«Un jour est venue l'idée de réunir les pièces sonores produites pendant nos ateliers d’Arles - non pas pour ériger des canons du genre, mais pour témoigner d'une démarche, d'un désir insistant : écrire avec le son.» Kaye Mortley

 sis dessus, ci-dessous

Connaissez-vous les cryptoportiques?

Probablement pas... Elles sont bien cachées sous la terre. Elles, et leur histoire...dans une parfaite obscurité.

"TIROLTYROL", le texte de Thomas Kling écrit entre 1987 et 1990 à Düsseldorf, Innsbruck, Kitzbühel, Schruns et Cologne, a été publié en 1991 (dans "brennstabm", édition Suhrkamp). Sa mise en œuvre sonore, par Jörg Ritzenhoff, a été réalisée la même année. Thomas Kling a d’abord dit son texte, qui a ensuite été coupé pour le processus de mise en œuvre sonore, et (avec l’aide de synthétiseurs et de samplers) monté sous forme d’animation informatique. Les enregistrements sonores de cette pièce ont commencé à Mittenwald. Le compositeur a essayé, dans la mesure du possible, « de s’adapter [au texte], de le sonoriser et de l’illuminer. »

«Un jour est venue l'idée de réunir les pièces sonores produites pendant nos ateliers d’Arles - non pas pour ériger des canons du genre, mais pour témoigner d'une démarche, d'un désir insistant : écrire avec le son.» Kaye Mortley

Des murs

 Si on vous dit "mur" vous pensez à quoi?

Promenade sonore parmi murailles et murs et murmures.

«Un jour est venue l'idée de réunir les pièces sonores produites pendant nos ateliers d’Arles - non pas pour ériger des canons du genre, mais pour témoigner d'une démarche, d'un désir insistant : écrire avec le son.» Kaye Mortley

L'heure du bain

Une goutte d'eau puissante suffit pour créer un monde. Et pour le dissoudre.

Le bain dans tous ses états. Depuis les Thermes de Constantin... jusqu'au bébé que l'on ne jette pas avec l'eau de son bain...

Né en 1943, Michael Vetter fait de la musique, de la peinture, de la littérature, du théâtre et tous ces moyens d’expression sont étroitement interconnectés. Il est passé Maître dans l’art du chant harmonique, mais il s’intéresse encore plus assidûment à ce qu’il appelle le « langage transverbal ».
Cette pièce radiophonique en est un exemple. Les sons audibles, réfléchis par l’oreille et la voix, jouent ensemble. Pour Michael Vetter, la « réflexion », c’est l’intégralité de l’appareil cognitif des êtres humains, avec toutes ses possibilités d’association dirigées vers l’oreille et la voix. Un langage sans mot, tel que celui qu’on entend dans cette pièce radiophonique, est extrêmement ambigu. À la fin, chaque personne aura entendu une histoire différente.

Cette seconde partie de Paysages sonores hongrois, présente les compositeurs Gyula Bánkövi et Janos Decsényi à travers leurs compositions sonores. Le poème tonal de Gyula Bánkövi "Die Stimme der Seele" (La Voix de l’âme) s’inspire d’une « oraison funèbre » et de la traduction de la Bible de Gaspar Károli, qui fut le premier à permettre aux Hongrois d’accéder aux Saintes Écritures dans leur langue maternelle. 
« Ne ferais-je pas mieux de partir avec les grues ? », la symphonie de Janós Decsényi, associe des enregistrements originaux réalisés dans la puszta de l’Hortobágy à des chansons folkloriques hongroises, à des mélodies au violon et à une chronique en vers du XVIe siècle.
Ces deux compositions ont été produites par la radio hongroise HEAR study.

Dans la première partie des « Paysages sonores hongrois », les compositeurs font entendre leurs impressions de l’atmosphère des paysages hongrois. Dans sa composition "Wasser, Täler, Glocken" (Eau, vallées, cloches), Miklós Sugár associe le clapotement du lac Balaton avec les sons de cloches, de chansons folkloriques et avec la musique d’une harpe. Dans Bildern vom Örség (Image d’Örség), Gyula Pintér dessine le paysage acoustique de l’ouest de la Hongrie, de la stridulation des criquets à de violentes averses ou à des fragments de conversations. "Etüden auf Dampflokomotiven" (Études de locomotives à vapeur), de Laszlo Sáry, explore la gamme des sons entourant les sifflements et les grognements des vieilles locomotives à vapeur.
Toutes les compositions ont été produites par le studio HERA de la radio hongroise.

«Un jour est venue l'idée de réunir les pièces sonores produites pendant nos ateliers d’Arles - non pas pour ériger des canons du genre, mais pour témoigner d'une démarche, d'un désir insistant : écrire avec le son.» Kaye Mortley

L'arlésienne

Partir la recherche de celle dont on ne retrouvera que l'écharpe (celle peinte par Gauguin) à présent sur les épaules d'une autre Arlésienne.

"La Parata est une composition psycho-acoustique réalisée à partir de mots et de phrases prononcés par des hommes politiques européens du XXe siècle. Les discours sont réassemblés selon des aspects tonals et rythmiques, sous forme d’une marche, dégagés de leur signification originale, et finissent par se transformer en une danse macabre." L'oeuvre a été nominée au Prix Phonurgia Nova.

Prix Phonurgia Nova 1997

De septembre à décembre 95, j'ai passé une matinée par semaine dans le magasin de vêtements d'un ami, Francis Traunig, à enregistrer tout ce qui se passait pendant qu'il photographiait clients ou ami de passage.

En 1998, des manifestations internationales ont été organisées pour célébrer le 50e anniversaire de la musique concrète, « née » en 1948 au Studio d’essai de la R.T.F.
"Le Projet Ulysse" est un hommage aux créateurs de l’art acoustique. À travers l’adaptation du thème d’Ulysse, la pièce radiophonique devient une réflexion sur l’art du son. Une composition est créée et  subdivisée en un nombre infini de courtes séquences. Chacune de ces séquences suit un type particulier de formation du son ainsi que le type de perception qui lui est associé.

"Forêt pluviale" est une méditation acoustique sur les forêts pluviales. L’association de percussions, d’enregistrements dans la forêt, de poèmes et de micro-trottoirs témoigne des différentes facettes du sujet. L’écoulement des heures, au fil de la journée, sert de structure à la composition : juste avant l’aurore, les insectes et les grenouilles commencent à émettre quelques sons isolés ; plus tard dans la journée, on perçoit les coups de vent et les averses. Au crépuscule et la nuit, les cris des animaux s’atténuent peu à peu.

Rupert Huber et Sam Auinger composent des musiques à partir du langage, des processus linguistiques et des sons. Les sons vocaux de discussions avec ou entre les compositeurs sont assemblés et constituent un personnage polyphonique fictif, qui est le résultat de l’évolution musicale, sonique et personnelle de Sam Auinger et Rupert Huber. Les battements cardiaques sont utilisés comme un rythme humain fondamental, comme un instrument de référence pour la perception du temps et de la musique. Les différentes étapes de la vie sont représentées grâce à la subdivision de "Herzschlagsonate" (Sonate pour battements cardiaques) en cinq mouvements.

Influx – Afflux.
Des sons de trois lieux différents s’écoulent les uns dans les autres ; des éléments de la nature, de la civilisation et de la musique forment un flot sonore composé d’eau, de vent, de bribes de paroles, de signaux radio et de bruits ambiants. Trois artistes sonores font chacun des enregistrements dans un des lieux et hors de la vue et de l’ouïe des deux autres. Ils ne sont connectés les uns avec les autres que par leurs enregistrements qui sont diffusés grâce à des casques. Le matériel afflue et reflue électroniquement entre les trois artistes, s’intègre dans l’enregistrement en cours et transforment donc les événements acoustiques ultérieurs.
Un langage musical est créé, qui favorise une interaction de sons entre les différents sites.

En octobre 1997, le groupe Ars Acustica – un groupe de travail international composé d’artistes sonores et de représentants de la radiodiffusion – s’est réuni dans le cadre du Colloque littéraire se tenant à Berlin. Les hôtes de cette conférence annuelle étaient DeutschlandRadio Berlin et le SFB (Sender Freies Berlin). Le premier soir, une « session » a eu lieu et plusieurs participants se sont présentés en donnant des exemples de réalisation d’Ars Acustica dans leurs propres pays.
Dans le domaine du jazz, une "Jam Session", a réuni plusieurs musiciens qui ont spontanément improvisé les uns avec les autres. C’est précisément ce que le remix de Götz Naleppa tente de faire. Des improvisations vocales, des paysages sonores et des compositions sonores sont mixés, mis en relation les uns avec les autres, et de nouveaux contextes sont ajoutés : un hommage à la forme artistique de l’art radiophonique…

La composition "AerAquaAngelusVox" est un voyage auditif imaginaire. Créé comme une méditation acoustique, il a pour objet de rendre possible l’expérimentation de la relation entre l’homme, la nature et le cosmos. Les quatre niveaux de sons – air, eau, ange et voix – forment une structure sonore symbiotique. Le début de la pièce est consacré à l’air, l’élément « créateur de vie ». Il est suivi par l’eau, « prima materia », et les oiseaux, « esprits de l’air ». Le quatrième niveau de sons, VOX, est principalement structuré autour de la réponse De Angelis de Hildegard von Bingen, chantée capella. Ensemble, les quatre niveaux de sons créent une expérience auditive holistique et immédiate.

Dans la seconde partie des « Mémoires d’un siècle », des centaines d’enregistrements sonores originaux numérisés et réalisés entre 1900 et aujourd’hui ont été « détruits ». Cependant, chacune de ces décompositions conduit à un nouveau matériel sonore qui, à sa façon, ne raconte plus l’Histoire, mais des histoires.
La mémoire du matériel original est préservée.

Hanna Hartman a recueilli du matériel pour ses « Sons du mois » en faisant de nombreux voyages. À partir de ses trouvailles de l’année 1998/99, qui l’avait conduite en Suède, en Russie, en Chine et en Amérique, elle a créé une composition. Ces pièces courtes ne sont jamais déterminées par le lieu de l’enregistrement. Quelque chose de totalement nouveau et sans attaches géographiques prend vie dans l’œuvre d’Hanna Hartman.
De cette façon, cette image sonore se rapproche également – à travers les paysages, pays, villes et pièces – des éléments familiers des « Sons du mois » tout en accordant une large place à une écoute associative.
En 1997, l’atelier « pièces radiophoniques » de Deutschlandradio Berlin a demandé à Hanna Hartman de composer chaque mois ses « Sons du mois ». Il s’agissait de créer une espèce d’« intermède sonore » autonome, d’environ 5 minutes, diffusé entre les pièces radiophoniques et les informations. À notre grande stupéfaction, ces miniatures ont passionné les auditeurs car elles ont suscité nombre de courriers enthousiastes. Cette idée d’émission a permis à Hanna Hartman de se voir décerner en 1998 le Prix Europa dans la catégorie « Marché aux idées ». Ensuite, l’idée a émergé de créer une grande composition sonore à partir de l’ensemble des matériaux utilisés pour les « Sons du mois ». C’est ainsi que « Cikoria » a vu le jour.

« Lorsque j’ai commencé à m’intéresser au théâtre nô, je me suis posé la question suivante : si l’objectif de ce théâtre traditionnel japonais est la connaissance de soi, comment atteint-on l’illumination ? J’ai pensé que la meilleure façon de répondre à cette question consistait à écrire moi-même une pièce de théâtre nô. Le résultat n’est pas une pièce nô au sens strict du terme, mais inclut un grand nombre d’éléments et de motifs structurels du nô dans un concept contemporain. Plutôt qu’une intrigue linéaire, le nô utilise un mouvement circulaire continu qui retire les différentes strates du personnage principal. Ce processus confronte les auditeurs à de nouvelles interprétations de la vie quotidienne, et débouche sur des moments d’une grande beauté et d’une grande sensibilité. »
 (David Kolber)

Le manuscrit de "Les Jeux à deux", de l’écrivain et artiste berlinoise Unica Zürn, sert de base à cette pièce radiophonique. Les deux acteurs de "Les Jeux à deux" sont Norma et Flavio, les protagonistes de "Norma", l’opéra de Bellini. Ils ont une relation secrète, scellée selon des règles strictes et intuitivement acceptées. Ils ne sont peut-être pas proches d’un point de vue physique et il est même possible qu’ils n’éprouvent pas le désir de se voir en privé. L’objectif du jeu est de pratiquer la méditation, la mise à distance et la concentration.
Inge Morgenroth et Ellen Fricke ont créé un "Jeu de deux" dans lequel des voix, des musiques et des sons sont mêlés aux airs d’hommes et de femmes, au chœur et aux passages instrumentaux de "Norma", à des improvisations pour percussions et à leurs propres compositions musicales.

L’activité consciente des êtres humains est l’une des découvertes du XXe siècle. Dans la sphère littéraire, ce phénomène est qualifié de « monologue intérieur ». La composition « Paysage de l’esprit » est une représentation acoustique qui s’inspire du continuum sonore multidimensionnel se produisant dans nos têtes. Les stimulations extérieures, telles que les bruits, les bribes de conversations, les bruits et les sons étouffés qui pénètrent constamment dans notre inconscient et qui se mélangent à nos sentiments et à nos souvenirs. Ce chaos en perpétuelle évolution est ce qui constitue la conscience avant que le « moi » sensible ne soit en mesure d’organiser les impressions sensorielles et les sentiments et d’y mettre de l’ordre. « Paysage de l’esprit » est une expédition dans la « Babylone se trouvant à l’intérieur de nos crânes. »

Pour la pièce sonore Wetter (Temps), Werner Cee a enregistré sur une longue période les différents sons produits par la pluie. Ainsi, il a créé des atmosphères sonores de grande envergure et, grâce à son instrument spécialement élaboré pour dispenser des gouttes d’eau, il a réalisé des enregistrements précis à partir de gouttes dans différents états tombant sur divers objets sonores, afin de façonner des structures polyrythmiques. Ce matériel sonore a été utilisé pour la composition Wetter, à la fois sous une forme totalement brute et au terme de manipulations électroniques. 
Werner Cee décrit sa composition comme un « paysage acoustique et culturel » : « Ici, » déclare le compositeur, « des éléments naturels, aléatoires et des éléments calculés, construits, sont réunis et se combinent pour créer un paysage sonore qui peut être comparé à un paysage culturel : le temps, la luminosité et les caractéristiques géographiques sont des aspects incontrôlables du paysage. L’intervention humaine, sous forme de plantations ou de construction de routes et d’immeubles, restructure l’image et fonctionne en interactivité avec la nature, ce qui donne souvent au paysage son charme unique. »
À présent, écoutez comment se rencontrent le hasard et le calcul dans ce jeu à base de gouttes de pluie.

« Restant seul dans une pièce… et le mouvement interfère, le  silencieux gagne, s’installe, jusqu’à ce que – dans son esprit  – l’environnement panique et s’effondre. »
Le poème « New York 48e étage » parle de solitude. Les voix sont enfermées dans un gratte-ciel new-yorkais et contemplent, en bas, l’incessant tohu-bohu de la vie urbaine. Ce silence se transforme en un espace associatif : les sons de l’imagination et de la réalité rivalisent les uns avec les autres et se dérangent les uns les autres, jusqu’à ce qu’une dissonance doulourouse fasse son apparition. Les protagonistes de l’isolement sont des voix, des bruits, des textes et des instruments, tels que la contrebasse et le piano : ils définissent en musique la situation de solitude, à la limite de la névrose. 

Dans le cadre de la lutte contre le terrorisme, des programmes multilingues de reconnaissance de la parole sont utilisés dans le monde entier pour rechercher dans les conversations téléphoniques, tous les mots suspects, relevant du registre émotionnel.
Rupert Huber s’intéresse au phénomène de la « censure », dont la nature se transforme au fil de la pièce jusqu’à devenir une machine broyant tout sur son passage.
Ainsi, le catalogue des mots liés au stimulus, jadis retirés par crainte des éventuelles conséquences, est enrichi en permanence, du fait de l’utilisation des paraphrases et autres synonymes. Finalement, tout est interdit et le censeur lui-même devient suspect.

José Mataloni a élaboré le « réalisme magique du son » en s’inspirant du « réalisme magique » utilisé en littérature, notamment par le célèbre écrivain Gabriel Garcia Márquez. Dans ses pièces sonores, il transforme les sons de l’environnement enregistrés avec un microphone par de la musique électroacoustique. Un matériel spécifique est donc changé en univers fantastiques et poétiques.
Les fondements de ces pièces sont des enregistrements sonores réalisés dans son Argentine natale et dans son pays actuel, l’Allemagne.

Titres des six pièces sonores :
1. Sonidos Lejanos
2. Tiempo Dos
3. Ensonacion Portena
4. Piazzollage
5. Magma
6. Nachtmusik

« Le corps, c’est-à-dire la voix de Lauren qui respire et vibre, est vivant et « sur la route ». Il s’est détaché de Lauren et développe sa propre vie sonique. Il oscille entre respiration organique et pulsation mécanique et passe par différents états de mouvement et de stase. » (Sabine Schäfer)
Le compositeur fait un voyage à l’intérieur de la chanteuse Lauren Newton. Des sons vocaux individuellement sélectionnés ont été enregistrés sous une forme numérique, fragmentés en pièces minuscules, examinés et traités de façon artistique. Ce qui semble être un travail scientifique, ouvre l’auditeur à un nouvel univers du son vocal, dans lequel la friction entre les êtres humains et les machines, l’étrangeté et la matérialité familière, la naturalité et l’artificialité peuvent être entendues.

Le titre « Soto Voce » est un hommage rendu à Soto, le sculpteur sud-américain. Soto a créé une grande sculpture, composée de tubes, qu’il a installée sur une petite colline, en Toscane. Michael Vetter et sa collègue Natasha Nikprelevic ont improvisé de façon à ce que leurs voix entrent en relation avec les sons produits par le vent dans la sculpture. Ils ont donc composé une pièce à partir des sons de la sculpture, de leurs voix et des sons de la nature dans le paysage toscan.

L’improvisation en chant harmonique "De Profundis" fait résonner les voix des deux artistes dans un vieux réservoir, à Rocca, également en Toscane.

Un « voyage sur papier » : la longue distance séparant l’Australie du Brésil, recouverte de lettres. Deux pays très éloignés l’un de l’autre, deux langues totalement étrangères, deviennent audibles, convergent et dansent ensemble.
 La fantaisie de « bateaux de papier » crée un lieu où les langues, les sons et les images interagissent, sans avoir à franchir les frontières culturelles ou politiques. Le résultat est une Terra Incognita dégagée de la logique des informations relatives au temps et à l’espace, où la poésie et les chansons deviennent les outils d’une communication sensuelle et musicale.

Si voler est le plus grand rêve de l’homme, s’écraser est son plus évident cauchemar.
Les auteurs ont dédié leur pièce à la chute qui se produit avant que ne s’interrompe le flux d’air sous les ailes et que l’avion disparaisse des écrans de contrôle. Ce qui reste, c’est la boîte noire, qui enregistre tout ce qui est prononcé dans le cockpit et cela, jusqu’à la fin. D’authentiques protocoles forment la trame de cette pièce documentaire.

À l’instar de tous les dictionnaires, Spunkkrachlexikon, l’œuvre de et avec Frieder Butzmann, nous confronte à des données sérieuses, mais avec une touche d’humour : classées par ordre alphabétique inversé (Z-A), des informations sont fournies au sujet de l’audition. Face à des mots clés tels que "Zirbeldrüse" (corps pinéal), "Yeah, Yeah, Yeah", "Ohrensausen" (tinnitus), "Maulwurf" (mole), "Geräusch" (bruit), "Fühlen" (palper), et "Dröhnen" (grondant), on peut regarder ou écouter ce que Frieder Butzmann leur associe. Informez-vous sur les illusions acoustiques, les toilettes chimiques du train ICE, le big bang, les marches en avant, les harmonies et les cacophonies musicales. 
Spunkkrachlexikon a été mis en ligne dès la date de sa diffusion et peut être écouté lettre par lettre en format Real Audio sur le site Web de DLR.

Molly Bloom, la protagoniste du dernier épisode d’Ulysse, de James Joyce, passe en revue tous les fils de l’histoire dans son soliloque puis finit par les rattacher les uns aux autres. Divisé en huit séquences sans ponctuation, le texte provoque une espèce d’hypnose, de perte de sens, occasionnées par le chevauchement et la collision des idées. Pourtant, cette perte de sens peut créer un espace de liberté qui stimule l’imagination. La désarticulation n’est plus un obstacle, mais plutôt une porte s’ouvrant sur une perception amplifiée. Les deux compositeurs ont recherché tous les mots qui font penser à des tons et à des sons dans le texte anglais original de Joyce, ainsi que dans les traductions allemandes et françaises. Une odyssée se déploie à travers le texte de Joyce, à travers l’océan de pensées proférées par cette femme.

La E 71 est une route qui traverse une zone frontière dévastée. Le recueil de poésies éponyme de Peter Waterhouse est un document sur l’impuissance et le désarroi que provoque la destruction liée à la guerre conduite autour de la ville de Bihać, longuement assiégée, en ex-Yougoslavie. Le texte se caractérise par des pauses qui en disent davantage sur la terreur que les mots ne pourraient l’exprimer. Andreas Fervers reproduit musicalement cet espace d’écriture d’une grande fragilité. Dans une pièce, trois haut-parleurs et un grand tambour fonctionnement de façon fragmentaire, déconnectés les uns des autres et toujours en singulier. Aucun dialogue, aucun commentaire ou aucune structure polyphonique ne peut émerger d’un endroit où la vie humine appartient au passé.

John Cage et son célèbre Roaratorio, sa composition sur Finnegans Wake de James Joyce, a inspiré à Ward Weis cette pièce radiophonique. Sa source littéraire est le texte inachevé du poète anglais Geoffrey Chaucer (1340-1400), Les Contes de Canterbury, qui font le récit en vers du pèlerinage vers le sanctuaire de Thomas.
Tom Hanna aborde le texte médiéval de Chaucer dans l’esprit du maître Cage, en recherchant des sons, des bruits, des images et des lieux dans les mots et en les transposant en musique.
Le titre, Chauncecleer, fait référence à un personnage des contes de Chaucer, Chauntecleer, un coq, qui repousse courageusement la mort imminente et l’envoie au loin pour le moment...

Le bruit provoque des maladies, dit-on. Le stress et la fatigue continuels peuvent conduire à de graves pertes d’audition. Cependant, Felix Kubin est un représentant de la « culture du bruit » ; il est fasciné par ce que les autres considèrent comme dérangeant : le bruit de la ville, les craquements d’une radio qui marche mal, l’intarissable futilité de la muzak, le larsen insupportable d’un microphone trop sensible…. Tels les enfants de l’ère électronique, de la mondialisation et de la terreur des données, les artistes du bruit renvoient les déchets médiatiques – quotidiens et agressifs – à leurs producteurs d’une façon radicale et imaginative. "Krachmusik" (Musique du bruit) est une incitation à la rébellion, une réaction à la stimulation et à la sollicitation excessives de nos sens, une bataille livrée avec les ressources des ennemis, un cri lancé par les « désaxés » – le contre-bruit.

Le monde au-dessus de la terre s’offre à nous à travers nos yeux et celui qui est sous terre par l’intermédiaire de nos oreilles. À l’intérieur d’une caverne, des gouttes d’eau se fraient un chemin à travers le silence et nous emmènent de plus en plus loin dans les profondeurs... Dans le cycle de poèmes intitulés "Nachtkarst", Károly Koller entreprend une « plongée lyrique dans les profondeurs », rend visibles les fragments d’une expédition : l’ascension jusqu’à l’entrée de la caverne, la descente dans les profondeurs où les fissures et autres anfractuosités ponctuent l’itinéraire. 
Le silence, le froid, la nuit et le temps sont les thèmes récurrents de la pièce radiophonique. Le labyrinthe souterrain devient audible parmi la multitude de sons et de mots, et l’expédition se transforme en une exploration menée au plus profond des hommes.

Le chercheur, naturaliste et explorateur Alexander von Humboldt est au centre de cette composition de Daniel Velasco. Il y a 200 ans, Humboldt s’est rendu à Cuba et une fois sur place, mettant à profit ses compétences transdisciplinaires, il a fait des recherches sur l’homme et la nature. Il a consigné par écrit un grand nombre de ses expériences et de ses pensées. Des images acoustiques de La Havane, de Trinidad et du parc national Alejandro de Humboldt illustrent la composition de Velasco. Les lieux que Humboldt a visités et où il a mené ses recherches au XIXe siècle sont devenus « audibles » grâce au compositeur.
 Les textes extraits du journal de Humboldt sont cités en quatre langues et constituent le contrepoint musical au paysage sonore cubain, d’une grande richesse et d’une incroyable diversité.

Prix Phonurgia Nova 2001

"Avec le son, nous avons voulu peindre l'ailleurs". L'oeuvre est un paysage composé d'enregistrements de la baie de Sydney et de l'entrepôt maritime de Port Botany en Australie, pris au cours d'une journée de l'an 2000. Des sons lourds retentissent de toute part tandis que les bateaux s'élancent vers le large.

« À 11 heures du matin, en ce 15 août (Ferragosto), une brise douce et délicieuse caresse la campagne. J’écoute une installation sonore tridimensionnelle, imperceptiblement contrôlée par les voix des insectes et les vents. J’ai l’impression d’être un monteur de son en état d’ébriété, et dans une situation très confortable... »
« C’est exactement la pièce sonore que j’attends de vous », lui répondit par retour de courrier le responsable des pièces radiophoniques. Ferragosto, est un jour férié en Italie, instauré par l’Empereur Auguste. Jour le plus chaud de l’année, le 15 août est une journée radieuse, qui paralyse et qui en même temps, donne de l’énergie. 
Dans cette pièce, Alvin Curran a capté l’idée qu’il se fait du Ferragosto.

Des sabots en bois / des mécanismes d’horloges / des trains qui passent / la cloche du glacier / le crissement d’un scarabée / des avions de chasse / des bidons de lait / les pelles du jardin / la grand-mère qui nous appelle...
La liste des sons de notre enfance semble interminable. Le musicien et compositeur Stephan Froleyks cite des exemples puisés dans son archive personnelle de souvenirs sonores. L’histoire de la vie qu’il a composée est purement acoustique et constituée d’une multitude de sons spécifiques et de descriptions verbales de sons. Ces enregistrements audio sont certes subjectifs et se réfèrent principalement à leur auteur, mais toutes les personnes qui sont nées dans les années 1960 y reconnaîtront certaines choses : le cri aigu d’une poupée / la cloche de l’école / le générique d’une émission de radio / les cuillères dans les soucoupes / le concert de Keith Jarrett à Cologne / le reggae de Bob Marley...

Cette pièce radiophonique est la troisième partie d’une trilogie que Stefano Giannotti a commencée en 1999. "Fine del messaggio" (fin du message, 1999) s’intéresse à la communication et "Battaglia navale" (bataille navale, 2000) aux thèmes du pouvoir et de la violence. La composition "Calendario" (calendrier) est consacrée au temps et aux souvenirs.
« Les protagonistes de Calendario pourraient bien être des survivants de la dernière Battaglia Navale qui auraient cherché refuge dans une montagne reculée et qui voudraient laisser derrière eux quelque chose pour les générations futures. » (S. Giannotti)
"Calendario" dresse musicalement la liste des événements qui ont façonné, choqué et réjoui l’humanité : l’anniversaire de Verdi, la bombe d’Hiroshima, le premier gâteau d’anniversaire, le premier pas sur la lune...

Depuis plus de 32 ans, la ville de Bourges accueille le Festival international de musique électroacoustique "Synthèse" organisé par l’Institut International de Musique Electroacoustique de Bourges (Imeb). Son programme est très varié : il présente des pièces purement musicales, de l’art radiophonique, des installations sonores, des performances ainsi que des œuvres audiovisuelles. Le concours annuel a déjà permis à de nouveaux talents de se propulser dans l’univers professionnel. Parallèlement, "Synthèse" est un lieu d’échanges internationaux important. En 2001, outre les œuvres musicales en compétition, de l’art sonore a également été présenté, en provenance de Corée, d’Angleterre, d’Italie, du Portugal, du Chili, du Canada, du Mexique, de la Norvège et du Brésil.
Nathalie Singer a participé au festival de Bourges en juin 2001 et a sélectionné un certain nombre de pièces radiophoniques qu’elle présente.

La compositrice Cathy Milliken a recueilli ses informations sonores avec un microphone : chantiers de construction, répétitions, promenades, musiques et enregistrements de la nature. Dans "New Looks", elle organise une rencontre entre ces sons et des musiques au piano + des voix. Les sonnets de Shakespeare évoquent l’intemporalité et la fuite du temps. Parallèlement, ils organisent et structurent le matériel acoustique selon les intonations et les syllabes.
« Le traitement et la mise en relation de ces impressions et éléments acoustiques font penser à ces photographies qui permettent à une réalité très personnelle d’être perçue grâce à différents effets : fondu enchaîné, inversion, agrandissement, répétition, solarisation et instantané. » (C. Milliken)

Quel son émet le sucre en poudre quand on le verse dans un bol ? À quoi ressemble le son produit par l’éclatement d’une bulle d’air s’échappant vers la surface d’une bassine d’eau quand on y plonge un gobelet en plastique ? En février 2002, deux classes berlinoises ont eu la chance unique de faire des expériences touchant à l’art sonore au studio des pièces radiophoniques de DeutschlandRadio Berlin. Yves Coffy, de l’IMEB (Institut International de Musique Electroacoustique), à Bourges, gère ce projet réservé aux enfants depuis 1972. C’est dans le cadre de ce projet que le "Cybersongosse" a été inventé : un réseau de petits bureaux est équipé de microphones et d’appareils permettant de procéder à des mixages et à de multiples relectures. Ces appareils transforment la manipulation des sons et des bruits en un véritable « jeu d’enfants ». Dans cette émission, Nathalie Singer explique comment ces « nouveaux-venus dans l’univers de l’art sonore » apprennent à composer une pièce.

desc_fr

Le cœur n’est pas simplement un organe corporel humain : c’est aussi un lieu mythique. De nombreuses cultures lui attribuent une signification qui l’associe aux sentiments, aux croyances ou au surnaturel. Les guerriers aztèques ouvraient la poitrine de leurs prisonniers au sommet des pyramides et tendaient les cœurs sanguinolents vers le soleil. Un cœur pour les Dieux. Ce que les conquistadores considéraient comme le summum de la barbarie n’était rien de plus, pour les victimes, qu’un rite religieux. Ils mouraient gaiement et calmement : « C’est une mort merveilleuse, que prônaient nos ancêtres et dont ils rêvaient pour leurs descendants. » La cruauté des Européens était d’une autre nature. Wilhelm Hauff l’a enregistée, de façon symbolique, dans son conte de fées "Das steinerne Herz" (Le Cœur de pierre): « C’est un cœur qui ne ressent ni anxiété, ni terreur, ni compassion inutile, ni aucun autre chagrin. »
Iris Disse s’est embarquée pour un voyage dans le cœur des deux mondes. Avec l’ingénieur du son Peter Avar, elle a assisté à des fêtes rituelles au Mexique et les a mises en parallèle avec les conceptions du cœur propres aux Européens.

Désert. No man's land. Quelques personnes sont en train de construire une cité qui est tellement splendide qu’on la voit briller de très loin. Mais d’autres tribus ne tardent pas à arriver, l’attaquent, la détruisent et construisent une nouvelle ville sur ses ruines. Un processus qui se répète inlassablement. Chaque nouvelle cité réunit en son sein toutes celles qui l’ont précédée. Jusqu’au jour où la cité des cités est enfin construite : elle rassemble des centaines de styles et crée la vie à l’intérieur de son enceinte. Mais elle est tellement complexe, que personne ne veut y vivre. Et finalement, elle devient un monument sans vie, une attraction touristique pour voyagistes.
Le Chef-d’œuvre est une métaphore du processus créatif de l’art et, surtout, une réflexion très ironique sur la fonction de l’art dans la société.

Cette interprétation unique de vieilles chansons folkloriques prolonge la façon dont elles sont transmises, participe du changement continu qui s’opère lors de la transmission orale, même si elle est en rupture avec les méthodes traditionnelles de réception. « L’un des principaux objectifs de l’œuvre audio VOLKSLIED (Chanson folklorique) était de déterminer à quel point les paroles d’une chanson folklorique, les sons et la simplicité du texte, se transforment en un récit de souvenirs nettement plus abstrait. » (Chr. Korn). Volkslied s’inscrit dans le droit fil des travaux que j’ai commencés par Volksliedmaschine (Machine à chansons folkloriques, HR 2002).

John Palmer a enregistré le matériel acoustique de sa pièce radiophonique lors d’un voyage de quatre semaines au Japon, en octobre 2001. Outre les sons de la vie quotidienne dans les rues des villes, il s’est particulièrement intéressé aux lieux de recueillement : les monastères bouddhistes et les temples zen.
Dans son studio, il a transformé ses enregistrements en un voyage métaphorique dans l’univers du bouddhisme zen et à l’intérieur de nous-mêmes. Les chants et les prières bouddhistes, les cloches des temples, des poèmes, ainsi que les expériences émotionnelles et spirituelles qui ont émaillé le séjour de Palmer, sont autant de témoignages de l’exploration d’une philosophie orientale par un Occidental.

desc_fr

« Okyo » est le nom des textes de prière que les moines zen d’Extrême-Orient récitent sous forme de chant parlé. Ils sont interprétés sur un ton permettant de comprendre qu’ils sont tous au-delà de l’émotion. Ici l’Okyo est principalement considéré comme une expérience phonétique, comme un événement sonore qui place la signification des textes au second plan. 
« Pendant des années, mes méditations Okyo ont ressemblé à des processus d’improvisation répétitifs, centrés sur la vie intérieure des sons. Pendant des heures, en chantant, chaque jour, j’observais le son, la façon dont il semblait sortir de lui-même. » (M. Vetter)
La musique zen traditionnelle est le point de départ de cette pièce dans laquelle Michael Vetter et Natasha Nikeprelevic réinterprètent les Okyos tout en y ajoutant des instruments. Ils démontrent notamment leur incroyable capacité à produire des harmonies.

Suivant les traces de Robert Scott, Kathryn Bennetts et Peter Bowman, un duo d’enregistreurs – un britannique et un australien – traversent l’Antarctique fictivement et en musique. Le long du 70ème degré de longitude, ils traversent le pôle sud avec leurs instruments. Le premier d’entre eux enregistre les sons à la surface de la glace et le second juste au-dessus du socle rocheux. Ainsi, toute l’épaisseur de la glace de l’Antarctique est rendue audible, sous forme d’un intervalle en évolution constante, sur 5 250 km, et l’expédition tragique de Scott devient une aventure musicale.
Ce cycle de chants sur l’expédition historique dans l’Antarctique comprend des documents de travail, des descriptions de paysages et des interviews qui complètent la partition de cet opéra radiophonique

« Un jour est venue l'idée de réunir les pièces sonores produites pendant nos ateliers d’Arles - non pas pour ériger des canons du genre, mais pour témoigner d'une démarche, d'un désir insistant : écrire avec le son. » Kaye Mortley 

Il y a quelque chose qui cloche

Petit essai sonore sur la cloche, cri de métal inventé par l'homme...

Participants:

mixage: hervé birolini

stagiaires:

yann

bruno

clémence

gao

ismaël

sylvia

peter

TERMINUS signifie à la fois frontière et point d’aboutissement. La pièce est focalisée sur les frontières : entre les gens, entre les pays, les frontières de la perception, du langage, la frontière entre la vie et la mort. Lorsque les mots deviennent incertains, dans les situations limites, le son nous permet d’aller plus loin : il est un langage à la lisière entre l’abondance du sens et le son à l’état pur. Ici, les interventions instrumentales surgissant du discours, dissipent également les limites entre la parole et la musique. 
Dans TERMINUS, le royaume des mots est bordé par deux strates textuelles : un texte de Léonard de Vinci sur le déluge, et des fragments de textes, principalement d’origine littéraire, dans lesquels les frontières et les situations limites sont évoquées.

« Falaise », le poème d’Ulrike Draesner, a pour sujet deux amants qui se retrouvent dans un paysage impressionnant, mais également accidenté. À travers la voix de la poétesse, les mots trouvent une forme acoustique appropriée. Les cris et les chuchotements, les propos rapportés et entendus, les sons et les images se rejoignent en une musique linguistique passionnée. Le compositeur Sandeep Bhagwati recherche sa musique dans cette poésie, s’empare du rythme de la musique des mots et continue de s’en amuser musicalement.

"La Mer de glace", le célèbre tableau de Caspar David Friedrich, a été à l’origine de ce projet. La peinture a été qualifiée à de multiples reprises de représentation de l’espoir déçu. Pour le compositeur Werner Cee, un symbolisme similaire hante une ruine industrielle, à Bitterfeld. Il s’agit d’un réservoir d’eau qui n’a jamais été utilisé, notamment lors de la terrible inondation de l’été 2002. Werner Cee a confronté les musiciens au tableau de Friedrich dans le « réservoir sonore » et a laissé l’œuvre émerger des processus d’improvisation. L’élément sonore unificateur est la e-Ch'in, sa cithare chinoise électronique. Ses longues réverbérations conduisent à la paralysie et à la « décélération », à l’instar des glaces flottantes décrites dans le tableau de Caspar David Friedrich.

Placé sous les auspices du Berlin Festspiele, "MaerzMusik", le Festival international de musique contemporaine, s’est tenu cette année du 19 au 28 mars et a rendu hommage à la diversité des tendances et des approches de la musique contemporaine. Deutschlandradio Berlin a participé à l’événement, en tant que partenaire du festival et organisateur du SONIC ARTS LOUNGE, qui a présenté des projets d’art sonore ou des spectacles nocturnes représentatifs de la culture club.
Cette année, le SAL a organisé la Nuit nordique : des artistes scandinaves ont présenté les dernières évolutions de l’art sonore. On a notamment entendu le percussionniste, auteur et virtuose du son Sven Åke Johansson, né en Suède en 1943 et qui a vécu à Berlin pendant de nombreuses années, l’artiste sonore Hanna Hartman, également née en Suède mais qui vit aujourd’hui à Berlin, et le groupe finlandais ProTon (Pekka Siren et Agnieszka Waligórska).
"La Nuit nordique" est un enregistrement réalisé au Sonic Arts Lounge, dans le palais berlinois des festivals. 

L’œuvre "Auf's Glatteis" (Sur une mince couche de glace), de Hanna Hartman, montre comment il est possible de produire des bruits peu communs et des sons inattendus avec une simple assiette chaude posée sur un peu de glace.

Pendant de nombreuses années, Jovanovič a enregistré différentes ambiances et atmosphères à proximité d’un mur qui protège sa propriété contre les assauts de la mer Adriatique, près de la ville croate de Rovinj.
L’examen du matériel sonore l’a chaque jour davantage confronté à sa propre histoire. Parallèlement, le vent et la diversité de ses apparitions, est passé au centre de son attention. En tant que navigateur, il a traversé de nombreuses mers et le vent a toujours rythmé sa vie en exil, au large de la côte Adriatique. 
La composition en quatre parties est une approche en quatre temps qui pénètre de plus en plus dans l’élément du vent et sa perception subjective. Il s’agit d’une confrontation avec une force de la nature, avec les humeurs, mais aussi avec la signification du vent.

L’Arcane, l’un des cartes du jeu de Tarot, avait déjà inspiré une composition à José Mataloni ("Die Arcana", DLR Berlin, 2002). De nouveau, il a repris le motif des cartes tirées au hasard et lues musicalement, mais cette fois, il a remis en question la faculté de divination associée à l’Arcane. Neuf autres cartes sont tirées et leurs symboles acoustiques peuvent être librement interprétées par l’auditeur : le Diable, la Mort, la Roue de la fortune, la Tour, la Tempérance, la Justice, le Jugement, la Force et le Pendu. « Le donneur est imaginaire et sème donc les graines à l’attention subjective de l’auditeur et du compositeur. Un dialogue peut donc s’établir entre ces deux personnes. » (J. Mataloni)

Dans sa pièce radiophonique, Søndergaard travaille avec des enregistrements réalisés dans des carrières de Carrare, la ville italienne du marbre. Il lance un pont acoustique entre deux pôles absolument silencieux : la pierre sous sa forme immaculée – lourde, statique, muette – et la pierre taillée, la sculpture, elle aussi entourée d’un silence respectueux. Entre ces deux pôles, tout un univers sonore : les explosions, l’impact des blocs de pierre qui déboulent, les grues qui déplacent les masses de marbre. Ensuite, les bruits - ceux que produisent les mains des artistes – deviennent de plus en plus fins. Le sciage, le martèlement, le sculptage, le polissage. Le marbre – un matériau silencieux – devient audible grâce aux mains de l’homme, reprend une forme sonore, puis retourne à son état initial : le silence.

« Un jour est venue l'idée de réunir les pièces sonores produites pendant nos ateliers d’Arles - non pas pour ériger des canons du genre, mais pour témoigner d'une démarche, d'un désir insistant : écrire avec le son. » Kaye Mortley 

Plein comme un œuf

Visite sonore (et subjective) du Musée Arlatan, actuellement fermé pour travaux...

Participants:

mixage: hervé birolini

stagiaires:

max et victorine

delphine saltel

david

Jean-Charles Baudou 

Cette œuvre plutôt inhabituelle se présente comme un essai sonore ou comme une méditation philosophique du son. Uli Aumüller fait ce que presque personne ne fait habituellement : il questionne la grammaire de l’audition. Car, dit-il, « même lorsqu’il sonne de manière trop évidente ou trop banal, un bruit, c’est toujours autre chose, notamment un acte de communication. Les bruits ne peuvent exister qu’en relation avec l’oreille de celui qui les écoute. Si deux personnes sont assises sous un cerisier, il se peut qu’elles entendent des choses similaires, mais qui ne seront jamais complètement identiques. Et si un microphone et des haut-parleurs sont associés à cet acte d’écoute, alors, cela devient encore plus compliqué. »
Uli Aumüller nous embarque dans sa vie d’auditeur. Son parcours nous conduit dans des expériences imaginaires de la nature, nous confie des anecdotes personnelles, et nous invite à arpenter le territoire philosophique.

Hölderlin a passé les 36 dernières années de sa vie dans une tour où le délabrement de son état mental finit par l’emporter sur ses phases de lucidité. Il mourut à l’âge de 73 ans. La question de savoir s’il était réellement psychotique a été délibérément ignorée par le compositeur.
Pour Hölderlin, la musicalité de la poésie était la langue maternelle de l’espèce humaine. Et il considérait les sons comme « l’image la plus fidèle de l’âme pure ». 
Ulrich Land est l’auteur et le narrateur d’un livret composé de fragments de textes et de lettres que Hölderlin écrivait à sa mère depuis la tour. À partir de ce matériel, Rilo Chmielorz et Pedro Lopez ont construit une structure sonore : une tour extérieure qui, petit à petit, semble se dissoudre et se transformer en une tour intérieure. La langue d’Höderlin est doucement et lentement transformée en musique.

Dans le monde entier, l’électroacoustique canadienne est considérée comme sans équivalent. Son origine remonte aux années 1940, lorsque Hugh LeCaine inventa à Ottawa un instrument qui fut le précurseur du synthétiseur moderne. Les studios des universités de Toronto et de Montréal ont été créés dans les années 1950. Ce milieu est d’une activité et d’une créativité à nulle autre pareille. Une grande réunion s’est tenue lors du Festival "trans_canada", au ZKM de Karlsruhe, en février 2005.

"Vol d’arondes", de Francis Dhomont - le maître de la Musique Acousmatique - est une œuvre d’un effet extrêmement poétique qui évoque une balade enjouée.

Pour sa composition, Tetsuo Furudate a utilisé une histoire du théâtre nô datant du XIIIe siècle : lors d’un pèlerinage à Kyoto, capitale impériale du Japon, un jeune moine rencontre l’esprit d’une femme, sur un monticule funéraire, qui avait été condamnée à périr en enfer parce qu’elle était responsable de la mort de deux amants. Utilisant pour la première fois un motif de sa propre culture, l’artiste sonore Furudate a trouvé intéressant le caractère implacable de la condamnation de cette femme par Dieu ainsi que le contraste très marqué entre la première scène, idyllique, et la plongée en enfer. Par ailleurs, la possibilité offerte par le théâtre nô de gommer les frontières entre la vie et la mort, je et toi, le passé et l’avenir l’a également fasciné.

Cette pièce radiophonique s’intéresse aux quatre éléments, à leur nature, à leurs sonorités intérieures et extérieures, ainsi qu’à leur ancienne capacité de transformation. Dès l’ère présocratique, les philosophes se sont intéressés à la doctrine des éléments, dont la plupart proviendraient d’une matière primordiale unique, et qui se seraient différenciés pour donner l’eau, la terre, le feu et l’air. Leur composition spécifique se retrouve dans la forme de tout être et de toute chose. L’alchimie, en particulier, s’est inspirée de ces enseignements. S’appuyant sur ces principes, le compositeur Thomas Gerwin a essayé d’établir une « alchimie du son » : ses éléments musicaux découlent d’une matière primordiale, qui se différencie, s’étend et se transforme. Son objectif : "Reconnaître le sublime dans le quotidien, le pratique dans le principe et le ludique dans l’important."

Hanna Hartman ne souhaite pas qu’on entende dans le titre de son œuvre "Wespen Vesper" (Vêpres des guêpes) une connotation religieuse ; elle l’interprète davantage comme un jeu sur le langage, comme une fantaisie festive. Quand on l’interroge sur le contenu et le titre de sa nouvelle œuvre, il n’est guère surprenant qu’elle choisisse de citer le sémiologue Roland Barthes: « Bien entendu, si l’on renonçait à la métaphore ou au syllogisme, le commentaire deviendrait impossible : parler du haïku serait purement et simplement le répéter. »  (dans "L’Empire des signes")

Avec la composition sonore "Niemandsbucht" (La baie de personne), le compositeur Thomas Köner suit les traces d’un héros. Keuschnig, le protagoniste de "Mon année dans la baie de personne", le roman de Peter Handke (1994), fait le récit d’une année passée dans une banlieue parisienne. Thomas Köner a passé plus d’une année à visiter les endroits dont Handke a précisément décrit l’acoustique, et a recherché les sons susceptibles de reproduire acoustiquement « la baie de personne ». À travers la composition musicale issue des enregistrements réalisés dans des lieux précis, un espace sonore a été créé, il fait le récit de nombreux endroits et de la « baie de personne » commune à chacun d’entre nous.

desc_fr

Dans le monde entier, l’électroacoustique canadienne est considérée comme sans équivalent. Son origine remonte aux années 1940, lorsque Hugh LeCaine inventa à Ottawa un instrument qui fut le précurseur du synthétiseur moderne. Les studios des universités de Toronto et de Montréal ont été créés dans les années 1950. Ce milieu est d’une activité et d’une créativité à nulle autre pareille. Une grande réunion s’est tenue lors du Festival "trans_canada", au ZKM de Karlsruhe, en février 2005.

"Hi Res", de Louis Dufort, de Montréal, qui est l’un des derniers représentants de l’Art Acousmatique, toujours à la recherche de son propre langage.
Enregistrement realisé au ZKM (Centre d’art et des technologies des médias), à Karlsruhe, lors du Festival « trans_canada ».

« Un jour est venue l'idée de réunir les pièces sonores produites pendant nos ateliers d’Arles - non pas pour ériger des canons du genre, mais pour témoigner d'une démarche, d'un désir insistant : écrire avec le son. » Kaye Mortley 

Liberté Lumière

L’Arlésienne peut aussi être trop voyante…tentative de portrait d’une figure qui dérange

Participants:

mixage: hervé birolini

stagiaires:

marcus gammel

bertrand gauguet

christophe tréhet

loic chusseau

laetitia mikles

xavier fassion

ollia horton

marié gérard

hélène coeur

patrick caradec

«Un jour est venue l'idée de réunir les pièces sonores produites pendant nos ateliers d’Arles - non pas pour ériger des canons du genre, mais pour témoigner d'une démarche, d'un désir insistant : écrire avec le son.» Kaye Mortley

Où est passé Gaspard?

Des chiens... histoires de chiens que l'on promène en soi, avec soi, comme on promènerait son Gaspard à soi.

African Feedback documente la rencontre entre l’artiste Alessandro Bosetti et les habitants de villages d’Afrique de l’Ouest. Après avoir fait écouter les musiques de différents compositeurs expérimentaux et avant-gardistes à des personnes rencontrées dans les villages, Bosetti enregistre leurs réactions, leur demande de parler de ce qu’ils ont entendu et aussi de ce qu’ils ont ressenti face à ces musiques et à ces sons. Composé de leurs réponses, et des field recordings réalisés tout au long de ses voyages, African Feedback est un portrait musical des transpositions culturelles, incompréhensions culturelles, différentes voix et discours. Comprenant un CD audio et la transcription des sessions d’écoute, ainsi qu’une introduction par l’artiste, African Feedback est une œuvre séduisante, qui se confronte de manière inventive à la question des différences culturelles.

Frieder Butzmann aime visiter le cimetière. Une fois sur place, il va se recueillir sur la tombe du Baron de la Motte-Fouqué, dont le roman "Die Wunderbaren Begebenheiten des Grafen Alethes von Lindenstein" abonde en esprits et en phénomènes étranges. Alethes a de nombreuses aventures et essaie de résoudre tous les mystères, mais ce faisant, il provoque de nouveaux dangers. Frieder Butzmann continue à faire apparaître des esprits, mais sous une forme acoustique. Le son était jadis considéré comme désincarné, et les premières transmissions sonores - qui utilisaient des ondes électromagnétiques – comme des matérialisations de l’invisible. Dans Alethes Soundbeams, ces techniques sont utilisées afin que d’autres entités désincarnées produisent des sons et s’expriment.

Chine – il s’agit d’un coucher de soleil sur les rives d’un lac, d’un groupe de retraités pratiquant le Taï-Chi, du brossage rythmé du coton et, enfin, d’une musique hip-hop chinoise diffusée par un autoradio et d’annonces dans le métro de Pékin. Stephen Erickson s’est rendu en Chine et s’est retrouvé face à une société chinoise complexe et surpeuplée, au sein de laquelle sont réunis le passé, le présent et l’avenir, ainsi que la religion et l’idéologie.
Son paysage sonore "Fleuve dansant – Dragon criant" saisit des détails de la Chine contemporaine, et fait le récit des plus de 5 000 ans de l’histoire chinoise.

« En cette période où progresse l’hystérie, nous devons rester unis et faire des sacrifices pour notre économie. En cette période de folie linguistique et climatique, nous devons faire un effort supplémentaire pour être les premiers.
"Wir müssen siegen" (Nous devons conquérir) est la conversion formelle d’une séquence radiophonique composée en un mixage sonore.
La distribution : percussion, piano, sons captés dans les médias et dans la rue ; les archives sonores de Rupert Huber ; la manipulation électronique de tous ces sons.
"Au départ, la pièce s’articule autour de l’alternance des contenus puis bascule dans la simultanéité polyphonique. À l’instar d’une machine à laver en phase d’essorage, vers la fin de la pièce, toutes les notes, bruits, rythmes, mots et sons s’enroulent les uns autour des autres." (Rupert Huber)

La composition s’inspire de La Tempête de Shakespeare, mais pas spécialement du texte ou de l’histoire ; elle s’appuie davantage sur les indications scéniques, qui mentionnent des musiques et des sons, et plus particulièrement sur les nombreux passages où des personnages décrivent des sons qu’ils entendent : « venant du ciel, de quelque part ». Jovanovič s’intéresse à ces informations et passages du texte de Shakespeare et les utilise comme partition d’une composition indépendante. Par exemple, le sorcier Prospero parvient à rendre audible sur son archipel sonore des sons inaudibles dans la pièce de Shakespeare.

Lors de son voyage au Vietnam, Marcus Mohr a recueilli le matériel original de cette pièce sonore, "Muoi (dix)", qui repose sur le concept des cinq éléments : métal, terre, bois, eau, feu. Marcus Mohr associe chacun de ses enregistrements à l’un des cinq éléments et les traite de la même façon qu’un DJ mixe ses disques : à partir des sons d’un élément, il crée un morceau puis l’associe aux morceaux des autres éléments. Petit à petit, d’autres éléments sont ajoutés, d’abord de façon synchrone, puis décalés et en alternance. Dix combinaisons différentes sont créées sur le même principe, chacun des éléments étant mixé avec l’un des quatre autres. 
"Muoi (dix)" parle d’équilibre et des interactions entre les cinq éléments.

Après les plantes et les animaux, les premiers êtres humains ont été réalisés en argile. Mais comme ils étaient trop tendres, ils se sont dissous. La deuxième série d’êtres humains a été faite en bois. Oubliant de rendre hommage à leur créateur, ils ont été détruits. La troisième série a été réalisée en maïs ; ils ont remercié leur créateur et ont fondé des familles et des nations… Telle est l’histoire racontée dans le Popol-Vuh, le livre de la création maya, qui a été transmis à un missionnaire, en langue maya, au XVIe siècle, « de façon à ce que survivent les traditions de notre peuple. » Götz Naleppa a créé une composition sonore qui associe les textes allemands et maya, des sons de la jungle et de la musique interprétée sur des instruments préhispaniques, dans laquelle les aspects cruels et co(s)miques de la création deviennent tangibles.

Pour sa composition Studio "in forma di rosa", Lucia Ronchetti a pensé à une image : la spirale complexe formée par une rose. L’intérieur d’un bouton de rose lui a inspiré une structure particulière : elle a associé la musique vocale italienne des XIIIe et XIVe siècles avec une flûte traditionnelle soufie, puis a utilisé ces motifs dans des variations cycliques. Les sons se développent dans un mouvement évoquant une spirale et un processus d’épanouissement musical. « Nuit, secret, sombre, sang, invisible » sont quelques-uns des mots que différentes voix, en espagnol, en turc, en italien et en perse, prononcent et accumulent dans le mouvement en forme de spirale et de bouton de rose. « Le paysage autour de la rose peut être l’obscurité, telle une nature morte se détachant sur un fond noir. »  (Lucia Ronchetti).

Pièce radiophonique stéréophonique sur un texte d’Andrea Fortina (2006)

En 1958, avec son œuvre « Fontana Mix », John Cage s’est résolument inscrit dans l’histoire de la musique moderne. Pour la première fois, un compositeur n’écrivait pas directement pour des musiciens mais, en premier lieu, pour d’autres compositeurs. Les directives graphiques de Cage doivent d’abord être musicalement comprises avant de pouvoir être entendues.
Pour sa nouvelle version de « Europeras », de Cage, au théâtre d’Aachen, en 2006, Volker Straebel a créé une réalisation du « Fontana Mix ». Outre la réalisation de la propre bande audio de Cage, il a principalement utilisé des sons qu’il a trouvés sur son lieu de travail : des sons de la ville d’Aachen et de ses environs, des enregistrements de répétitions dans un théâtre, d’ateliers, de foyers, etc.
Il a traité ces sons, au nombre de 1181 et s’est appuyé sur la partition de Cage pour créer une composition distincte, pour bande audio.

Elle remporte Mention Spéciale au Prix Phonurgia Nova en 2006. Par cette mention, le jury a voulu saluer la subtilité d'une écriture sonore et d'un art de la "miniature acoustique" qui n'est pas sans rappeler l'évidence du haiku japonais.

Prix Phonurgia Nova 2007 (ex aequo avec Hanna Hartman "Longitude")

Des moteurs cliquètent, des appareils de battage tonnent, des bips électriques accompagnent des sons mécaniques, hydrauliques et pneumatiques. Des fragments de textes de Karl-Heinz Mauermann se mélangent à des espaces sonores symphoniquement compactés par Frank Niehusmann. Les pourfendeurs des machines sinistres se font entendre au même titre que les défenseurs aveugles du progrès. Les documents on trait à des machineries bruyantes d’une époque presque révolue, mais aussi à des équipements nouveaux et différents. Tous les sons, originaux, ont été enregistrés au XXe siècle. Bien que certaines d’entre elles aient aujourd’hui pratiquement disparu, la dernière génération de machines subsiste, et l’esprit de « nos » machines continue à nous hanter.

«Un jour est venue l'idée de réunir les pièces sonores produites pendant nos ateliers d’Arles - non pas pour ériger des canons du genre, mais pour témoigner d'une démarche, d'un désir insistant : écrire avec le son.» Kaye Mortley

Faites venir le piano

En fait, on ne sait pas trop où on est. La seule info: on est à Arles.

Recherche d'un "secret", sur fond sonore d'errances et de piano préparé.

  « Les deux compositions sonores, Fire pattern et Frost pattern, sont liées et s’intéressent aux sons du feu et de la glace. Grâce à la similitude de leurs structures, elles soulignent les liens acoustiques entre les deux températures extrêmes. Fire pattern est centrée sur les phénomènes sonores qui se produisent pendant les processus de combustion et à hautes températures. Une attention particulière est accordée aux enregistrements sonores des volcans et geysers du Vanuatu, du Costa Rica, d’Islande et de Sicile. Par ailleurs, les sons prolongés entonnés par les flammes et le spectre des bruits plus calmes de la chaleur et du feu rappellent qu’au fil des civilisations, le feu a toujours été le fidèle compagnon de l’homme. » (Bick)

Pour ce projet, Bosetti « traduit » des madrigaux de son compatriote, le célèbre compositeur et assassin de sa femme Carlo Gesualdo (1566-1613), grâce à la diversité des voix de l’underground napolitain contemporain. « La musique vocale de Gesualdo est courtoise, aristocratique et abstraite. Les voix de Naples sont extrêmes, assourdissantes et abstraites. Naples est aristocratique et dégénérée. Gesualdo et Naples sont des êtres bouleversants. Gesualdo a tué sa femme. Naples tue ses enfants. L’émotion que provoque Gesualdo est à la fois brûlante et glaçante – bleue pâle et verte. L’émotion que suscite Naples est brûlante et étouffante comme l’intérieur de son volcan, semblable à un velours rouge. » (Bosetti)

« Les Romains de l’Antiquité sont mes voisins à Rome. "Sur les routes" (avec un clin d’œil à Jack Kerouac) est ma tentative impossible visant à capter la présence illusoire de la Rome antique. Les vestiges des anciennes routes romaines sont des espèces de « partitions » en pierres sur lesquelles s’est inscrit tout ce qui a marché, roulé ou a été tracté. Non loin de ma maison se trouve la Via Appia, et j’ai commencé à enregistrer des chevaux, des touristes, des oiseaux, des chiens, des archéologues, ainsi que mes propres instruments, dans la campagne, entouré de tombes usées par les siècles et de ruines d’antiques villas. Un certain nombre de textes en latin accueillent les voyageurs, de même que des cornes de béliers, des lyres et des cithares, des tambours et peut-être les sons des éléphants et des lions que l’on exhibait dans ces rues. Ce mélange de sons antiques est transposé dans un langage contemporain. » (A. Curran)

"Die große Stille" (Dans le grand silence) est un film sur la Grande Chartreuse, le principal monastère du légendaire ordre silencieux des moines cartusiens. 19 ans après la première rencontre de Philip Gröning et du prieur du monastère, il a réalisé le premier film autorisé sur la vie à l’intérieur des murs du monastère. Une méditation stricte et presque silencieuse sur la vie monastique sous sa forme la plus pure. Sans musique, sans interview, sans commentaire, sans matériel supplémentaire. Le passage du temps, le changement des saisons et l’élément récurrent tout au long de la journée : la prière. Dans ce silence où aucun mot n’est pronconcé, chaque bruit est signifiant. C’est la raison pour laquelle le réalisateur a fait une version radio, pour Deutschlandradio:Pour écouter le silence.

Drehungen und Windungen (CD1, Track 1) – 00:06:44
Segeln mit Schubert (CD1, Track 2) – 00:04:21
Die Kammer des Kranken (CD1, Track 3) –  00:08:52
Corpo libero (CD2, Track 2) – 00:09:41
Body in Music (CD2, Track 3) – 00:11:04
Le bonheur / Glück – 00:07:44

La compositrice suisse Bernadette Johnson est passée maître dans l’art des petites pièces, qu’elle appelle « poésies acoustiques », et qui associent des structures sonores, des instruments et des éléments linguistiques. L’objectif est de créer des ambiances légères avec un minimum de ressources. Voici comment elle en parle : « Dans mes œuvres acoustiques, ce qui m’intéresse, c’est d’accéder à d’autres niveaux de réalité, à l’imaginaire, à l’ambivalence des atmosphères. Lorsque les choses du quotidien sont étonnamment liées les unes aux autres, quelque chose de mystérieux est discernable pendant quelques instants. »

Ce poème sonore est le résultat d’une collaboration de plus d’un an entre l’artiste sonore allemand W. P. Menzel et le compositeur norvégien Ola Eseth Moen.  "My Father, the Sea" (Mon père, la mer) est pour Menzel une œuvre très personnelle : son père était à bord d’un sous-marin allemand qui, au printemps 1945, a été coulé par les forces Alliées. Cependant, outre l’aspect biographique, la carcasse métallique du sous-marin devient la métaphore sonore de la solitude existentielle d’une personne piégée dans l’océan et de la fragilité de nos vies actuelles.

« Cette œuvre est un portrait musical de Rome à travers les sons de ses anciennes portes. Ces sons donnent une vague idée des existences qui ont été menées derrière elles. J’ai essayé d’écouter chaque porte afin de décrire la complexité de cette ville bruyante, où des siècles de sons se sont succédé. L’ouverture de chaque porte implique de la musique, des cris ou des dialogues. À l’instar de l’Arioste attirant tous ceux qui recherchent l’amour dans le palais d’Atlante, j’ai tenté de saisir les vies écoulées de l’autre côté de ces portes en mixant le spectacle sonore des souvenirs personnels à des projections réalistes. » (Lucia Ronchetti)

"Jacob Räume Zen" (Jacob Espaces Zen) associe des textes et des images visionnaires de Jacob Boehme (1575-1624) avec l’expérience et les affirmations du bouddhisme zen. Johannes S. Sistermanns utilise la proximité spirituelle de ces univers géographiquement distants pour mettre les différents espaces sonores en contact les uns avec les autres. Les textes de Boehme son transférés de sa ville natale, Görlitz, vers des lieux du quotidien et des monastères japonais. Les mots des moines zen voyagent acoustiquement du Japon jusqu’aux espaces de vie de Jacob Boehme. Pendant la pièce, les sons s’entremêlent peu à peu les uns avec les autres. Ils créent une atmosphère de reconnaissance non conceptuelle, dans laquelle les expériences de Boehme sont silencieusement absorbées.

Prix Phonurgia Nova 2007 (ex aequo avec Jean Philippe Scellier "sur le chemin")

Ce poème acoustique est une réflexion sur la caducité, la fragilité du corps et les petits signes qu’il envoie. "
La pièce veut évoquer une musique intérieure du corps, elle travaille _ partir d’un thème emprunté, et jamais rendu, à Schumann (Variations en mi bémol majeur), dernière oeuvre du compositeur gravement malade, écrite pour sa femme Clara.
1ere diffusion au Donaueschingen Festival 2007
Voix : David et Carla Johnson

" En matière d’écriture, déclare Bernadette Johnson, je cherche avant tout des méthodes conduisant à la suppression du son. Je m’intéresse aux signes acoustiques en tant que déclencheurs d’autres images "

« Un jour est venue l'idée de réunir les pièces sonores produites pendant nos ateliers d’Arles - non pas pour ériger des canons du genre, mais pour témoigner d'une démarche, d'un désir insistant : écrire avec le son. » Kaye Mortley 

Many Roads

Errances, chemins de traverse, destins croisés...une photographe, une gitane, un écrivain, des filles, un pèlerin, des baroudeurs.

Participants:

mix: mehdi ahoudig

stagiaires:

anil bhosle

virginie valissant brylinski

sophie charlotte gautier

silvia etcheto

camilla panhard

nathalie renault

elsa robichez

solveig risacher

Dans le carrousel artistique des années 1980, les performances singulières de Martin Kippenberger étaient considérées comme le haut du panier de ce type de spectacle. La nuit était son royaume et il était intarissable sur son parcours d’imprésario, de danseur et d’homme de spectacle. Face à l’écran, il y avait du silence et de la solitude. "Aufstehn / Stuhl kaputt machen / you / yellow / you" (Martin Kippenberger).
La pièce radiophonique associe des textes, des poèmes, de la musique et des enregistrements originaux de Kippenberger avec des musiques d’Augst, de Carl et de Johansson.

Au cours de ces dix dernières années, il m’est arrivé d’enregistrer dans des rames de métro et dans des gares de différentes localités, mais pour "A Narrow Angle": Taipei Metro Easycard 500 NT$, je me suis focalisé sur un aspect très particulier observé dans le métro de Taipei (d’où le titre « narrow angle »).
Cette pièce est la seconde d’une œuvre en trois parties : la première s’articule autour d’enregistrements réalisés dans des salles de jeux urbaines, la troisième autour d’enregistrements réalisés à proximité d’un temple taoïste, à la lisière de la forêt située au nord de Taipei.

"A Narrow Angle" a été publié comme disque chez Entr'acte (http://www.entracte.co.uk).

« Qu’est-ce que ça veut dire ? C’est difficile à dire, parce que je suis toujours un observateur, qui collecte des informations et qui, de cette façon, crée une histoire dans laquelle je reconnais seulement ce que je considère comme étant de l’ordre du possible  … La réalité physique n’est qu’une illusion engendrée par nos sens. » (Beumer) La réunion, le chevauchement et les interconnexions entre la perception, le sujet et la sensation, entre la réalité et sa désintégration, entre les sons électroniques, artificiels et les variations sonores qui sont générées par l’appareil vocal humain constituent les fondements de cette composition pour sons électroniques, piano numérique, bruit et art vocal.  

« Le matériel de Silent cellulo (Celluloïd muet) provient de projecteurs cinéma 35 mm. Les bruits mécaniques des projecteurs optiques engagent un dialogue avec des instruments et deviennent des projecteurs acoustiques. S’y ajoutent un piano, un instrument qui accompagnait le cinéma à l’époque du muet, un saxophone, qui insuffle de la vie dans l’imaginaire et, enfin, une voix qui traverse les paysages mécaniques de la pièce. Silent cellulo est une expérience dont l’objectif est de visiter le cinéma dans une perspective sonore, un essai dédié à ceux qui peuvent écouter les images. » (Birolini)

« L’enfance envisagée comme un miroir obscur, dans lequel apparaissent des êtres chimériques, venus d’une vie cachée, des êtres visionnaires, appelés « mauvais enfants » parce qu’ils voient ce que personne d’autre ne peut voir. Ils transforment la vie en enfer parce qu’ils prévoient tout et n’oublient rien. La composition est structurée comme une suite. Dans chacun des mouvements, les voix des enfants racontent des histoires différentes dans une langue cryptique mais compréhensible. Un théâtre noir, dans lequel les décors vont et viennent et où les voix apparaissent comme des visions issues de l’obscurité. » (Sheila Concari).

« Un beau matin, en prenant mon petit déjeuner, j’ai l’impression qu’il y a quelque chose derrière moi et ça me rend fou. C’est comme s’il y avait une pièce aveugle de l’autre côté du mur, derrière moi. Une pièce plongée dans l’obscurité, que le soleil n’atteint jamais. Là, un père dévore son fils. »
L’artiste sonore Tetsuo Furudate traduit les tableaux les plus sombres de Francisco de Goya en un collage sonore oppressant mêlant des visions d’horreur musicales et linguistiques.

 « Une forêt balinaise au crépuscule : des milliers de criquets stridulent en rythme et créent une harmonie magique… Un village à l’est du Sénégal à l’aube : des chuchotements de femmes, des bruits d’objets tombant dans l’eau, un enfant qui crie, de temps à autre le son d’un pilon pilant le millet… Santiago de Cuba à minuit : des dizaines de milliers de supporters célèbrent dans la rue la victoire de l’équipe de baseball locale sur celle de La Havane… Ces sons, je les ai enregistrés aux quatre coins de la planète. Ma composition pour un ensemble de musiciens sélectionnés nous emmène en voyage, donne à entendre les distances et les convergences, retrouve les secrets acoustiques d’expériences sonores du passé. » (Wolfgang Hamm)

Les enregistrements réalisés par les deux compositeurs lors de leurs deux voyages en Inde constituent le matériel sonore de cette composition. Sans porter le moindre jugement, ils examinent les différentes qualités de l’énergie acoustique et de la large gamme dynamique des grandes villes, dans les bazars ou les marchés aux bestiaux : C’est un bruit exubérant qui fait sombrer les rues des vieux quartiers de Delhi dans un concert gigantesque, le soir peu avant le coucher du soleil. La nuit, une immobilité fantomatique s’empare de ce même endroit. L’œuvre n’est pas une restitution réaliste des différents lieux, mais plutôt de leur dynamisme et de leur richesse tonale : un mélange d’épices sophistiqué – « épicé » !

« Après avoir passé des heures à écouter le silence dans la nature, j’ai commencé à prendre conscience d’un type d’écoute, dans lequel tous les sons se fondent en un même bruit. J’entends également ce bruit dans la ville, dans un parc, dans ma cour. »
Avec "Nektarrauschen" (bruit nectar), le compositeur Jürgen Seizew a ajouté un niveau intérieur à ces paysages sonores. Il appelle le résultat des « Stratascapes ».
Les « Stratascapes » sont des sons exclusivement élaborés en coupant et en mixant (parfois grâce à des millions de stratifications) des bruits ou des séries d’enregistrements sur le terrain. Les tonalités des paysages sonores originaux jouent un rôle narratif important dans cette pièce. Inversement, les « Stratascapes » décrivent un niveau de paysages sonores qui est inaudible. » (Jürgen Seizew)

Götz Naleppa, fondateur et ancien directeur du créneau d'art sonore à Deutschlandradio Kultur, prit sa retraîte en 2008. Pour les adieux il reçeva des cadeaux sonores du monde entier.

Avec des contributions de Andreas Bick, Hervé Birolini, Colin Black, Alessandro Bosetti, Frieder Butzmann, Christian Calon, Rilo Chmielorz, Francis Dhomont, Thomas Doktor, Chantal Dumas, Stephan Froleyks, Stefano Giannotti, Heiner Grenzland, Hanna Hartman, Ricardo Haye, José Iges, Arsenije Jovanovic, Kaye Mortley, Georg Klein / Steffi Weißmann, Felix Kubin, Wolfgang Peter Menzel, Cathy Miliken, Kaye Mortley, Norbert Walter Peters, Proton Sonic Arts Group, Lucia Ronchetti / Thomas Seelig, Sabine Schäfer / Joachim Krebs, Mario Verandi.

Prix Phonurgia Nova 2008 (ex aequo avec Bernadette Johnson "Summer Fragments")

« Les deux compositions sonores, Fire pattern et Frost pattern, sont liées et s’intéressent aux sons du feu et de la glace. Grâce à la similitude de leurs structures, elles soulignent les liens acoustiques entre les deux températures extrêmes. Fire pattern est centrée sur les phénomènes sonores qui se produisent pendant les processus de combustion et à hautes températures. Une attention particulière est accordée aux enregistrements sonores des volcans et geysers du Vanuatu, du Costa Rica, d’Islande et de Sicile. Par ailleurs, les sons prolongés entonnés par les flammes et le spectre des bruits plus calmes de la chaleur et du feu rappellent qu’au fil des civilisations, le feu a toujours été le fidèle compagnon de l’homme. » (Bick)

Prix Phonurgia Nova 2008 (ex aequo avec Bernard Bick "Fire Pattern - Frostern Pattern")

Son travail se caractérise par une recherche -et une expression très réussie- de l'intériorité. Le raffinement et l'audace du montage, le choix des sons et leur traitement permettent à l'auteur d'élaborer une forme-écho, une magnifique métaphore de la mémoire, de l'agencement instables des souvenirs.


« Peuple de tradition guerrière de la planète Qo’noS, dans la série télévisée Star Trek, les Klingons sont belliqueux et têtus. Cependant, les Klingons aiment aussi la musique et la poésie. Pour eux, le plus grand poète était le terrien Shakespeare, qu’ils considèrent comme l’un des leurs.
L’opéra klingon, juHrop (prononcé tschuch-rop, mot qui signifie « mal du pays » en allemand), laisse libre cours aux timbales et trompettes d’un orchestre héroïque et monumental, complété par des chants grégoriens de synthèse et des effets électroniques en haute fidélité et en basse fidélité. Les paroles sont en klingon et en chinois. » (Frieder Butzmann)

La salle de séjour est un espace spécial. Il n’existe aucun autre endroit où le privé et l’intime s’entrecroisent aussi fortement avec le public et l’universel. C’est une bonne nouvelle : de la musique de chambre à la réception de la radio, les salles de séjour reflètent en permanence les tensions qui existent entre les mondes intérieur et extérieur.
Pour cette composition "Living Room Music", Alvin Curran invite un certain nombre d’amis musiciens et artistes à jouer dans son salle de séjour romain. Construit sur les ruines de la Domus aurea de Néron, et donnant sur le Colisée, rempli d’instruments de musique, de partitions, de livres et d’objets du monde entier, cet endroit devient un espace où résonnent les réunions, les conversations et les improvisations musicales.
Curran a transformé ce matériel en une composition de chambre destinée à la radio. « Je veux que le son de ma salle de séjour soit la somme de tous les sons que l’on pourra entendre dans cette pièce. »  (Curran)

Sons sécurisants. Par exemple des libellules, des voix familières, le tic tac d’une vieille pendule. L’insécurité, quant à elle, est transmise par les sirènes, les cloches, les cris, les grondements du tonnerre. Le mot sound, en anglais, ne fait pas uniquement référence aux sons, aux bruits ; il peut aussi signifier « solide, en bon état ». Le lien entre l’acoustique et le bien-être est on ne peut plus profond et complexe.
À l’occasion du 1 000 046ième anniversaire de l’art, le groupe Ars Acustica, de l’EBU, organise comme chaque année une grande manifestation européenne centrée sur l’art sonore. En 2009, le jour de l’anniversaire de l’art, des artistes de Madrid et de Moscou vont « désécuriser les ondes » par l’intermédiaire de satellites, d’antennes et de câbles. Des menaces réelles et imaginaires, des ports d’attache authentiques et illusoires, des tours d’ivoire et des guerrillas souterraines s’immiscent dans une nuit déstabilisante dédiée à l’art sonore.

L’artiste sonore Jacob Kirkegaard explore les résonnances et les échos des lieux vides. Il a été inspiré par les recherches acoustiques menées par Athanasius Kircher, ainsi que par la célèbre expérience d’Alvin Lucier « I am sitting in a room ».
Sa nouvelle œuvre, "Speculum Speculi", s’intéresse aux activités centrales de la radiodiffusion : travaillant avec des loupes et des miroirs de précision, et grâce à des processus d’amplification et de feedback, il écoute aux portes des studios de production, vides, de Deutschlandradio Kultur. Le souffle caché des espaces « anéchoïques » rencontre le son du désert : "Singende Dünen" (Dunes chantantes), enregistrée à Oman, est le contrepoint des sons des studios de radiodiffusion. Un dialogue acoustique créé ex-nihilo.

"Sonic X-radiation" est la façon dont Thomas Köner fait référence aux instruments avec lesquels il illumine sans relâche les coquilles de pierre qui recouvrent les villes modernes. Depuis janvier 2008, il compose chaque mois pour Deutschlandradio Kultur une « lettre sonore » différente à partir d’une grande métropole. Ces miniatures de cinq minutes peuvent être régulièrement écoutées, sous forme de « Sons du mois », dans les pièces radiophoniques et autres émissions radiodiffusées.
  Contrairement à de simples « paysages urbains », les compositions de Köner vont bien au-delà de la surface de la vie quotidienne, tonale et sociale. Ils proposent des archétypes sonores, qui sont localisés ou anonymes, à la fois primitifs et complètement modernes. Dans Lithosphères, l’artiste multimédia associe de temps à autre le mouvement horizontal, d’une ville à l’autre, à une dérive verticale, issue des sédiments sonores de la vie urbaine.

Lors d’un long voyage, Eva Pöpplein et Janko Hanushevsky ont suivi le cours inférieur du Mékong à travers le Laos, le Cambodge et le Vietnam, jusqu’au delta où le fleuve se déverse au sud de la mer de Chine. Le duo Merzouga ponctue les paysages acoustiques de cet énorme univers aquatique avec les sons d’une basse électrique ayant subi un traitement électronique.
« On peut entendre rouler les cailloux dans le cours du fleuve, le paisible halètement d’un bateau à moteur et les cris occasionnels de quelques oiseaux aquatiques. Puis, l’écoulement change de couleur, le faible cliquètement des cailloux s’accélère et le bruit du moteur diesel, irréel, se transforme soudain en une espèce de bourdonnement. »

La composition "Im klangrand" (Au bord du son) examine les différents aspects des événements acoustiques du point de vue de la perception : les seuils auditifs, les transitions et les passages, l’utilisation des sons du premier plan et de l’arrière-plan ainsi que des sources sonores éloignées qui parviennent jusqu’au bord de l’univers. 
Johannes S. Sistermanns a trouvé le matériel de cette œuvre dans le désert australien, la vallée du Rhin, l’Océan atlantique en France et dans le mouvement des tiges dans un champ de blé. Il a écouté le pont Deutzer qui enjambe le Rhin à Cologne, Times Square à New York, un tunnel pédestre chinois ménagé entre des rues très passagères et le vaste quartier situé autour du Temple du paradis à Pékin. Sistermanns compose avec les éléments et actions du quotidien, les marges des textes, les limites des voix, avec les vastes espaces intérieurs et, surtout, avec les sons des pulsars. Ces étoiles très éloignées émettent des ondes radio qui peuvent être converties en signaux sonores audibles. Sistermanns n’utilise pas d’effets artificiels (réverbération, écho) lors du traitement de ses enregistrements. Une partie de sa composition est créée directement, lors du processus d’enregistrement, par le lien spatial entre le microphone et la source des sons. Dans le studio, Sistermanns permet à ces sons de devenir poreux et effilochés, de s’interrompre et de se mélanger avec les nouveaux mixages. De cette façon, il crée un univers se jouant de l’identité, de l’affirmation de soi, et fait constamment émerger de nouveaux passages sonores.

Passionné par la composition contemporaine et les traditions sonores asiatiques, Michael Vetter n’a abordé la musique classique européenne pour la première fois que dans ses œuvres récentes. Ce faisant, il a sélectionné une référence qui est étroitement liée à son expérience en tant qu’interprète de chant harmonique. Les sonates pour violon seul de Jean-Sébastien Bach marquent un tournant dans l’histoire de la musique car elles permettent d’entendre les évolutions sonores de plusieurs voix grâce à un seul instrument. Ce que Bach a rendu possible grâce à des arpèges sophistiqués, Michael Vetter le réalise depuis des décennies grâce à des techniques vocales et instrumentales exceptionnelles. Vetter aborde à présent le grand Maître du baroque par le biais d’une improvisation à deux voix avec sa partenaire Natascha Nikeprelevic.
 La trame musicale de "An Baches Rand" (À la périphérie de J.S. Bach) a été inspirée par le deuxième mouvement (Grave) de la Sonate n° 2 en la mineur. Michael Vetter a interprété ce mouvement très profond avec son magnétophone puis l’a encadré de deux méditations pour voix, magnétophone et piano.

Mention Spéciale Prix Phonurgia Nova 2009

« Bonsoir... actuellement, nous diffusons Telephone. » C’est ainsi qu’a débuté une émission de quatre heures diffusée le 21 mars 2009 par Deutschlandradio Kultur sur les ondes longues et moyennes. À l’occasion de la Journée mondiale de la poésie, l’artiste sonore Alessandro Bosetti a transformé le moyen d’expression qu’est la radio en un gigantesque générateur de poésie sonore. Des messages à la limite de l’intelligibilité étaient diffusés, captés par des auditeurs du monde entier, retranscrits, puis renvoyés à la station de radio d’où ils étaient de nouveau diffusés, jusqu’à devenir une composition sonore abstraite, musicale, mystérieuse et humoristique. Arcoparlante est un « arc parlant ». Un festival électromagnétique international de jeux linguistiques, d’absurdités et d’erreurs de transmission créatives.

Prix Pierre Schaeffer 2009 Ex aequo

Caroline Bastin (élève à l’Insas Bruxelles), signe un très libre documentaire sur les émigrés italiens du charbon dans la Belgique des années 50, « Casa Nostra ».

« Un jour est venue l'idée de réunir les pièces sonores produites pendant nos ateliers d’Arles - non pas pour ériger des canons du genre, mais pour témoigner d'une démarche, d'un désir insistant : écrire avec le son. » Kaye Mortley 

Sonarles

La recherche d'un balayeur de feuilles mortes devient  prétexte à une collecte de sons arlésiens, par une semaine d'automne, en 2009...

Participants:

mixage: mehdi ahoudig

stagiaires:

pierre jacquin

nabil el kaouay

yassin gaïer

solène salvat

alexandre coutaz

antoine dugne

«Un jour est venue l'idée de réunir les pièces sonores produites pendant nos ateliers d’Arles - non pas pour ériger des canons du genre, mais pour témoigner d'une démarche, d'un désir insistant : écrire avec le son.» Kaye Mortley

Herbier sonore

Collection de petits sons provoqués, captés, coupés, ensuite disposés (comme des feuilles) sur un tissage de sons urbains.

« Je vais sortir la poubelle. » Un acte quotidien est observé, se perd dans la trame des choses, puis disparaît. Il est remplacé par une suite acoustique, artificielle, que l’on repasse sans cesse. La reconnaissance repose sur la spéculation. L’orientation est jetée par la fenêtre. Avec leurs microphones, Serge Baghdassarians et Boris Baltschun brisent en mille morceaux des espaces acoustiques bien connus. Des détails acoustiques définissant une séquence apparemment logique, sont extraits de leurs contextes, et commencent à devenir autonomes. La chronologie s’effondre dans des décors schizophones.
« Marcher, c’est manquer de lieu. » (Michel De Certeau)

À la fois paisible et objet d’âpres controverses, intact et surveillé au millimètre près, l’Antarctique est au cœur de projets aux finalités contradictoires. 50 ans après le Traité sur l’Antarctique, qui a ouvert le continent à la crème des scientiques, le compositeur new-yorkais DJ Spooky s’est rendu sur place. Il a installé son studio au milieu des blocs de glace et tenté d’y capter la musicalité du paysage. Influencé par la culture du sampling, il décrit un monde ouvert, indomptable, une utopie précaire et une surface réfléchissante.
« Terra nullius est le portrait acoustique d’un paysage abstrait : glace, eau, terre, changement climatique et liens que l’humanité entretient avec elle. L’Antarctique en tant que document de la mémoire collective et en tant que méditation sur un avenir sans propriété. Une composition postcoloniale. » (DJ Spooky)

« La situation est banale. Vous êtes au téléphone, vous pensez que vous êtes en train de parler avec votre ami(e), mais en fait, il s’agit de quelqu’un d’autre. C’est son frère ou sa sœur, le père ou la mère – la ressemblance des voix vous a joué un tour.  La pièce radiophonique "Zweizwilling" (Deux jumeaux) s’intéresse à cette expérience. Des textes à caractère poétique et documentaire sont dits par cinq paires de jumeaux puis rapprochés des sons de jumeaux musicaux. Parmi les couplages de différents instruments, la pièce s’intéresse tout particulièrement aux paires de pianos réunissant un piano ordinaire et un piano préparé. Du fait des traitements particuliers réservés aux instruments, des structures sonores légères sont créées et possèdent une tonalité mystérieuse dans laquelle les passages de textes semblent posés comme des îles. » (Stephan Froleyks)

Le 17 janvier le groupe Ars Acoutcia de la European Broadcasting Union crée comme chaque année pour l'événement "Art's Birthday" un réseau d'art sonore europén. Deutschlandradio Kultur participe avec l'opéra de réseau SOBRALASOLAS! Le titre est emprunté du roman "Finnegans Wake" de James Joyce.
SOBRALASOLAS! n'a pas de dramaturgie fix, ne raconte pas une histoire et n'est pas une documentation. L'oeuvre est plutot un espace pour des glossolaliens et des écholaliens, des enregistrements spontané et des improvisations communes.
SOBRALASOLAS! combine des bruits collectionnés et improvisés pour créer un nouvel environnement d'écoute, qui est en meme temps fictionel et réel, temporel et régional.
Les artistes associés se trouvent à des endroits différents dans le monde entier. Ils improvisent en s'orientant à une trame de partiture qu'ils ont developpée en commun. Jérôme Joy fait le mix de l'événement sonore en direct au pfefferberg haus 13 à Berlin.

Prix Pierre Schaeffer 2010 Ex aequo

Un voix qui dit le vertige, l’enfermement, le sentiment de la perte et de l’effacement imposé par la maladie d'Alzheimer. Une musique s'y enroule, les notes noient la voix qui devient son, s'efface, revient, surnage. Un création sonore qui raconte l'oubli

Prix Phonurgia Nova 2010 Ex aequo

« Y a-t-il une vie pour le Nord à l’écran, après le succès de « Bienvenue chez les Ch’tis » ? C’est le réalisateur Alain Cointet qui pose la question. Pour Sur les docks, il a accepté qu’une équipe de radio le suive dans la phase de repérage de son prochain film…” Ce docu-fiction, déjà primé aux Radiophonies a été salué par le jury pour la bouffée d’air frais qu’il apporte à la dramatique radiophonique française.

Prix Pierre Schaeffer 2010 Ex aequo

un documentaire qui retrace en 25 minutes la vie quotidienne d’un couple confronté à l’adversité de la maladie de Parkinson. La situation est tragique. Mais l’humour des deux naufragés sauve tout

« Un jour est venue l'idée de réunir les pièces sonores produites pendant nos ateliers d’Arles - non pas pour ériger des canons du genre, mais pour témoigner d'une démarche, d'un désir insistant : écrire avec le son. » Kaye Mortley 

Un aller simple

Le petit train des Alpilles... et un voyage vers un passé présent.

Paricipant:

mix: mehdi ahoudig

«Un jour est venue l'idée de réunir les pièces sonores produites pendant nos ateliers d’Arles - non pas pour ériger des canons du genre, mais pour témoigner d'une démarche, d'un désir insistant : écrire avec le son.» Kaye Mortley

Impressions

Chassé-croisé de souvenirs aux rythmes d'un train qui roule

«Un jour est venue l'idée de réunir les pièces sonores produites pendant nos ateliers d’Arles - non pas pour ériger des canons du genre, mais pour témoigner d'une démarche, d'un désir insistant : écrire avec le son.» Kaye Mortley

Lost property

Objets trouvés, objets perdus: récit/inventaire qui navigue entre fiction et réalité

Prix Pierre Schaeffer 2011

Autoproduction, Belgique, avec le soutien de la fédération Wallonie-Bruxelles


Au début du 20ème siècle de nombreux flamands sont venus en Normandie pour cultiver les terres. C'est l'exhumation d'une histoire cachée derrière le silence du père de l'auteur. Le jury a loué l'élégance de cette réalisation, sa lente respiration qui joue magnifiquement de l'ellipse et de la suggestion.

«Un jour est venue l'idée de réunir les pièces sonores produites pendant nos ateliers d’Arles - non pas pour ériger des canons du genre, mais pour témoigner d'une démarche, d'un désir insistant : écrire avec le son.» Kaye Mortley

Ce jour-là (intitulé d'après le livre de willy ronis, et dont nous avons appliqué la démarche à un travail sonore)

Ce jour-là : quitter la ville...

Ce jour-là: la procession romaine

Ce jour-là: le péplum au théâtre antique

Ce jour-là: une vie bascule

Ce jour-là: de vieux livres, une maison déserte...

Ce jour-là: des pierres tombales

Ce jour-là: quitter les sons

«Un jour est venue l'idée de réunir les pièces sonores produites pendant nos ateliers d’Arles - non pas pour ériger des canons du genre, mais pour témoigner d'une démarche, d'un désir insistant : écrire avec le son.» Kaye Mortley

Jonathan (portrait n° 1, en creux)

Jonathan, le jeune gitan, a disparu... Tout ce qu'on nous dit, c'est qu'il est parti.

«Un jour est venue l'idée de réunir les pièces sonores produites pendant nos ateliers d’Arles - non pas pour ériger des canons du genre, mais pour témoigner d'une démarche, d'un désir insistant : écrire avec le son.» Kaye Mortley

 Lucien C. (portrait n° 3, ironique)

Dans le petit village d'Arles il y a un homme que tout le monde connaît. Il s'appelle ...

«Un jour est venue l'idée de réunir les pièces sonores produites pendant nos ateliers d’Arles - non pas pour ériger des canons du genre, mais pour témoigner d'une démarche, d'un désir insistant : écrire avec le son.» Kaye Mortle

 Stéphane (portrait n° 5, musical)

Stéphane, né en Roumanie,  joue du cymbalum sur la place de la République, devant une foule enchantée...

Prix Phonurgia Nova 2012

«Essayant de compter aussi longtemps que possible tandis qu'un texte/partition essaye par tous les moyens de me distraire et de m'interrompre. Une méditation sonore sur ma "cécité aux nombres". "

« Un jour est venue l'idée de réunir les pièces sonores produites pendant nos ateliers d’Arles - non pas pour ériger des canons du genre, mais pour témoigner d'une démarche, d'un désir insistant : écrire avec le son. » Kaye Mortley 

Ne toquer pas trop fort

Portrait sonore d'une rue.

La rue de la Roquette (c'est la rue principale) elle fait un tournant, et à droite elle va vers les quais et puis si vous continuez sur la gauche vous allez tomber dans la rue Genive...

Participants:

mixage: sylvain richard

stagiaires:

claude gouin

pierre brody

jean christophe favel

matthias berger

raphael rialland

éloïse plantrou

Nouvelle, est une création sonore librement inspirée de la Légende de Saint Julien l’Hospitalier, dans la version de Gustave Flaubert tirée de Trois contes.
Le texte s'est ici quasiment « absenté » pour servir de partition à la composition qui mêle voix, instruments traditionnels et électroniques, musique concrète. 
Cette pièce s'inscrit dans le cadre des Traductions, un projet qui consiste à utiliser une oeuvre préexistante comme "partition" d'une nouvelle réalisation sonore. Le premier volet "Quatuor" (commande du GRM 2011) se base sur le 10ème Quatuor à cordes de Beethoven. A venir, "Dessin" qui utilisera les dessins muraux de l'artiste américain Sol Lewitt. Pour "Nouvelle" le matériau sonore a été constitué uniquement à partir des phrases du texte qui décrivent des situations sonores ou contiennent des dialogues. Ces sons ont été agencés en fonction de leur position dans le texte. La composition consiste ensuite à construire l'itinéraire qui relie ces moments sonores.Finalement Nouvelle propose une abstraction de La Légende de Saint Julien, tout en conservant son atmosphère surnaturelle.

Production : WDR, en co-production avec La Muse en Circuit.

Mention Spéciale Prix Phonurgia Nova 2012

Les plantes produisent-elles des sons? Se peut-il même qu'elles possèdent un potentiel musical? À la recherche des membres talentueux d'un orchestre de plantes, Christina Ertl-Shirley navigue à travers une grande variété de disciplines : depuis la botanique, en passant par la biochimie,  l'ésotérisme, la floriculture, l'électronique interactive jusqu'à la musicologie. Comme pour la majorité des émissions de casting, la question réelle et en même temps aussi la plus difficile est: Quel candidat reste à la fin? Et qui doit s'en aller ? Pour couronner le tout, les meilleurs sons de plantes effectuent une composition ensemble. Christina Ertl-Shirley a reçu pour réaliser ce travail une résidence Phonurgia Nova au GRM de l'INA à Paris.

En 1913, Luigi Russolo publiait le manifeste futuriste "L'arte dei rumori» («L'art des bruits»). Il y proclame l'avènement de l'âge des sons : La machine a créé "une telle variété et une telle libération de bruits que le son musical dans sa légèreté et sa monotonie ne provoque plus d'émotion". Un siècle plus tard, le compositeur lituanien Arturas Bumsteinas se met en quête de signes précurseurs du futurisme. Il en décèle à l'époque Baroque, une période où les machines sonores arrivent dans les théâtres, où René Descartes décrit le corps humain comme une machine, et où le tempérament égal n'était pas encore de règle dans le système tonal. Bumsteinas combine les enregistrements de vieilles machines de théâtre avec des sons de clavecin et de clavecin préparé.

La musique baroque émotive rencontre les éclats futuristes.

Le Rocher Percé est une formation rocheuse située dans le Golfe du St Laurent sur la côte Est du Québec, habitat de nombreux oiseaux marins et une réserve de fossiles remarquable. Ce monument naturel inspira en 1944 à André Breton  l'écriture de "Arcane 17". Dans ce texte,i il combine des réflexions sur la faune canadienne, le mythe de Mélusine, le fascisme et l'extase d'un amour fraichement trouvé. Christopher Williams, Charlie Morrow et Robin Hayward traduisent ce texte en sons : les sons de la nature captée sur le Rocher, sont mélangés à des sons instrumentaux et fragments du texte de Breton. 

"Celui qui cherche à s'approcher de son propre passé enseveli doit se conduire comme un homme qui creuse." Par ces mots Walter Benjamin décrit un temps qui avance synchroniquement, plutôt que chronologiquement.

Dans 'le Progrès', le musicien Marc Behrens découvre doucement les fragments de son histoire familiale en Allemagne et la Pologne. Les couches diverses de temps se mélangent et se chevauchent continuellement : tant des enregistrements de terrain que les propos sont enregistrés en utilisant des dispositifs contemporains qu'historiques. Ils se mêlent avec les enregistrements originaux du son de son père, un ingénieur des télécommunications, qui a maintenu les installations d'écoute à la frontière Est/Ouest de l'allemande entre autres.

"Le progrès" interroge le concept de progrès, qu'il soit de nature historique, généalogique ou technique. La magie de notre époque n'est pas dans son cours, mais dans la co-existence fertile des couches de temps dans le présent.

Prix Découverte Pierre Schaeffer 2013

"Un jour, j'ai su qu'il fallait que je prenne la route. J'avais 26 ans, je n'avais jamais fait cela, et je ne savais pas ce que j'allais trouver. Je savais juste qu'il fallait que je le fasse. Il fallait que je prenne la route. Ce n'était pas raisonné, ce n'était pas raisonnable, mais je n'avais pas le choix. C'était une urgence. Ca hurlait en moi "prends la route avec tes micros". Je me suis organisée pour avoir du temps, et dès que j'ai pu : je suis partie. C'était encore l'hiver. J'avais choisi la Loire pour fil d'Ariane. La descendre, de la source à l'estuaire, 1000 km à pied, pour rejoindre la ville où je l'avais vue couler étant gamine - Nantes."

Short List Prix Phonurgia Nova 2013

J'entre ici, comme dans une pièce noire, je ne sais rien, et puis je ne vois rien.
Moi qui ignore tout, et de surcroît aveugle, je ne reconnais rien ou pas grand chose, j'entrevois par l'oreille, c'est-à-dire que j'entr'entends. Je devine, un peu, mais avec tant de doute que j'hésite à juger. Je n'ose rien nommer, ne résous pas grand chose, tâtonne, et ça tombe bien, car on ne me demande pas mes lumières pour continuer.
...
Les signaux que l'auteur envoie, comme indices de sa présence, font entrer mon écoute dans sa profondeur. Je remarque alors que lorsque je me mets à écouter, j'entends (toujours) autre chose. Et maintenant que j'ai écouté jusqu'au bout, je suis prêt à recommencer.
Etienne Noiseau

http://www.arteradio.com/son/616316/birdless/

Short List Phonurgia Nova Price 2013

A project combining song writing with ars acustica elements. These two fields, probably at antipodes, can be elaborated in an autonomous acoustic form which might destroy all distances and boundaries between genres. A multilingual opera built like a song cd, where blues and blue-grass wink at Cage and Feldman, Buddha Bar takes by hand Pierrot Lunaire, extemporary stories slides on jungle and death metal.

Short List Concours Phonurgia Nova 2013

Didier est parti violemment quand Katia était enceinte de 3 mois. Il a décidé d'arrêter de vivre, en lui laissant le choix de continuer leur route ou pas. Katia a pris sa grossesse comme un cadeau, ne voulant pas assumer un deuxième deuil. Comment fait-elle pour tenir le coup? Rayonner est sa façon de combattre le malheur. Le temps lui paraît distordu depuis la mort de Didier et cela fait 9 mois aujourd'hui. Demain nous irons au parc de Wolvendael où il s'est pendu.

« Un jour est venue l'idée de réunir les pièces sonores produites pendant nos ateliers d’Arles - non pas pour ériger des canons du genre, mais pour témoigner d'une démarche, d'un désir insistant : écrire avec le son. » Kaye Mortley 

Après l'avoir oubliée, je viens de redécouvrir "et où s'en va la nuit..", la production du stage de documentaire de juillet - que je trouve très belle. Si j'aime cette pièce courte (et je sais qu'il y en a qui ne l'aimeraient pas du tout) c'est que, partant du son du monde réel, elle ouvre sur un espace imaginaire dans lequel l'auditeur peut se glisser, circuler, rêver à loisir : les différentes textures sonores, les espaces acoustiques, les personnages - ombres, silhouettes, fantômes - surgissent, disparaissent et circulent selon une logique qui leur est propre, et qui est quelque part très juste par rapport au "sujet" (sujet= prétexte à faire, dans ce cas).

En réalité, c'est ce rapport juste qui compte dans la réussite d'une pièce, la justesse du traitement... mais comment la jauger ? Comment s'en approcher, se l'approprier (surtout à neuf participants) je ne saurais le dire... Si ce n'est qu'on la reconnaît comme une évidence quand on le rencontre. Dans ce cas précis, cela a certainement beaucoup à voir avec la façon dont les participants ont su travailler ensemble, collaborer, partager leurs savoirs - et cela même aux moments où régnait un manque de conviction certain par rapport à l'aboutissement heureux - l'aboutissement tout court - du projet.

Ceci dit, la pièce n'est que la photo de la fin d'un stage - de même que la destination n'est que la fin de la route, "laquelle ne vient ni ne mène nulle part..." (pour paraphraser Henry Bauchau).

J'espère que sur ce bout de route ils auront fait quelques rencontres heureuses qui vont étayer leurs désirs sonores.

Kaye Mortley.

Participants :

mixage = Mehdi Ahoudig

En 1816, après l'éruption d'un volcan indonésien, un brouillard épais a obscurci le ciel sur plusieurs parties de l'Europe, occultant la lumière du soleil. Cette atmosphère opaque eut aussi des conséquences littéraires et a inspiré Lord Byron à sa poésie célèbre 'l'Obscurité'. Aujourd'hui, l'expérience de cette 'année sans été' sert de modèle pour les chercheurs en géo-engineering, quand ils étudient la possibilité de refroidir de l'atmosphère à l'aide d'une éruption volcanique artificielle.

'La Brume Sèche ' (la deuxième Partie du triptyque "l'Anthroposcene") est la bande sonore de ce monde voilé.

"J’eus un rêve qui n’était pas tout-à-fait un rêve. L’astre brillant du jour était éteint ; les étoiles, désormais sans lumière, erraient à l’aventure dans les ténèbres de l’espace éternel ; et la terre refroidie roulait, obscure et noire, dans une atmosphère sans lune." (Lord Byron)

Le talkie-walkie est menacé d'extinction. Les téléphones portables et d'autres dispositifs sans fil ont pris sa place et menacent de l'enterrer à jamais. Cependant des qualités insoupçonnées reposent dans ces boîtes crépitantes : contrairement au téléphone, chaque émetteur-récepteur peut écouter n'importe quel  destinataire. Ceci permet la communication avec des étrangers. Nous entendons les histoires qui ont lieu dans notre voisinage immédiat, et qui pourtant semblent provenir d'un autre monde.

Dans le cadre du Festival CTM 2014, Lukatoyboy a développé une performance pour ' les Scouts du Son' et des postes de radio. Deutschlandradio Kultur l'a captée.