"2ème 49" est une composition associant des paroles et des mots dans laquelle Kazuya Ishigami aborde une expérience très personnelle : la mort de son père. 14 années se sont écoulées avant qu’il ne puisse écouter un enregistrement de la voix de son père  sans difficultés et avant qu’il ne puisse l’utiliser pour une composition. "Le Livre des morts tibétain" est un ouvrage bouddhiste dans lequel on apprend que la transition entre la mort et la renaissance prend 49 jours. Ishigami reconstruit ce cycle de sept fois sept jours en musique et sa composition est donc structurée par le chiffre 49.
49 morceaux de sons et de voix – des prières et des enregistrements sonores originaux – sont régulièrement divisés en périodes de 0,49 seconde, 4,9 secondes, 49 secondes et 49,49 minutes. Une immersion dans les pensées d’un homme pendant son voyage entre sa vie passée et sa nouvelle vie.

Götz Naleppa, fondateur et ancien directeur du créneau d'art sonore à Deutschlandradio Kultur, prit sa retraîte en 2008. Pour les adieux il reçeva des cadeaux sonores du monde entier.

Avec des contributions de Andreas Bick, Hervé Birolini, Colin Black, Alessandro Bosetti, Frieder Butzmann, Christian Calon, Rilo Chmielorz, Francis Dhomont, Thomas Doktor, Chantal Dumas, Stephan Froleyks, Stefano Giannotti, Heiner Grenzland, Hanna Hartman, Ricardo Haye, José Iges, Arsenije Jovanovic, Kaye Mortley, Georg Klein / Steffi Weißmann, Felix Kubin, Wolfgang Peter Menzel, Cathy Miliken, Kaye Mortley, Norbert Walter Peters, Proton Sonic Arts Group, Lucia Ronchetti / Thomas Seelig, Sabine Schäfer / Joachim Krebs, Mario Verandi.

African Feedback documente la rencontre entre l’artiste Alessandro Bosetti et les habitants de villages d’Afrique de l’Ouest. Après avoir fait écouter les musiques de différents compositeurs expérimentaux et avant-gardistes à des personnes rencontrées dans les villages, Bosetti enregistre leurs réactions, leur demande de parler de ce qu’ils ont entendu et aussi de ce qu’ils ont ressenti face à ces musiques et à ces sons. Composé de leurs réponses, et des field recordings réalisés tout au long de ses voyages, African Feedback est un portrait musical des transpositions culturelles, incompréhensions culturelles, différentes voix et discours. Comprenant un CD audio et la transcription des sessions d’écoute, ainsi qu’une introduction par l’artiste, African Feedback est une œuvre séduisante, qui se confronte de manière inventive à la question des différences culturelles.

Frieder Butzmann aime visiter le cimetière. Une fois sur place, il va se recueillir sur la tombe du Baron de la Motte-Fouqué, dont le roman "Die Wunderbaren Begebenheiten des Grafen Alethes von Lindenstein" abonde en esprits et en phénomènes étranges. Alethes a de nombreuses aventures et essaie de résoudre tous les mystères, mais ce faisant, il provoque de nouveaux dangers. Frieder Butzmann continue à faire apparaître des esprits, mais sous une forme acoustique. Le son était jadis considéré comme désincarné, et les premières transmissions sonores - qui utilisaient des ondes électromagnétiques – comme des matérialisations de l’invisible. Dans Alethes Soundbeams, ces techniques sont utilisées afin que d’autres entités désincarnées produisent des sons et s’expriment.

Des sabots en bois / des mécanismes d’horloges / des trains qui passent / la cloche du glacier / le crissement d’un scarabée / des avions de chasse / des bidons de lait / les pelles du jardin / la grand-mère qui nous appelle...
La liste des sons de notre enfance semble interminable. Le musicien et compositeur Stephan Froleyks cite des exemples puisés dans son archive personnelle de souvenirs sonores. L’histoire de la vie qu’il a composée est purement acoustique et constituée d’une multitude de sons spécifiques et de descriptions verbales de sons. Ces enregistrements audio sont certes subjectifs et se réfèrent principalement à leur auteur, mais toutes les personnes qui sont nées dans les années 1960 y reconnaîtront certaines choses : le cri aigu d’une poupée / la cloche de l’école / le générique d’une émission de radio / les cuillères dans les soucoupes / le concert de Keith Jarrett à Cologne / le reggae de Bob Marley...

Le Hardangervidda, dans le sud de la Norvège, est un plateau accidenté qui a été érodé par des glaciers. C’est un endroit où s’entraînaient les premiers explorateurs du pôle Nord avant de commencer leurs expéditions. C’est également un endroit où pour la première fois, la force de l’eau a rendu possible la production d’eau lourde, indispensable à la fabrication des bombes atomiques. Une centrale électrique construite par des chercheurs norvégiens à Rjukan a donné lieu à d’âpres combats pendant la Seconde Guerre mondiale et a été détruite.
Werner Cee utilise cette tension entre l’un des éléments fondamentaux de la nature et la brièveté des interventions humaines pour créer un projet de « land art ». Le percussionniste norvégien Terje Isungset place des sons artificiels dans le paysage, joue des matériels collectés sur place, et communique avec l’environnement sonore existant.

Dans la langue des Indiens hopi, « apónivi » signifie « vent qui souffle dans le canyon », vent qui traverse les grands espaces des réserves. Il transporte avec lui les esprits des forces invisibles de la vie, les « Kachinas », que l’on ne peut voir que lors des danses exhibant des masques sophistiqués. 
La pièce est une exploration acoustique des danses rituelles des Kachinas, dont l’importance symbolique est restituée dans les images musicales. Enchâssé dans le rythme, notamment du grand percussionniste Terry Bozzio, le livret est enrichi par les sons de la langue hopi, les associations, les significations et les mauvaises interprétations de cette culture.

"Commentaires architecturales" est la traduction du titre qu'a donné Marc Behrens à un travaille qui base sur du materiel de son qu'il a collectionné au bout de 15 ans. L'oeuvre reconstitue des espaces - dans ce cas les espaces de la radio londonien "resonance 104.4FM", des extérieures et intérieures avec leurs spécificités techniques comme des chauffage, des climatisations, des ordinateurs. Behrens développe le portrait acoustique d'un studio de son avec tout le materiel qui normalement ne rend son service qu'en silence.

"Architectural Commentaries 4 & 5" a aussi été publié comme disque chez Entr'acte (http://www.entracte.co.uk).

Joachim Krebs travaille sur la série PAYSAGES SONORES ARTIFICIELS depuis plus de cinq ans. Toutes les compositions de ce cycle représentent des paysages sonores artificiels qui se situent entre réalisme et abstraction. Leurs éléments sonores sont, sans exception, d’origine « naturelle », et l’aspect artificiel de la composition est créé grâce à l’édition numérique de tous les paramètres des sources de sons organiques utilisées. Des sons inaudibles deviennent audibles, la vie intérieure des particules de sons-bruits est mise à nu. 
Dans ces milieux intermédiaires entre l’organique et l’artificiel, l’accent est mis sur « l’élaboration de transitions », les sons des personnes, des animaux et de la nature en train de devenir des lignes pures, de la couleur pure, des sons clairs, des rythmes absolus. Nous recommandons l’utilisation d’un casque stéréophonique.

Il a 1 000 045 ans et pourtant, il renaît chaque jour : l’art s’est toujours nourri des tensions entre la tradition et la nouveauté. Robert Filliou, proche du mouvement Fluxus, le savait mieux que quiconque lorsqu’il déclara que le 17 janvier 1963 était le milionnième anniversaire de l’art. Depuis, le monde de l’art célèbre chaque année l’anniversaire de l’enfant le plus âgé de la planète.
En 2008, pour l’anniversaire de l’art, le groupe Ars Acustica, de l’Union Européenne de Radio-Télévision, choisit le slogan suivant : « Jeune pour toujours ». De nombreux diffuseurs européens dédient cette journée anniversaire aux interactions entre l’art sonore et la culture pop. Deutschlandradio Kultur confronte un vétéran de l’underground allemand avec des formations capitales de la scène électronique contemporaine : le percussionniste Endruh Unruh du groupe Einstürzende Neubauten, le groupe Rechenzentrum et le compositeur Frieder Butzmann explorent ensemble la culture pop, source éternelle de jeunesse pour l’art sonore.
Anniversaire de l’art 2008 : Forever young organisé par le département Art et art sonore de Deutschlandradio Kultur, Radialsystem et le Ultraschall-Festival 2008.

Le 17 janvier le groupe Ars Acoutcia de la European Broadcasting Union crée comme chaque année pour l'événement "Art's Birthday" un réseau d'art sonore europén. Deutschlandradio Kultur participe avec l'opéra de réseau SOBRALASOLAS! Le titre est emprunté du roman "Finnegans Wake" de James Joyce.
SOBRALASOLAS! n'a pas de dramaturgie fix, ne raconte pas une histoire et n'est pas une documentation. L'oeuvre est plutot un espace pour des glossolaliens et des écholaliens, des enregistrements spontané et des improvisations communes.
SOBRALASOLAS! combine des bruits collectionnés et improvisés pour créer un nouvel environnement d'écoute, qui est en meme temps fictionel et réel, temporel et régional.
Les artistes associés se trouvent à des endroits différents dans le monde entier. Ils improvisent en s'orientant à une trame de partiture qu'ils ont developpée en commun. Jérôme Joy fait le mix de l'événement sonore en direct au pfefferberg haus 13 à Berlin.

Le 17 janvier 2006, le groupe Ars Acustica de l’Union Européenne de Radio-Télévision, a célébré le 1 000 043ème anniversaire de l’art et, simultanément, le 90ème anniversaire du Dadaïsme. Un grand nombre d’artistes sonores et de stations de radio se sont connectés via un satellite afin de participer à cet anniversaire international, dont le slogan était TransDADA Express. Le service art sonore de Deutschlandradio Kultur a participé à la manifestation en diffusant un événement en direct à partir du studio TESLA à Berlin. Tetsuo Furudate et Georg Klein ont été chargés de témoigner à leur façon de l’héritage du Dadaïsme et cela a donné DADAyama.
Dans ce résumé, Marcus Gammel présente les temps forts du concert en direct du 17 janvier 2006.

« Je vais sortir la poubelle. » Un acte quotidien est observé, se perd dans la trame des choses, puis disparaît. Il est remplacé par une suite acoustique, artificielle, que l’on repasse sans cesse. La reconnaissance repose sur la spéculation. L’orientation est jetée par la fenêtre. Avec leurs microphones, Serge Baghdassarians et Boris Baltschun brisent en mille morceaux des espaces acoustiques bien connus. Des détails acoustiques définissant une séquence apparemment logique, sont extraits de leurs contextes, et commencent à devenir autonomes. La chronologie s’effondre dans des décors schizophones.
« Marcher, c’est manquer de lieu. » (Michel De Certeau)

« L’enfance envisagée comme un miroir obscur, dans lequel apparaissent des êtres chimériques, venus d’une vie cachée, des êtres visionnaires, appelés « mauvais enfants » parce qu’ils voient ce que personne d’autre ne peut voir. Ils transforment la vie en enfer parce qu’ils prévoient tout et n’oublient rien. La composition est structurée comme une suite. Dans chacun des mouvements, les voix des enfants racontent des histoires différentes dans une langue cryptique mais compréhensible. Un théâtre noir, dans lequel les décors vont et viennent et où les voix apparaissent comme des visions issues de l’obscurité. » (Sheila Concari).

Entrée du journal de bord à la date du 5 octobre 1991. Lieu : Au large sur la mer Adriatique à bord d’un bateau à voile. Heure : 7 h 30, en pleine guerre des Balkans. 
Un compositeur et un déserteur pilotent leur bateau sur une mer très calme lorsque, soudain, un petit oiseau semble tomber du ciel, s’installe à côté des marins et s’endort. Un moment magique. À présent, ils sont trois à bord et paraissent tous avoir le même objectif : échapper à la guerre, aux frontières, à la folie des hommes.
Le navigateur passionné et compositeur Arsenije Jovanovič a vécu lui-même un moment semblable et en a scellé le souvenir dans cette composition sonore.

Un « voyage sur papier » : la longue distance séparant l’Australie du Brésil, recouverte de lettres. Deux pays très éloignés l’un de l’autre, deux langues totalement étrangères, deviennent audibles, convergent et dansent ensemble.
 La fantaisie de « bateaux de papier » crée un lieu où les langues, les sons et les images interagissent, sans avoir à franchir les frontières culturelles ou politiques. Le résultat est une Terra Incognita dégagée de la logique des informations relatives au temps et à l’espace, où la poésie et les chansons deviennent les outils d’une communication sensuelle et musicale.

La composition est un voyage acoustique au cœur du Brésil. Elle comprend les sons caractéristiques de la ville de Rio de Janeiro ainsi que des voix humaines, des cris d’animaux et des musiques. Selon Hermeto Pascoal, comparée aux variations acoustiques qu’il a réussi à obtenir grâce à son matériel sonore, la signification des textes et des mots n’est que relative. Ses compositions se caractérisent par sa passion de l’expérimentation: par exemple, il associe les sons d’instruments conventionnels avec des bruits produits par des pots et des casseroles, des cris d’animaux et des voix humaines.

Cette pièce radiophonique est la troisième partie d’une trilogie que Stefano Giannotti a commencée en 1999. "Fine del messaggio" (fin du message, 1999) s’intéresse à la communication et "Battaglia navale" (bataille navale, 2000) aux thèmes du pouvoir et de la violence. La composition "Calendario" (calendrier) est consacrée au temps et aux souvenirs.
« Les protagonistes de Calendario pourraient bien être des survivants de la dernière Battaglia Navale qui auraient cherché refuge dans une montagne reculée et qui voudraient laisser derrière eux quelque chose pour les générations futures. » (S. Giannotti)
"Calendario" dresse musicalement la liste des événements qui ont façonné, choqué et réjoui l’humanité : l’anniversaire de Verdi, la bombe d’Hiroshima, le premier gâteau d’anniversaire, le premier pas sur la lune...

Un système stéréo est chargé dans un chariot bricolé. Des versets du Coran et de la musique Islamique s'échappent de ses haut-parleurs : ainsi le Carroussa circule dans les ruelles du Maroc. Cette forme de radio mobile a inspiré à l'artiste et  commissaire Younes Baba-Ali un projet original : en juin 2012, il a conduit son propre ' Carroussa Sonore ' à travers Rabat, diffusant de la musique expérimentale, des pièces radiophoniques, des soundscapes et des compositions textuelles. Le chariot étire un sillon sonore derrière lui, qui se perd bientôt dans les rues poussiéreuses. L'espace d'un instant, le 'Carroussa Sonore' modifie la cartographie de la ville. Tandis que Younes Baba-Ali et Anna Raimondo tracent leur route vers la radio.

Dans le cadre de la lutte contre le terrorisme, des programmes multilingues de reconnaissance de la parole sont utilisés dans le monde entier pour rechercher dans les conversations téléphoniques, tous les mots suspects, relevant du registre émotionnel.
Rupert Huber s’intéresse au phénomène de la « censure », dont la nature se transforme au fil de la pièce jusqu’à devenir une machine broyant tout sur son passage.
Ainsi, le catalogue des mots liés au stimulus, jadis retirés par crainte des éventuelles conséquences, est enrichi en permanence, du fait de l’utilisation des paraphrases et autres synonymes. Finalement, tout est interdit et le censeur lui-même devient suspect.

John Cage et son célèbre Roaratorio, sa composition sur Finnegans Wake de James Joyce, a inspiré à Ward Weis cette pièce radiophonique. Sa source littéraire est le texte inachevé du poète anglais Geoffrey Chaucer (1340-1400), Les Contes de Canterbury, qui font le récit en vers du pèlerinage vers le sanctuaire de Thomas.
Tom Hanna aborde le texte médiéval de Chaucer dans l’esprit du maître Cage, en recherchant des sons, des bruits, des images et des lieux dans les mots et en les transposant en musique.
Le titre, Chauncecleer, fait référence à un personnage des contes de Chaucer, Chauntecleer, un coq, qui repousse courageusement la mort imminente et l’envoie au loin pour le moment...

Les artistes sonores Bordoni et Dalo imaginent un espace acoustique qui se caractérise par un centre et leur environnement (personnel) – un cercle. 
Cet espace devient audible grâce à leur recherche de traces de sons et de voix, et ainsi ils continuent de s’éloigner eux-mêmes du centre pour se rapprocher de la périphérie. 
L’« état physique » de cette image sonore demeure circulaire, de même que la vague qui est emportée toujours plus loin de son origine et à la signification de laquelle on accède alternativement à partir de l’original et de l’écho, du présent et de la mémoire, du centre et de la circonférence.

Le 16 janvier 2009, l’artiste sonore Brandon LaBelle et le compositeur de musique électronique Benny Nilsen ont créé un ensemble radiophonique expérimental comprenant de la musique, des ondes électromagnétiques et des êtres humains : dans le night-club berlinois Maria am Ostbahnhof, ils ont créé une discothèque silencieuse où l’on ne pouvait entendre la musique qu’avec des casques sans fil. Auparavant, ils avaient placé des microphones sous la piste de danse du club de façon à pouvoir enregistrer les danseurs, à traiter les sons et à les renvoyer vers la discothèque. Avec le matériel de cette soirée, LaBelle et Nilsen ont écrit une « Lecture / performance » radiophonique sur les sons virtuels et le contrôle physique.

Volcans : une puissance contenue, en sommeil. Des années de silence, de torpeur muette. Et puis, soudain, l’énergie concentrée se déverse, un déluge de sons se fait entendre : en même temps que les explosions de feu, des sons menaçants émanent des tréfonds de la terre, se mêlent aux sons étouffés produits par d’énormes rochers, et laissent derrière eux les paysages désolés des cratères.
Pour sa composition sonore, Hanna Hartman a recueilli et traité des enregistrements d’éruptions de l’Etna et d’autres volcans, notamment en Italie et au Costa Rica, et les a réunis dans son œuvre.

Chine – il s’agit d’un coucher de soleil sur les rives d’un lac, d’un groupe de retraités pratiquant le Taï-Chi, du brossage rythmé du coton et, enfin, d’une musique hip-hop chinoise diffusée par un autoradio et d’annonces dans le métro de Pékin. Stephen Erickson s’est rendu en Chine et s’est retrouvé face à une société chinoise complexe et surpeuplée, au sein de laquelle sont réunis le passé, le présent et l’avenir, ainsi que la religion et l’idéologie.
Son paysage sonore "Fleuve dansant – Dragon criant" saisit des détails de la Chine contemporaine, et fait le récit des plus de 5 000 ans de l’histoire chinoise.

Le cœur n’est pas simplement un organe corporel humain : c’est aussi un lieu mythique. De nombreuses cultures lui attribuent une signification qui l’associe aux sentiments, aux croyances ou au surnaturel. Les guerriers aztèques ouvraient la poitrine de leurs prisonniers au sommet des pyramides et tendaient les cœurs sanguinolents vers le soleil. Un cœur pour les Dieux. Ce que les conquistadores considéraient comme le summum de la barbarie n’était rien de plus, pour les victimes, qu’un rite religieux. Ils mouraient gaiement et calmement : « C’est une mort merveilleuse, que prônaient nos ancêtres et dont ils rêvaient pour leurs descendants. » La cruauté des Européens était d’une autre nature. Wilhelm Hauff l’a enregistée, de façon symbolique, dans son conte de fées "Das steinerne Herz" (Le Cœur de pierre): « C’est un cœur qui ne ressent ni anxiété, ni terreur, ni compassion inutile, ni aucun autre chagrin. »
Iris Disse s’est embarquée pour un voyage dans le cœur des deux mondes. Avec l’ingénieur du son Peter Avar, elle a assisté à des fêtes rituelles au Mexique et les a mises en parallèle avec les conceptions du cœur propres aux Européens.

L’Arcane, l’un des cartes du jeu de Tarot, avait déjà inspiré une composition à José Mataloni ("Die Arcana", DLR Berlin, 2002). De nouveau, il a repris le motif des cartes tirées au hasard et lues musicalement, mais cette fois, il a remis en question la faculté de divination associée à l’Arcane. Neuf autres cartes sont tirées et leurs symboles acoustiques peuvent être librement interprétées par l’auditeur : le Diable, la Mort, la Roue de la fortune, la Tour, la Tempérance, la Justice, le Jugement, la Force et le Pendu. « Le donneur est imaginaire et sème donc les graines à l’attention subjective de l’auditeur et du compositeur. Un dialogue peut donc s’établir entre ces deux personnes. » (J. Mataloni)

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Le chercheur, naturaliste et explorateur Alexander von Humboldt est au centre de cette composition de Daniel Velasco. Il y a 200 ans, Humboldt s’est rendu à Cuba et une fois sur place, mettant à profit ses compétences transdisciplinaires, il a fait des recherches sur l’homme et la nature. Il a consigné par écrit un grand nombre de ses expériences et de ses pensées. Des images acoustiques de La Havane, de Trinidad et du parc national Alejandro de Humboldt illustrent la composition de Velasco. Les lieux que Humboldt a visités et où il a mené ses recherches au XIXe siècle sont devenus « audibles » grâce au compositeur.
 Les textes extraits du journal de Humboldt sont cités en quatre langues et constituent le contrepoint musical au paysage sonore cubain, d’une grande richesse et d’une incroyable diversité.

"Die große Stille" (Dans le grand silence) est un film sur la Grande Chartreuse, le principal monastère du légendaire ordre silencieux des moines cartusiens. 19 ans après la première rencontre de Philip Gröning et du prieur du monastère, il a réalisé le premier film autorisé sur la vie à l’intérieur des murs du monastère. Une méditation stricte et presque silencieuse sur la vie monastique sous sa forme la plus pure. Sans musique, sans interview, sans commentaire, sans matériel supplémentaire. Le passage du temps, le changement des saisons et l’élément récurrent tout au long de la journée : la prière. Dans ce silence où aucun mot n’est pronconcé, chaque bruit est signifiant. C’est la raison pour laquelle le réalisateur a fait une version radio, pour Deutschlandradio:Pour écouter le silence.

L’auteur a pris un train reliant Berlin à la Roumanie. Le voyage a duré une semaine. Pendant son trajet, elle a vu les gares de Prague et de Budapest ; Bucarest était le terminus. Hanna Hartman a tendu son micro dans chacune de ces gares. Bien qu’il y ait des similitudes, chaque gare a ses propres sons. Au terme du processus, les trois gares se rencontrent acoustiquement, par-delà les frontières et les distances, dans l’œuvre que le compositeur leur a consacrée. La pièce est une espèce de collage sonore réunissant les voyageurs et les gens qui les attendent.

Bernhard et Ferdinand, deux spécialistes des chiens, ont déterminé qu’en Chine, un chien ne fait pas « ouah ouah », mais « wang wang ». Bernhard et Ferdinand écoutent passionnément les bâtards, de même que Joe, un facteur, qui compense l’incroyable monotonie de sa vie en l’agrémentant de 15 types d’aboiements différents.
Dans leur quête d’une clarification rigoureuse du problème, les spécialistes des chiens démontrent une réelle aptitude à l’investigation. Ils déboulent dans des institutions scientifiques et exigent des informations exactes. Tous les moyens sont bons pour décrypter toute la gamme des aboiements. Les dialogues sont entrecoupés de signes et de sons spécifiques au langage canin. Un certain nombre de structures musicales hilarantes, à base d’onomatopées animales, sont ainsi créées.

Drehungen und Windungen (CD1, Track 1) – 00:06:44
Segeln mit Schubert (CD1, Track 2) – 00:04:21
Die Kammer des Kranken (CD1, Track 3) –  00:08:52
Corpo libero (CD2, Track 2) – 00:09:41
Body in Music (CD2, Track 3) – 00:11:04
Le bonheur / Glück – 00:07:44

La compositrice suisse Bernadette Johnson est passée maître dans l’art des petites pièces, qu’elle appelle « poésies acoustiques », et qui associent des structures sonores, des instruments et des éléments linguistiques. L’objectif est de créer des ambiances légères avec un minimum de ressources. Voici comment elle en parle : « Dans mes œuvres acoustiques, ce qui m’intéresse, c’est d’accéder à d’autres niveaux de réalité, à l’imaginaire, à l’ambivalence des atmosphères. Lorsque les choses du quotidien sont étonnamment liées les unes aux autres, quelque chose de mystérieux est discernable pendant quelques instants. »

Sonic Arts Lounge revisited 1
(la musique du jungle avec percussion et chant)
de Sven Åke Johansson et Rüdiger Carl

En 1913, Luigi Russolo publiait le manifeste futuriste "L'arte dei rumori» («L'art des bruits»). Il y proclame l'avènement de l'âge des sons : La machine a créé "une telle variété et une telle libération de bruits que le son musical dans sa légèreté et sa monotonie ne provoque plus d'émotion". Un siècle plus tard, le compositeur lituanien Arturas Bumsteinas se met en quête de signes précurseurs du futurisme. Il en décèle à l'époque Baroque, une période où les machines sonores arrivent dans les théâtres, où René Descartes décrit le corps humain comme une machine, et où le tempérament égal n'était pas encore de règle dans le système tonal. Bumsteinas combine les enregistrements de vieilles machines de théâtre avec des sons de clavecin et de clavecin préparé.

La musique baroque émotive rencontre les éclats futuristes.

August Walla vit dans la "Haus der Künstler" (Maison des artistes) qui appartient à la clinique psychiatrique de Gugging, près de Vienne. Il est un représentant mondialement connu de l’« art brut », l’art des soi-disant « fous ». Mais pour lui et pour ses admirateurs, son esprit s’étend bien au-delà du cosmos que nous connaissons : ici, il peint et décrit le "Ewigkeitsendeland" (le pays qui commence à la fin de l’éternité), mais qui est déjà connecté à notre univers par les « trous de ver » (comme les appelle les théoriciens de la physique moderne)...

Suite à des événements émouvants et choquants, Faust est néanmoins accepté au Paradis, tente désespérément de justifier son mode de vie sur terre et n’est même plus en mesure de comprendre ce qu’il dit lui-même. Cette situation n’est pas due au fait que les anges chantent trop fort, mais à la nature fondamentalement différente de la langue employée au Paradis. Néanmoins, il ne refrène en rien ni sa volubilité, ni sa « vitalité faustienne » et s’oublie dans les profondeurs du moment, attitude qui correspond exactement à celle qu’il appelait de ses vœux dans les deux premières parties de la tragédie de J.W. von Goethe.
Cette composition pour voix et gongs a vu le jour pendant que Vetter travaillait sur "Die Gesetzestafeln" (Les Tablettes de la loi), une pièce créée en 1999 dans l’« Academia Capraia » de Michael Vetter.

Matilde, le bébé, passe une nuit agitée. Avant d’ouvir les yeux, elle est transportée en rêve dans trois univers fantastiques. Dans le premier, les seuls habitants de la Terre sont un homme et une femme. Comme ils ne parlent aucune langue, ils doivent imiter le chant des oiseaux. C’est un monde sans mots.
Dans sa seconde vision, elle écoute le monde depuis la lune : elle entend des voix, des cloches, des cris et des machines de guerre ; des instruments électroniques semblent s’exprimer en Morse.
De nouveau, dans sa troisième vision, c’est l’absence de paroles qui domine. Seules les voix isolées d’ordinateurs brisent le silence pour annoncer : « Fine del messaggio » (fin du message).

  « Les deux compositions sonores, Fire pattern et Frost pattern, sont liées et s’intéressent aux sons du feu et de la glace. Grâce à la similitude de leurs structures, elles soulignent les liens acoustiques entre les deux températures extrêmes. Fire pattern est centrée sur les phénomènes sonores qui se produisent pendant les processus de combustion et à hautes températures. Une attention particulière est accordée aux enregistrements sonores des volcans et geysers du Vanuatu, du Costa Rica, d’Islande et de Sicile. Par ailleurs, les sons prolongés entonnés par les flammes et le spectre des bruits plus calmes de la chaleur et du feu rappellent qu’au fil des civilisations, le feu a toujours été le fidèle compagnon de l’homme. » (Bick)

Pendant de nombreuses années, Jovanovič a enregistré différentes ambiances et atmosphères à proximité d’un mur qui protège sa propriété contre les assauts de la mer Adriatique, près de la ville croate de Rovinj.
L’examen du matériel sonore l’a chaque jour davantage confronté à sa propre histoire. Parallèlement, le vent et la diversité de ses apparitions, est passé au centre de son attention. En tant que navigateur, il a traversé de nombreuses mers et le vent a toujours rythmé sa vie en exil, au large de la côte Adriatique. 
La composition en quatre parties est une approche en quatre temps qui pénètre de plus en plus dans l’élément du vent et sa perception subjective. Il s’agit d’une confrontation avec une force de la nature, avec les humeurs, mais aussi avec la signification du vent.

L’aridité et la beauté austères des déserts arctiques sont le point de départ de la composition sonore intitulée "Frost Pattern".
Au cœur du voyage acoustique, se situent les sons uniquement produits par la glace. Nous passons des énormes glaciers du Groenland au tintement à peine audible des arbres couverts de glace sous les climats locaux. Nous découvrons acoustiquement un univers gelé en permanence et sous la surface duquel s’exercent d’énormes forces de traction. Grâce à de fascinants enregistrements originaux, nous pouvons imaginer l’action de ces forces : les glaciers se fragmentent, les icebergs se renversent et éclatent, et des fissures se forment à la surface des lacs gelés. Ces sons explosifs extrêmement puissants contrastent avec les sons microscopiques émis pendant la formation des structures gelées.

« Paris, 50 125 avant Jésus-Christ. Dans un café, un couple de néandertaliens discutent avec des représentants de l’espèce Homo sapiens. Soudain, le serveur révèle qu’il est un australopithèque – un genre qui n’a pas totalement disparu – et explose. L’incroyable explosion ouvre la porte sur un paysage imaginaire composé d’atomes et de particules élémentaires. L’horloge fait un saut en arrière de 14 milliards d’années et remonte jusqu’au Big Bang. »
Geologica transpose les différentes périodes de l’histoire de la Terre dans une composition sonore ironique et ludique. Incidemment, la pièce fait allusion à la petitesse de l’être humain par rapport à la gigantesque expansion de l’univers.

Il suffit de se rendre une fois dans le stade olympique de Berlin à l’occasion d’un match de football de la Bundesliga pour prendre la mesure impressionnante des univers du son. Des dizaines de milliers de personnes crient, fulminent, applaudissent, sifflent ou chantent en chœur. Ces concerts extatiques ont lieu chaque semaine. 
Ces masses de voix – dans toute leur diversité – sont à la base, sont l’orchestre de cette composition. Le contrepoint musical est créé par deux voix qui chantent. Elles font face à la foule et chantent des textes de Walt Whitman invoquant le caractère irremplaçable de l’individu.

Les enregistrements réalisés par les deux compositeurs lors de leurs deux voyages en Inde constituent le matériel sonore de cette composition. Sans porter le moindre jugement, ils examinent les différentes qualités de l’énergie acoustique et de la large gamme dynamique des grandes villes, dans les bazars ou les marchés aux bestiaux : C’est un bruit exubérant qui fait sombrer les rues des vieux quartiers de Delhi dans un concert gigantesque, le soir peu avant le coucher du soleil. La nuit, une immobilité fantomatique s’empare de ce même endroit. L’œuvre n’est pas une restitution réaliste des différents lieux, mais plutôt de leur dynamisme et de leur richesse tonale : un mélange d’épices sophistiqué – « épicé » !

Pour ce projet, le terme Hausmusik (musique de la maison) a été interprété au sens propre : le compositeur Thomas Gerwin et l’ingénieur du son Lutz Pahl se sont promenés dans le studio de radiodiffusion de la DeutschlandRadio Berlin pour y capter des sons à la fois typiques et inhabituels dans cet endroit : des fragments d’enregistrements musicaux, des mots prononcés, des atmosphères de studio, ou même le silence d’une pièce vide.
S’inspirant de la « Musique Concrète », Thomas Gerwin isole des bruits enregistrés dans la réalité, les déploie tonalement et parvient ainsi à les libérer de leur signification originale.
Cette composition est un portrait musical idosyncratique, subjectif et très personnel du studio de radiodiffusion à Berlin-Schöneberg.

« Hudson Street a vu le jour en 2005-2006 entre New York et Nancy. Au départ, je n’avais d’autre objectif que d’enregistrer les sons de New York en arpentant systématiquement toutes les rues de la ville. Puis, naïvement, j’ai recherché la musique dans les sons et j’ai composé une fiction musicale qui se situe quelque part entre le folk, le rock et la musique des bruits. Hudson Street est le point de départ d’une œuvre plus longue, mais qui n’est pas encore achevée, sur la mémoire des sons. » (Hervé Birolini)

Cette seconde partie de Paysages sonores hongrois, présente les compositeurs Gyula Bánkövi et Janos Decsényi à travers leurs compositions sonores. Le poème tonal de Gyula Bánkövi "Die Stimme der Seele" (La Voix de l’âme) s’inspire d’une « oraison funèbre » et de la traduction de la Bible de Gaspar Károli, qui fut le premier à permettre aux Hongrois d’accéder aux Saintes Écritures dans leur langue maternelle. 
« Ne ferais-je pas mieux de partir avec les grues ? », la symphonie de Janós Decsényi, associe des enregistrements originaux réalisés dans la puszta de l’Hortobágy à des chansons folkloriques hongroises, à des mélodies au violon et à une chronique en vers du XVIe siècle.
Ces deux compositions ont été produites par la radio hongroise HEAR study.

« Cette œuvre est un portrait musical de Rome à travers les sons de ses anciennes portes. Ces sons donnent une vague idée des existences qui ont été menées derrière elles. J’ai essayé d’écouter chaque porte afin de décrire la complexité de cette ville bruyante, où des siècles de sons se sont succédé. L’ouverture de chaque porte implique de la musique, des cris ou des dialogues. À l’instar de l’Arioste attirant tous ceux qui recherchent l’amour dans le palais d’Atlante, j’ai tenté de saisir les vies écoulées de l’autre côté de ces portes en mixant le spectacle sonore des souvenirs personnels à des projections réalistes. » (Lucia Ronchetti)

La composition "Im klangrand" (Au bord du son) examine les différents aspects des événements acoustiques du point de vue de la perception : les seuils auditifs, les transitions et les passages, l’utilisation des sons du premier plan et de l’arrière-plan ainsi que des sources sonores éloignées qui parviennent jusqu’au bord de l’univers. 
Johannes S. Sistermanns a trouvé le matériel de cette œuvre dans le désert australien, la vallée du Rhin, l’Océan atlantique en France et dans le mouvement des tiges dans un champ de blé. Il a écouté le pont Deutzer qui enjambe le Rhin à Cologne, Times Square à New York, un tunnel pédestre chinois ménagé entre des rues très passagères et le vaste quartier situé autour du Temple du paradis à Pékin. Sistermanns compose avec les éléments et actions du quotidien, les marges des textes, les limites des voix, avec les vastes espaces intérieurs et, surtout, avec les sons des pulsars. Ces étoiles très éloignées émettent des ondes radio qui peuvent être converties en signaux sonores audibles. Sistermanns n’utilise pas d’effets artificiels (réverbération, écho) lors du traitement de ses enregistrements. Une partie de sa composition est créée directement, lors du processus d’enregistrement, par le lien spatial entre le microphone et la source des sons. Dans le studio, Sistermanns permet à ces sons de devenir poreux et effilochés, de s’interrompre et de se mélanger avec les nouveaux mixages. De cette façon, il crée un univers se jouant de l’identité, de l’affirmation de soi, et fait constamment émerger de nouveaux passages sonores.

"Jacob Räume Zen" (Jacob Espaces Zen) associe des textes et des images visionnaires de Jacob Boehme (1575-1624) avec l’expérience et les affirmations du bouddhisme zen. Johannes S. Sistermanns utilise la proximité spirituelle de ces univers géographiquement distants pour mettre les différents espaces sonores en contact les uns avec les autres. Les textes de Boehme son transférés de sa ville natale, Görlitz, vers des lieux du quotidien et des monastères japonais. Les mots des moines zen voyagent acoustiquement du Japon jusqu’aux espaces de vie de Jacob Boehme. Pendant la pièce, les sons s’entremêlent peu à peu les uns avec les autres. Ils créent une atmosphère de reconnaissance non conceptuelle, dans laquelle les expériences de Boehme sont silencieusement absorbées.

« Peuple de tradition guerrière de la planète Qo’noS, dans la série télévisée Star Trek, les Klingons sont belliqueux et têtus. Cependant, les Klingons aiment aussi la musique et la poésie. Pour eux, le plus grand poète était le terrien Shakespeare, qu’ils considèrent comme l’un des leurs.
L’opéra klingon, juHrop (prononcé tschuch-rop, mot qui signifie « mal du pays » en allemand), laisse libre cours aux timbales et trompettes d’un orchestre héroïque et monumental, complété par des chants grégoriens de synthèse et des effets électroniques en haute fidélité et en basse fidélité. Les paroles sont en klingon et en chinois. » (Frieder Butzmann)

Le pasteur sorabe Jan Kilian (1811-1884) fit un rêve : afin de préserver son luthéranisme traditionnel face aux pressions des autorités prussiennes, il décida de rechercher son salut en terre étrangère. Son premier projet d’émigration consista à se tourner vers un continent dont il ne pouvait avoir qu’une très vague idée : l’Australie.
Le compositeur australien Colin Black s’est rendu dans la région natale de Jan Kilian, la Haute-Lusace. Sur place, il a fait des enregistrements dans les églises qu’avait fréquentées Kilian, a interviewé des Sorabes qui vivent aujourd’hui dans la région, et a fait des recherches dans des documents historiques. À partir de ce matériel, il a reconstruit un fantasme acoustique de sa propre région natale : l’Australie est ainsi un paysage sonore à plusieurs facettes, reflets de l’imagination et de la réalité. Jan Kilian n’a jamais mis les pieds sur le sol australien. Il a émigré au Texas en 1854 avec 550 autres luthériens sorabes.

Dans le carrousel artistique des années 1980, les performances singulières de Martin Kippenberger étaient considérées comme le haut du panier de ce type de spectacle. La nuit était son royaume et il était intarissable sur son parcours d’imprésario, de danseur et d’homme de spectacle. Face à l’écran, il y avait du silence et de la solitude. "Aufstehn / Stuhl kaputt machen / you / yellow / you" (Martin Kippenberger).
La pièce radiophonique associe des textes, des poèmes, de la musique et des enregistrements originaux de Kippenberger avec des musiques d’Augst, de Carl et de Johansson.

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"La Parata est une composition psycho-acoustique réalisée à partir de mots et de phrases prononcés par des hommes politiques européens du XXe siècle. Les discours sont réassemblés selon des aspects tonals et rythmiques, sous forme d’une marche, dégagés de leur signification originale, et finissent par se transformer en une danse macabre." L'oeuvre a été nominée au Prix Phonurgia Nova.

Le compositeur Luc Ferrari voyage avec un magnétophone. Il a rapporté des sons et des atmosphères originaux de pratiquement toutes ses destinations et les a assemblés sous forme de compositions, pour plusieurs pièces radiophoniques.
Pour sa nouvelle pièce, "Les Anecdotiques", il a utilisé des enregistrements réalisés au Japon, en Espagne, en France, au Mexique, en Californie et à Berlin.
Luc Ferrari a choisi l’expression « musique anecdotique », dans les années 1960, pour décrire ses « photographies acoustiques », des paysages sonores et instantanés de voyages relevant de l’art minimal.
Les Anecdotiques met un terme à un cycle qui a débuté par les œuvres de jeunesse de Ferrari et s’achève avec des pièces plus abouties.

« De petits sons discrets. Des chants qui sont trop subtils pour attirer l’attention. Des sons à la limite de l’audible. Des bruits auxquels nous ne prêtons plus attention, parce qu’ils nous entourent continuellement. Tel est le matériel sonore de "Les petits riens." »  
Dans cette œuvre, la compositrice franco-canadienne Chantal Dumas guide l’auditeur à travers une suite d’espaces acoutiques, dans un cabinet de curiosités où les objets sonores sont précisément sélectionnés. Elle remet en question nos habitudes d’écoute et chamboule complètement les structures sonores conventionnelles.
« Avec "Les petits riens", je voudrais mettre en lumière un rythme poétique de la vie quotidienne qui nous a échappé jusqu’à présent. » (Chantal Dumas)

« Les Aborigènes pensent qu’une terre qui n’est pas chantée est une terre morte, et que lorsque les chansons sombrent dans l’oubli, c’est également la terre qui meurt. »

"Songlines" (Le Chant des pistes), le bestseller de Bruce Chatwin, a rendu célèbre la culture musicale des Aborigènes. L’artiste sonore canadien Robin Minard approche à son tour, avec son microphone, ce lien unique entre musique, paysage et vie quotidienne. Des enregistrements sur le terrain, des interviews, des chansons, des archives et des éléments historiques sont assemblés dans ce récit composé d’une multitude de strates. La composition radio de Minard utilise les ressources modernes du traitement du son pour chanter l’interpénétration de la culture et de la nature.

"Sonic X-radiation" est la façon dont Thomas Köner fait référence aux instruments avec lesquels il illumine sans relâche les coquilles de pierre qui recouvrent les villes modernes. Depuis janvier 2008, il compose chaque mois pour Deutschlandradio Kultur une « lettre sonore » différente à partir d’une grande métropole. Ces miniatures de cinq minutes peuvent être régulièrement écoutées, sous forme de « Sons du mois », dans les pièces radiophoniques et autres émissions radiodiffusées.
  Contrairement à de simples « paysages urbains », les compositions de Köner vont bien au-delà de la surface de la vie quotidienne, tonale et sociale. Ils proposent des archétypes sonores, qui sont localisés ou anonymes, à la fois primitifs et complètement modernes. Dans Lithosphères, l’artiste multimédia associe de temps à autre le mouvement horizontal, d’une ville à l’autre, à une dérive verticale, issue des sédiments sonores de la vie urbaine.

La salle de séjour est un espace spécial. Il n’existe aucun autre endroit où le privé et l’intime s’entrecroisent aussi fortement avec le public et l’universel. C’est une bonne nouvelle : de la musique de chambre à la réception de la radio, les salles de séjour reflètent en permanence les tensions qui existent entre les mondes intérieur et extérieur.
Pour cette composition "Living Room Music", Alvin Curran invite un certain nombre d’amis musiciens et artistes à jouer dans son salle de séjour romain. Construit sur les ruines de la Domus aurea de Néron, et donnant sur le Colisée, rempli d’instruments de musique, de partitions, de livres et d’objets du monde entier, cet endroit devient un espace où résonnent les réunions, les conversations et les improvisations musicales.
Curran a transformé ce matériel en une composition de chambre destinée à la radio. « Je veux que le son de ma salle de séjour soit la somme de tous les sons que l’on pourra entendre dans cette pièce. »  (Curran)

 « Une forêt balinaise au crépuscule : des milliers de criquets stridulent en rythme et créent une harmonie magique… Un village à l’est du Sénégal à l’aube : des chuchotements de femmes, des bruits d’objets tombant dans l’eau, un enfant qui crie, de temps à autre le son d’un pilon pilant le millet… Santiago de Cuba à minuit : des dizaines de milliers de supporters célèbrent dans la rue la victoire de l’équipe de baseball locale sur celle de La Havane… Ces sons, je les ai enregistrés aux quatre coins de la planète. Ma composition pour un ensemble de musiciens sélectionnés nous emmène en voyage, donne à entendre les distances et les convergences, retrouve les secrets acoustiques d’expériences sonores du passé. » (Wolfgang Hamm)

"La Mer de glace", le célèbre tableau de Caspar David Friedrich, a été à l’origine de ce projet. La peinture a été qualifiée à de multiples reprises de représentation de l’espoir déçu. Pour le compositeur Werner Cee, un symbolisme similaire hante une ruine industrielle, à Bitterfeld. Il s’agit d’un réservoir d’eau qui n’a jamais été utilisé, notamment lors de la terrible inondation de l’été 2002. Werner Cee a confronté les musiciens au tableau de Friedrich dans le « réservoir sonore » et a laissé l’œuvre émerger des processus d’improvisation. L’élément sonore unificateur est la e-Ch'in, sa cithare chinoise électronique. Ses longues réverbérations conduisent à la paralysie et à la « décélération », à l’instar des glaces flottantes décrites dans le tableau de Caspar David Friedrich.

Lors d’un long voyage, Eva Pöpplein et Janko Hanushevsky ont suivi le cours inférieur du Mékong à travers le Laos, le Cambodge et le Vietnam, jusqu’au delta où le fleuve se déverse au sud de la mer de Chine. Le duo Merzouga ponctue les paysages acoustiques de cet énorme univers aquatique avec les sons d’une basse électrique ayant subi un traitement électronique.
« On peut entendre rouler les cailloux dans le cours du fleuve, le paisible halètement d’un bateau à moteur et les cris occasionnels de quelques oiseaux aquatiques. Puis, l’écoulement change de couleur, le faible cliquètement des cailloux s’accélère et le bruit du moteur diesel, irréel, se transforme soudain en une espèce de bourdonnement. »

Dans la seconde partie des « Mémoires d’un siècle », des centaines d’enregistrements sonores originaux numérisés et réalisés entre 1900 et aujourd’hui ont été « détruits ». Cependant, chacune de ces décompositions conduit à un nouveau matériel sonore qui, à sa façon, ne raconte plus l’Histoire, mais des histoires.
La mémoire du matériel original est préservée.

Le compositeur Thomas Gerwin construit un paysage sonore virtuel.
« Je peuple ce paysage d’êtres acoustiques grands et petits, qui apparaissent individuellemennt, par paires ou en masse. Ces êtres vivent dans ce paysage sonore, ils y sont nés, y ont grandi et évolué, et certains y ont même trouvé la mort pendant la pièce. » (T. Gerwin)
Le compositeur construit son monde sonore virtuel dans l’ordinateur, chapitre après chapitre. Les êtres sont créés puis transformés ; néanmoins, plus le processus progresse, plus les créatures sonores deviennent indépendantes. Petit à petit, elles décident d’elles-mêmes de leurs propres métamorphoses…
Pendant cette pièce, le compositeur vous permet de « regarder par-dessus son épaule ». Les auditeurs l’accompagnent dans ses délibérations sur la construction du labyrinthe sonore, jusqu’au montage final dans le studio d’enregistrement.

L’activité consciente des êtres humains est l’une des découvertes du XXe siècle. Dans la sphère littéraire, ce phénomène est qualifié de « monologue intérieur ». La composition « Paysage de l’esprit » est une représentation acoustique qui s’inspire du continuum sonore multidimensionnel se produisant dans nos têtes. Les stimulations extérieures, telles que les bruits, les bribes de conversations, les bruits et les sons étouffés qui pénètrent constamment dans notre inconscient et qui se mélangent à nos sentiments et à nos souvenirs. Ce chaos en perpétuelle évolution est ce qui constitue la conscience avant que le « moi » sensible ne soit en mesure d’organiser les impressions sensorielles et les sentiments et d’y mettre de l’ordre. « Paysage de l’esprit » est une expédition dans la « Babylone se trouvant à l’intérieur de nos crânes. »

Molly Bloom, la protagoniste du dernier épisode d’Ulysse, de James Joyce, passe en revue tous les fils de l’histoire dans son soliloque puis finit par les rattacher les uns aux autres. Divisé en huit séquences sans ponctuation, le texte provoque une espèce d’hypnose, de perte de sens, occasionnées par le chevauchement et la collision des idées. Pourtant, cette perte de sens peut créer un espace de liberté qui stimule l’imagination. La désarticulation n’est plus un obstacle, mais plutôt une porte s’ouvrant sur une perception amplifiée. Les deux compositeurs ont recherché tous les mots qui font penser à des tons et à des sons dans le texte anglais original de Joyce, ainsi que dans les traductions allemandes et françaises. Une odyssée se déploie à travers le texte de Joyce, à travers l’océan de pensées proférées par cette femme.

« Comme un peintre créant une surface, je dois travailler par étapes. L’application d’une seule couche de peinture déboucherait sur un simple revêtement, sans âme. En revanche, si je construis la couleur à partir de différentes zones se chevauchant de façon aléatoire, et de sorte que le fond soit toujours perceptible et représenté, alors, je peux créer une couleur complexe, qui chatoie et oscille au cœur d’elle-même. » (W. Cee)
Dans "Monochrome", le compositeur Werner Cee utilise son expérience de la peinture. Le centre de la composition ne s’articule pas autour de sa structure temporelle, mais plutôt autour de la stratification de la surface du bruit. Les sons se chevauchent sans se couvrir les uns et les autres. Ils forment une trame de sons chatoyants et éblouissants qui se déplacent à l’intérieur d’eux-mêmes.

Pour sa composition, Tetsuo Furudate a utilisé une histoire du théâtre nô datant du XIIIe siècle : lors d’un pèlerinage à Kyoto, capitale impériale du Japon, un jeune moine rencontre l’esprit d’une femme, sur un monticule funéraire, qui avait été condamnée à périr en enfer parce qu’elle était responsable de la mort de deux amants. Utilisant pour la première fois un motif de sa propre culture, l’artiste sonore Furudate a trouvé intéressant le caractère implacable de la condamnation de cette femme par Dieu ainsi que le contraste très marqué entre la première scène, idyllique, et la plongée en enfer. Par ailleurs, la possibilité offerte par le théâtre nô de gommer les frontières entre la vie et la mort, je et toi, le passé et l’avenir l’a également fasciné.

Lors de son voyage au Vietnam, Marcus Mohr a recueilli le matériel original de cette pièce sonore, "Muoi (dix)", qui repose sur le concept des cinq éléments : métal, terre, bois, eau, feu. Marcus Mohr associe chacun de ses enregistrements à l’un des cinq éléments et les traite de la même façon qu’un DJ mixe ses disques : à partir des sons d’un élément, il crée un morceau puis l’associe aux morceaux des autres éléments. Petit à petit, d’autres éléments sont ajoutés, d’abord de façon synchrone, puis décalés et en alternance. Dix combinaisons différentes sont créées sur le même principe, chacun des éléments étant mixé avec l’un des quatre autres. 
"Muoi (dix)" parle d’équilibre et des interactions entre les cinq éléments.

Le monde au-dessus de la terre s’offre à nous à travers nos yeux et celui qui est sous terre par l’intermédiaire de nos oreilles. À l’intérieur d’une caverne, des gouttes d’eau se fraient un chemin à travers le silence et nous emmènent de plus en plus loin dans les profondeurs... Dans le cycle de poèmes intitulés "Nachtkarst", Károly Koller entreprend une « plongée lyrique dans les profondeurs », rend visibles les fragments d’une expédition : l’ascension jusqu’à l’entrée de la caverne, la descente dans les profondeurs où les fissures et autres anfractuosités ponctuent l’itinéraire. 
Le silence, le froid, la nuit et le temps sont les thèmes récurrents de la pièce radiophonique. Le labyrinthe souterrain devient audible parmi la multitude de sons et de mots, et l’expédition se transforme en une exploration menée au plus profond des hommes.

La compositrice Cathy Milliken a recueilli ses informations sonores avec un microphone : chantiers de construction, répétitions, promenades, musiques et enregistrements de la nature. Dans "New Looks", elle organise une rencontre entre ces sons et des musiques au piano + des voix. Les sonnets de Shakespeare évoquent l’intemporalité et la fuite du temps. Parallèlement, ils organisent et structurent le matériel acoustique selon les intonations et les syllabes.
« Le traitement et la mise en relation de ces impressions et éléments acoustiques font penser à ces photographies qui permettent à une réalité très personnelle d’être perçue grâce à différents effets : fondu enchaîné, inversion, agrandissement, répétition, solarisation et instantané. » (C. Milliken)

Avec la composition sonore "Niemandsbucht" (La baie de personne), le compositeur Thomas Köner suit les traces d’un héros. Keuschnig, le protagoniste de "Mon année dans la baie de personne", le roman de Peter Handke (1994), fait le récit d’une année passée dans une banlieue parisienne. Thomas Köner a passé plus d’une année à visiter les endroits dont Handke a précisément décrit l’acoustique, et a recherché les sons susceptibles de reproduire acoustiquement « la baie de personne ». À travers la composition musicale issue des enregistrements réalisés dans des lieux précis, un espace sonore a été créé, il fait le récit de nombreux endroits et de la « baie de personne » commune à chacun d’entre nous.

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« Okyo » est le nom des textes de prière que les moines zen d’Extrême-Orient récitent sous forme de chant parlé. Ils sont interprétés sur un ton permettant de comprendre qu’ils sont tous au-delà de l’émotion. Ici l’Okyo est principalement considéré comme une expérience phonétique, comme un événement sonore qui place la signification des textes au second plan. 
« Pendant des années, mes méditations Okyo ont ressemblé à des processus d’improvisation répétitifs, centrés sur la vie intérieure des sons. Pendant des heures, en chantant, chaque jour, j’observais le son, la façon dont il semblait sortir de lui-même. » (M. Vetter)
La musique zen traditionnelle est le point de départ de cette pièce dans laquelle Michael Vetter et Natasha Nikeprelevic réinterprètent les Okyos tout en y ajoutant des instruments. Ils démontrent notamment leur incroyable capacité à produire des harmonies.

"Hors de portée" est un travail audio basé sur des ultrasons et echolocations utilisés par les chauves-souris, les dauphins et d'autres créatures qui opèrent au-delà de la gamme d'audition de l'homme - observant avec le son, ou peut-être 'entendant' les objets.

Le son est invisible. Les ultrasons sont inaudibles. Bien sûr, beaucoup d'espèces ont une gamme d'audition plus grande que nous et aussi plus spécifique et spécialisé avec les combinaisons complexes des différents sens… Des créatures tant terrestres qu'aquatiques perçoivent les fréquences très élevées du son. Certaines espèces d'insectes, d'oiseaux, de poisson et des mammifères peuvent émettre et entendre des ultrasons, qui sont utilisés pour des communications, la chasse et l'orientation. Ces créatures opèrent à un niveau différent de perception, dans une gamme inaudible pour nous située au-dessus 20kHz... Beaucoup d'animaux utilisent aussi les propriétés acoustiques de l'espace; une chauve-souris, par exemple, peut utiliser l'écho d'une tour pour amplifier ses appels en direction de ses camarades ; les poissons-crapauds utilisent des cavernes pour amplifier leurs appels et protéger leur habitat. Les baleines utilisent les propriétés acoustiques différentes aux profondeurs différentes de l'océan, à des niveaux de pression différents pour envoyer leurs appels longue distance. On a découvert que les mites ont un comportement réflexe utilisant leurs ailes pour tomber quand elles entendent les appels d'echolocation d'une chauve-souris… Que nous trouvions ceci stupéfiant, nous apprend-il quelque chose sur nous-mêmes ? La matière sonore de la pièce est basée sur des ultrasons, des enregistrements au-dessous de l'eau et aussi des sons d'echolocation transposés dans la gamme audible. Les enregistrements ont été faits en divers endroits à Central Park et sur l'Est-River à New York, aux USA, dans une forêt à l'extérieur de Kaliningrad en Russie, à Regents'Park à Londres, en des emplacements divers en Norvège, au Danemark et en Suède. 

Paso Doble est une rencontre entre deux artistes et deux moyens d’expression reposant sur un seul et même matériau : le sculpteur catalan Miquel Barcelò et le danseur/chorégraphe hongrois Josef Nadj occupent, enregistrent et orchestrent une pièce remplie d’argile. À partir d’images transitoires, de sculptures vivantes et de gestes en formation, ils créent avec leur performance une cosmogonie de l’art à la fois très personnelle et universelle.
           Alain Mahé a composé la bande son de cette performance. En collaboration avec la productrice de documentaires sonores Kaye Mortley, il a transposé l’événement scénique pour l’univers de la radio. Une sculpture sonore éphémère qui se déplie derrière les yeux fermés et qui cible les oreilles.

Après les plantes et les animaux, les premiers êtres humains ont été réalisés en argile. Mais comme ils étaient trop tendres, ils se sont dissous. La deuxième série d’êtres humains a été faite en bois. Oubliant de rendre hommage à leur créateur, ils ont été détruits. La troisième série a été réalisée en maïs ; ils ont remercié leur créateur et ont fondé des familles et des nations… Telle est l’histoire racontée dans le Popol-Vuh, le livre de la création maya, qui a été transmis à un missionnaire, en langue maya, au XVIe siècle, « de façon à ce que survivent les traditions de notre peuple. » Götz Naleppa a créé une composition sonore qui associe les textes allemands et maya, des sons de la jungle et de la musique interprétée sur des instruments préhispaniques, dans laquelle les aspects cruels et co(s)miques de la création deviennent tangibles.

"Celui qui cherche à s'approcher de son propre passé enseveli doit se conduire comme un homme qui creuse." Par ces mots Walter Benjamin décrit un temps qui avance synchroniquement, plutôt que chronologiquement.

Dans 'le Progrès', le musicien Marc Behrens découvre doucement les fragments de son histoire familiale en Allemagne et la Pologne. Les couches diverses de temps se mélangent et se chevauchent continuellement : tant des enregistrements de terrain que les propos sont enregistrés en utilisant des dispositifs contemporains qu'historiques. Ils se mêlent avec les enregistrements originaux du son de son père, un ingénieur des télécommunications, qui a maintenu les installations d'écoute à la frontière Est/Ouest de l'allemande entre autres.

"Le progrès" interroge le concept de progrès, qu'il soit de nature historique, généalogique ou technique. La magie de notre époque n'est pas dans son cours, mais dans la co-existence fertile des couches de temps dans le présent.

Le compositeur autrichien Peter Ablinger ne focalise pas son attention sur l’« Art » mais plutôt sur « ce-qui-est-là », et surtout sur la façon dont nous assimilons ou percevons « ce-qui-est-là ».
L’émission présente différentes œuvres qui sont le fruit de différentes phases créatrices : « Weiss/Weisslich » est une digression sur le bruit, par exemple les bruissements des différentes espèces d’arbres ; « Quadraturen » s’intéresse à la transposition d’une réalité acoustique (comme les enregistrements de bruits urbains ou de paroles) par des instruments – notamment un piano contrôlé par ordinateur. Toute l’oeuvre se situe dans cette tension mimétique.

Dans cette œuvre, le compositeur se penche sur les fondamentaux de l’art sonore, de l’histoire et de la musique du XXe siècle. Chacun des cinq « domaines thématiques » de la composition reflète un période précise du XXe siècle : le prologue et l’épilogue définissent le cadre temporel, TANZ (danse) fait référence à l’énergie destructrice des bouleversements qui s’est manifestée lors des deux guerres mondiales, ZEIT (temps) à l’horreur traumatisante d’Auschwitz et d’Hiroshima – et SCHWEIFUNG (digression), à l’abandon de la troisième partie du siècle, à sa recherche de plus en plus irréelle de quelque chose de nouveau.

Cuba – une destination de rêve pour les voyageurs, le mythe de la révolution socialiste, et la nostalgie de la simplicité caraïbe. Lorsque Werner Cee s’est rendu à  Cuba en 1998, l’impression qu’il a eue était partagée. Pendant trois semaines, il a exploré les îles avec son magnétophone. Il est tombé sur l’histoire des mains du Che (Guevara), coupées par l’armée bolivienne pour avoir la preuve de sa victoire. Des sons et des bruits nous conduisent dans un monde où se côtoient différentes époques, où des charrettes tirées par des chevaux circulent sur des autoroutes, et où la splendeur du passé a depuis longtemps disparu.
Werner Cee condense les sons originaux dans une composition poétique, assemble les sons des rues de La Havane pour créer une peinture surréaliste et permet à des sons spécifiques de se transformer en métaphores sonores.

« Une pièce radiophonique qui reconstitue l’univers sonore de mon enfance en Haute-Autriche, comment les sons me prenaient par la main tout au long de la journée, accompagnaient mon réveil et me rendaient heureux ou inquiet. À l’époque, le son des cloches de la collégiale St. Florian organisaient encore la vie sociale de la communauté agricole ; les saisons, les vacances, les gens et les travaux à la ferme avaient tous un son différent. Pour cette pièce, je me rappelle de cette époque, je retrouve les sons d’un monde qui a disparu, je recherche et j’invente ce qui est perdu. »  (Sam Auinger)