westmann Archipels zu dokumentieren. Ihr Hörstück ist eine abstrakte Konversation zwischen der Klanglandschaft von Surtsey und den Worten der Inselbesucher.

„Okyo“ heißen die Gebetstexte, die Zen-Mönche im Fernen Osten als Sprechgesang rezitieren. Sie werden auf einem Ton gesungen, um sie jenseits aller Emotionen zu vergegenwärtigen. Dabei wird das Okyo vor allem als phonetisches Erlebnis verstanden, als Klangereignis, das das inhaltliche Verständnis der Texte in den Hintergrund stellt. „Jahrelang bestanden meine Okyo-Meditationen aus improvisatorischen Übeprozessen über das Innenleben der Töne. Täglich viele Stunden beobachtete ich singend den Ton, wie er in sich ging und aus sich heraus.“ (M. Vetter) Traditionelle Zen-Musik bildet den Ausgangspunkt für dieses Hörstück, in dem Michael Vetter und Natascha Nikprelevic die Okyos unter Einbeziehung von Instrumenten neu interpretieren. Dabei beweisen sie vor allem ihr großes Können, die Obertöne virtuos zum Klingen zu bringen.

"Operation Olympic Games" ist der Name eines US-Regierungsprogramms, das den Auftrag hatte, Computerviren, Trojaner und Würmer für Geheimdienste und Cyberkriegsführung zu entwickeln.

Der Künstler James Hoff infiziert sein Klangmaterial mit Schadsoftware und nutzt die gefährlichen Programme mit Namen wie Stuxnet, Flame oder Skywiper als Kompositionswerkzeuge. Seit Anfang des Jahres laufen seine Klangminiaturen, die das Wirken von Computerviren hörbar machen, in unserer Reihe "Sonarisationen".

Hoff entwirft ein spekulatives Szenario. Wie klingt es, wenn sich ein Virus verselbstständigt? Die Arbeit wirft zugleich Fragen über die Verbreitungswege von Viren auf. Funktionieren manche Ideen nicht wie Viren?

In der Sendung erläutert James Hoff seine Faszination für den eingeschleusten Code: "Viruses, like art, need a host. Preferably a popular one."

Die Norwegische Künstlerin Jana Winderen sucht in ihren Arbeiten oft das Unentdeckte und Verborgene, ihre Klangquellen sind meist unsichtbar, unhörbar, unter Wasser und in der Luft. Ausgerüstet mit Spezialmikrofonen begibt sie sich an entlegene Orte. Via Ultraschall, Hydrofon und Echolot-Verfahren belauscht sie dort Meeressäuger, Fische und Krustentiere. In der Luft forscht sie nach Flughunden und Fledermäusen. Ihre Kommunikation macht Jana Winderen in ihrem neuen Stück für den Menschen wahrnehmbar. Sie verlangsamt die Ultraschall-Schwingungen und fügt sie zu einer eigenen Komposition zusammen. Dabei kombiniert sie Aufnahmen aus verschiedenster Orten: Der New Yorker Central Park und der East River treffen auf einen Wald im russischen Kaliningrad, der Londoner Regent‘s Park auf zahlreiche Gewässer in Skandinavien.

„Paso Doble“ ist die Begegnung zweier Künstler und zweier Medien anhand ein und derselben Materie: Der katalanische Bildhauer Miquel Barcelò und der ungarische Tänzer/Choreograf Josef Nadj bearbeiten, bespielen, inszenieren einen Raum voller Lehm. In ihrer Performance schaffen sie aus vergänglichen Bildern, lebenden Skulpturen und formenden Gesten eine ebenso persönliche wie universelle Kosmogonie der Kunst.
Alain Mahé hat den Soundtrack zu dieser Performance komponiert. Gemeinsam mit der Dokumentaristin Kaye Mortley transponiert er nun das Bühnenereignis in die Welt des Radios. Eine ephemere Klangskulptur, die sich hinter geschlossenen Augen entfaltet und an die Ohren gerichtet ist.

Nach Pflanzen und Tieren wurden die ersten Menschen aus Lehm geschaffen. Doch sie waren zu weich und lösten sich auf. Die zweiten Menschen waren aus Holz. Doch sie vergaßen, ihre Schöpfer zu ehren und wurden wieder vernichtet. Die dritten Menschen entstanden ganz aus Mais, sie dankten ihren Schöpfern und gründeten Familien und Nationen… So erzählt das Popol Vuh, das einzigartige Schöpfungsbuch der Maya, das einem Missionar im 16. Jahrhundert in Maya-Sprache übergeben wurde, „damit die Kunde unseres Volkes überlebt“. Götz Naleppa hat aus deutsch- und mayasprachigem Text, Urwaldsounds von Maya-Tempelstätten und Musik auf prähispanischen Instrumenten eine Klangkomposition geschaffen, in der das Grausame und Kosmisch-Komische der Schöpfung erfahrbar wird.

»Wer sich der eigenen verschütteten Vergangenheit zu nähern trachtet, muß sich verhalten wie ein Mann, der gräbt.« Mit diesen Worten beschreibt Walter Benjamin eine Zeit, die synchron, in vielen übereinander liegenden Schichten aufgehoben ist, anstatt chronologisch voranzuschreiten.

Der Musiker Marc Behrens legt mit ›Progress‹ behutsam Fragmente seiner Familiengeschichte in Deutschland und Polen frei. Die verschiedenen Zeitschichten durchdringen und überlagern sich dabei stets gegenseitig: sowohl Fieldrecordings als auch Sprache werden mit zeitgenössischen und historischen Geräten aufgenommen. Sie verschmelzen mit den Originaltonaufnahmen des Vaters, einem Fernmelde-Ingenieur, der unter anderem die Abhöranlagen an der deutsch-deutschen Grenze wartete.

›Progress‹ hinterfragt das Konzept des Fortschritts, sei er geschichtlicher, genealogischer oder technischer Natur. Denn das eigentliche, beinahe magische Potential der Geschichte liegt nicht in ihrem Verlauf, sondern in der produktiven Verschränkung von Zeitschichten im Hier und Jetzt.                                                              

Nicht auf die "Kunst", sondern auf "das-was-ist" richtet sich die Aufmerksamkeit des österreichischen Komponisten Peter Ablinger, und vor allem darauf, wie wir "das-was-ist" überhaupt auf- oder wahrnehmen.Die Sendung stellt unterschiedliche Werke aus verschiedenen Schaffensphasen vor: "Weiss/Weisslich" ist ein Exkurs über das Rauschen, zum Beispiel das Rauschen verschiedener Baumarten; bei den "Quadraturen" geht es um die Übertragung von akustischer Realität (etwa Schallaufzeichnungen von Stadtlärm oder Sprache) auf Instrumente - unter anderem auf ein computergesteuertes Klavier. In diesem Spannungsfeld bewegt sich das Schaffen eines der großen Neugierigen der Klangkunst.Texte und Regie: Götz Naleppa

Der Komponist setzt sich in diesem Werk mit den Grundlagen der Klangkunst, mit Geschichte und Musik des 20. Jahrhunderts auseinander. Die fünf "thematischen Felder" der Komposition reflektieren jeweils einen bestimmten Zeitabschnitt des 20. Jahrhunderts: Prolog und Epilog setzen die zeitliche Klammer, TANZ spiegelt die zerstörerischen Aufbruchsenergien, die sich in den zwei Weltkriegen entladen, ZEIT das traumatische Entsetzen über Auschwitz und Hiroshima - und SCHWEIFUNG die Verlorenheit des letzten Drittels des Jahrhunderts auf der immer unwirklicher werdenden Suche nach dem Neuen.

Kuba - Traumziel für Reisende, Mythos von der sozialistischen Revolution und Sehnsucht nach karibischer Leichtigkeit. Als Werner Cee 1998 nach Kuba reist, ist sein Bild unscharf. Drei Wochen lang erkundet er die Inselwelt mit dem Tonbandgerät. Er stößt auf die Geschichte von „Ché“ Guevaras Händen, die von der bolivianischen Armee als Beweis ihres Sieges abgeschlagen wurden. Klänge und Geräusche führen in eine Welt zwischen den Zeiten, in der Autobahnen von Pferdekarren befahren werden und der Prunk vergangener Zeiten längst verfallen ist.Werner Cee verdichtet die Originaltöne zu einer poetischen Komposition, setzt Klänge aus den Straßen Havannas zu einem surrealistischen Gemälde zusammen und lässt konkrete Geräusche zu klanglichen Metaphern werden.

Zwölf Monate lang komponierte Lasse-Marc Riek das Geräusch des Monats für Deutschlandradio Kultur. In seinen ›Kalenderstücken‹ verdichtet er Töne aus allen vier Jahreszeiten zu akustischen Preziosen: Der Zug, der zur Sommerreise aufbricht, der Almabtrieb im Herbst und der Aprilregen werden zu Klanglandschaften modelliert, die übermütig verspielt und abgründig melancholisch den Horizont eines ganzen Jahres abschreiten. Wanderungen durch die Geräusche der Natur verwandeln sich so unmerklich in Betrachtungen über die Natur von Geräuschen.
 Für sein Konzert im Funkhaus von Deutschlandradio Kultur verbindet Riek die Einzelkompositionen zum Klangbild eines ganzen Jahres.